Paul Simon

• Durante su distinguida carrera, Paul Simon ha recibido numerosos honores y premios, entre ellos 12 Premios Grammy, tres de los cuales ("Bridge Over Troubled Water", "Still Crazy Después de tantos años" y "Graceland") fueron discos del año.
•  En 2003 se le dio un Grammy Lifetime Achievement Award por su trabajo como parte del dúo Simon and Garfunkel.
•  Él es un miembro del Salón de la Fama de Compositores, un destinatario de su premio Johnny Mercer y es en Roll Hall del Rock n 'de la fama como miembro de Simon y Garfunkel y como artista en solitario. Su canción "Mrs. Robinson" de la película "El graduado" fue nombrado en el top ten de 100 The American Film Institute años 100 canciones.
• Él era un recipiente de los honores del Centro Kennedy en 2002 y fue nombrado como uno de la revista Time de las "100 personas que forman nuestro mundo" en 2006. En 2007, el Sr. Simon se adjudicó la primera colección anual de la Asamblea Premio Gershwin de Canción Popular. Nombrado en honor del legendario George e Ira Gershwin, este premio de nueva creación se reconoce el efecto profundo y positivo de la música popular en la cultura del mundo, y se otorga anualmente a un compositor o intérprete, cuya vida útil contribuciones ejemplifican el estándar de excelencia asociadas a los Gershwin .
   
• De las apariencias de conciertos Sr. Simon es más aficionado a los dos conciertos en el Central Park de Nueva York (con su compañero y amigo de la infancia Art Garfunkel en 1981 y como solista en 1991) y la serie de shows que hizo en la invitación de Nelson Mandela en Sudáfrica: el primer artista americano para llevar a cabo en la post-apartheid de Sudáfrica. En 1998, su actuación en el jardín central en el Yankee Stadium celebrar la inauguración del monumento Joe DiMaggio Children's es un recuerdo atesorado para esta vida yanqui de seguidores.
• obras filantrópicas de Paul Simon incluye el co-fundador de la Salud de la Infancia con el Dr. Irwin Redlener. El CHF dona y el personal de camionetas médicos que brindan atención de salud a los niños pobres e indigentes de zonas urbanas y rurales alrededor de los Estados Unidos.
• Desde su creación en 1986 ha proporcionado más de 2 millones médico / visitas de los pacientes. A raíz de los huracanes Andrew y Katrina, fue la fuente de atención primaria de salud para las comunidades diezmadas por las tormentas. El Sr. Simon también ha recaudado millones de dólares para causas dignas tan variadas como AMFAR, The Nature Conservancy, el Fondo para la Infancia El Encarcelado en el sur de África y Autism Speaks y El Joe Torre Fundación Safe At Home

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Los Lobos

• Parece increíble que, después de treinta años más en el negocio, Los Lobos han esperado tanto tiempo para capturar ellos mismos viven en la cinta. De hecho, fue el motivo de su 30 aniversario el año pasado que llevó a la grabación y filmación de este show. Esto es tanto una cosa buena y mala. Bien porque en tres décadas se han convertido en uno de los mejores actos en vivo en el planeta: El ejercicio de interacción telepática, manteniendo un borde áspero. Mal porque en esa visión amplia trayectoria hay demasiados Demasiadas cosas  ignoradas.
•  Desde el lanzamiento de su álbum de debut de su combinación ganadora de tex-mex, blues, rock 'n' roll, country y folk mexicano había críticos delirando. Pero, por supuesto, no fue sino hasta que lleguen a algo de una postura más bajo denominador común con la banda sonora de La Bamba que se encuentran una amplia aceptación. Este documento vivo que muestra cómo fueron siempre mucho más que Richie Valens copistas. En el espacio de catorce canciones que transportan al oyente desde el valiente Bo Diddley rumor de I Walk Alone''''por el blues pantanoso de''''Charmed mientras virando hacia el sur de la frontera con temas como''María Cristina'',''Luz De Mi Vida''y''''Maricela. Incluso tiene tiempo para preparar una tormenta Cajun con el acordeón impulsado''¿Cuánto puedo hacer?''Y sólo para cubrir todas las bases que bis con una versión sincera de Marvin''¿Qué está pasando''.
•  Podría ser que este eclecticismo ha dificultado su aceptación en los últimos treinta años - en especial con el público no estadounidense -, pero en este contexto no puede dejar de ser conquistado. Es una pena que no lo podría haber hecho un doble para sus fans (como yo) que faltan temas como "Más y Más" y "Don't Worry Baby". El sonido algo cavernoso puede defender mejor mientras acompañado por las imágenes disponibles en el compañero de DVD, pero si alguna vez te has preguntado qué pasó con los chicos de Los Angeles que había que hace un año golpe, aquí está el lugar para ponerse al día ...

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THE BASEBALLS

• The Baseballs es una banda de Rock and Roll alemana fundada en Berlín en el año 2007. Se hicieron populares por hacer versiones de estilo rockabilly de canciones actuales como Umbrella, de Rihanna o Hot N Cold de Katy Perry. Su versión de Umbrella fue un éxito en Alemania, España, Países Bajos, Finlandia, Austria, Suiza, Suecia y Noruega.
• El lanzamiento de su álbum debut "Strike!" 05 2009 encendió la manía pelotas de béisbol en toda Europa. La banda celebró las primeras posiciones en las listas europeas durante semanas, obtuvo unas ventas récord: 4x platino en Finlandia, platino en Suecia, Noruega y Holanda, doble platino en Suiza, plata en el Reino Unido y de oro en Alemania.
• El 15 de abril a los ganadores del Premio Alemán de Echo 2010 por Mejor Artista Revelación lanzará su nuevo álbum "Strings'n'Stripes".
• La historia de las pelotas se inició en 2007 en Berlín. Sam, Basti y Digger se encontraron por casualidad en un estudio de grabación y comenzó a hacer versiones de canciones de los años cincuenta y sesenta. Pero pronto descubrieron el atractivo de la transformación de canciones modernas en un estilo rock and roll, o en las propias palabras de la banda: "Nos tomamos buenas canciones y llevarlas a su destino verdadero".
• El lanzamiento de "Strike!" En mayo de 2009 resultó todo al revés para los tres chicos jóvenes. El álbum obtuvo gran repercusión, en los siguientes 18 meses que viajó casi sin parar por toda Europa, jugado cientos de conciertos, actuaciones en festivales para el público entusiasta de miles y ha recibido numerosos premios (entre ellos el premio Emma en Finlandia para el éxito de ventas álbum del año) y en el camino vendido casi un millón de álbumes. En reconocimiento de su éxito internacional de la banda fue presentado el Premio Europeo de Fronteras interruptores 2011 como mayor éxito la nueva banda de Europa en el Festival Eurosonic en Holanda en Janaury 2011.
• Con "Strings'n'Stripes" Sam, Basti y Digger lanzará su segundo álbum el 15 de abril. Siguen siendo fieles a sí mismos y su amor por el sonido de los años cincuenta y sesenta, esta vez presentando su propia versión de "California Girls" (Katy Perry), "Quit Playing Games" (Backstreet Boys) o "Paparazzi" (Lady Gaga ).
• Las pelotas presentar el primer single, "Hello", un club golpeado en la versión original francesa Casa de DJ Martin Solveig, en su estilo voc'n'roll propia, la música de baile perfecta para bailar en la primavera.
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Sarah Brightman

• Sarah Brightman nació un artista. Desde la tierna edad de tres, ella estaba bailando en festivales en su ciudad natal de Berkhamsted, una ciudad de mercado sueño fuera de Londres. A la edad de cinco años, que estaba realizando hasta cuatro rutinas y ganar a todos.
• Fue su maestra de ballet, un examinador de la Academia Real de Ballet, que hicieron sus padres conscientes de que Sara era excepcionalmente dotados. Como tal, las aspiraciones de Sarah espectáculo no se considera como una fantasía infantil, pero como la ambición precoz, merecen respecto y la crianza.
• A pesar de ataques severos de nostalgia, se matriculó en una escuela de artes escénicas de embarque a los once años y estaba en camino a la promoción de sus sueños en esa edad pre-pubescentes.
• Como un niño, Sarah estuvo expuesto a una variedad ecléctica de música, por la suya era una casa donde Tom Jones y Tchaikovsky consiguió la igualdad y de facturación de tiempo aire. Sarah estaba tan feliz dando vueltas por la cocina de pop psicodélico que se estaba ejecutando maniobras de ballet clásico a los graves movimientos.
• Tal vez no sea sorprendente que décadas más tarde, Sarah Brightman se rompa el suelo musicales al fusionar géneros aparentemente incongruente, deslizándose sin problemas entre el pop y la danza clásica, y trip-hop, canto gregoriano y se abstiene del Este. Incluso su gravitación hacia el canto gregoriano se remonta a sus años de cantar en el coro de la iglesia de Berkhamsted.
• voz melodiosa coro no obstante, la asunción por todos los interesados ​​había sido que Sarah sería un bailarín profesional. Pero no fue hasta que el rendimiento de Sara a la edad de doce años en su colegio que sus aspiraciones canto verdaderamente echó raíces.
• Paula, su madre, recuerda:
  Yo realmente no sabía lo bien que su voz era hasta que vi cantar en un concierto de fin de plazo. Se puso de pie en el escenario, con tirantes y todo, y cantaba algo de "Alicia en el País de las Maravillas." Fue tan hermoso, me sentía mal. Ella golpeó tales notas altas que el público se quedó atónito. Se enamoró de ella por completo. Se absoluta magia, y obvio, desde ese momento, que el canto iba a ser su vocación.
• Con don obvia de Sarah para cantar, actuar y bailar, no pasó mucho tiempo para que ella captura la atención de los funcionarios de la escuela. Después de sólo un año allí, fue enviado al Teatro Piccadilly a una audición para I y Albert, un nuevo musical de John Schlesinger.
• Sarah aseguraron dos funciones - el de Vicky, hija mayor de la reina Victoria, y una niña abandonada la calle - y estaba muy emocionada. Después de todo, un papel importante en una producción del West End dirigida por un director famoso fue apenas un hecho cotidiano de un niño de doce años. I y Albert efectivamente extinguido su interés en el mundo académico, inyectando en ella un deseo voraz, de por vida para el escenario.
• En los años siguientes, la adolescente Sarah pasó sus veranos de modelado y pavoneándose en las pasarelas, envuelta en ropas que iban desde baratos a chic - Vaqueros Woolworth un día, la alta costura de Dior y las sesiones de Vogue foto siguiente.
• A la edad de dieciséis años, consiguió una codiciada plaza en Pan's People. A medida que la compañía de danza residente del top-rated de la BBC muestran hit-parade, Top of the Pops, este grupo de chicas en audiencia de, atrayendo a un público fanático y devoto. A pesar de que la nueva alineación de la BBC hizo que Pan's People ya no la gracia de la serie, nada podría ser más atractivo a una bailarina de convertirse en una persona del fauno.
• Inducción en el grupo requerido, no obstante, que Sarah abandonar la escuela, que era precisamente lo que hizo, a pesar de temor los padres pronunciado. Nadie podía haber previsto entonces que este movimiento arriesgado, con el tiempo, pagar con tan buena voluntad para Sarah y sus legiones de fans.
• En poco tiempo, Sarah fue vista por la coreógrafa Arlene Phillips (que más tarde pasaría a golpes coreografía como Annie, Starlight Express y El Señor de la Danza) y fue invitado a una audición para Hot Gossip, el grupo de danza sensual con un espacio semanal-on-Thames Television Mostrar Kenny Everett. Arlene estaba buscando nuevos reclutas con el atractivo sexual y se mueve subidas de tono necesario para complementar el show irreverente, sin formato tabúes. Así obsceno fueron las rutinas que, efectivamente, incurrió en la ira de grupos de vigilancia moral.
• Pero distracción como el escándalo que rodea excitación la compañía ha venido, aquí puede haber sido, no puede menoscabar el hecho de que Hot Gossip pionera en movimientos de vanguardia de baile y edita rápida, generando rutinas y técnicas que siguen siendo en gran medida un alimento básico en la coreografía de hoy .
• Mientras tanto, Sara había estado grabando demos por su cuenta, uno de los cuales llamó la atención de un productor en Hansa Ariola, una etiqueta de manipulación de artistas como disco de Donna Summer y Boney M. Él estaba buscando la voz adecuada para Jeffrey Calvert " Perdí a mi corazón a una Starship Trooper ".
• Era un tema cargado de todos los clichés de exploración del espacio concebible en el libro, pero fue, sin embargo, ideal para apaciguar el apetito a finales de los años setenta de mylar y platillos voladores. Sarah se firmó rápidamente. (Jeffrey Calvert y Sarah finalmente formar su propio sello, susurro, y lanzará dos singles juntos, "My Boyfriend's Back" y "que no tengan dicho").
• "Starship Trooper" fue lanzado en diciembre de 1978, y se convirtió en un éxito instantáneo, la venta de medio millón de copias y alcanzando el número seis en el British Hit Parade. Fue emocionante para Sarah, que siempre había sido una carta-observador, para observar su propia rise.Sexy meteórica, radicales y de la cadera ", Sarah Brightman y Hot Gossip" se convirtió en un fenómeno, y los ídolos adolescentes no tardaron en respaldar ropa, zapatos, productos para el cabello, etc. Las regalías comenzaron a llegar a los dieciocho años y, Sarah comenzó la vida de una estrella del pop.
• Fue durante esta época vertiginosa que Sarah conoció a Andrew Uno (que no debe confundirse con Andrew Dos, que increíblemente exitoso empresario de teatro musical). Después de un noviazgo rápido, Sarah se casó con Andrew Graham Stewart. Siete años mayor que ella, Andrés fue el encargado de Tangerine Dreams, una banda alemana de rock psicodélico firmado a la Virgen.
• Finalmente, Sarah dejó Hot Gossip y audicionó para un papel en un nuevo musical, uno con un tema decididamente curioso: los gatos. También fue donde se reuniría Andrew número dos ...

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Carlos Lázaro

•  Aqui les traigo una nueva promesa del pop Carlos Lázaro..
• Carlos Lázaro Vallejo, deportivamente conocido como Carlos Lázaro (Medina del Campo, Valladolid, 13 de noviembre de 1990) es un futbolista español, que juega actualmente en el Real Valladolid.
• ¿QUIÉN ES CARLOS LÁZARO?
• Soy una de tantas personas que vienen a este mundo con la necesidad de expresar sus sentimientos o emociones a través de la música; de contar su vida a través de canciones. Suena mucho más bonito, meditado y salvo porque en alguna ocasión desafines, no metes la pata.
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  Y a veces, que sean muchas, encuentras el aplauso, y el aplauso engancha, y cuando quieres darte cuenta, ya estás metido en un círculo del que ni quieres ni puedes salir; lo digo yo que he tratado muchas veces de huir de esta locura… pero las musas, a veces cojoneras, te persiguen, y en cada amor o en cada cuerno llaman a tu puerta en forma de notas.
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  Y que puedes hacer tú sino cantarlas? Y las cantas y al que le gusten bien y al que no también, porque el éxito está simplemente en cantar lo que tú quieras, cuando tú quieras y como tú quieras.
• Aqui también les dejo su nuevo tema , que se titula SÁLVAME DE TI:
• Déjame sentir, déjame soñar,
  déjame besarte hasta que ya no pueda más, déjame llenarte y déjame robarte, deja que desnude de tu cuerpo cada parte...
• Déjame sufrir, déjame jugar, déjame que pueda de tu boca respirar, déjame subir, déjame bajar, déjame que te ame de principio hasta el final...
• Y sálvame, y sálvame, y sálvame... de tí.
• Déjame perder, déjame ganar, déjame que piense que eres mía que más da, déjame entregarme y déjame dejarme,
  déjame que pierda algún avión para quedarme, déjame beber, déjame sudar, deja que le cuente a la mentira una verdad, déjame vivir, déjame gritar, déjame que pise un rato la felicidad...
• Y sálvame, y sálvame, y sálvame... de tí.
• Y deja que tus manos me den su calor, y deja que te escriba la mejor canción, y deja que esta puerta se abra para mí, y deja que tus labios solo digan sí, y solo digan sí...
• Sálvame, sálvame, y sálvame... de tí...
  Sálvame, sálvame, y sálvame... de tí...
  y sálvame, y sálvame, y sálvame... de tí..
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La relación de Michael Jackson y El grupo Queen

• Gracias A Fer supe La relación de Michael Jackson con el grupo Queen
• La relación de Michael Jackson con el grupo Queen comienza en 1978 cuando Freddie Mercury y compañía le ofrecen la canción "Another One Bites The Dust" para el album Off The Wall. John Deacon, autor del tema, comentó que había escrito la canción pensando en Michael (si os fijáis Freddie Mercury hace hasta los típicos "aaows"), pero Quincy Jones no la vió apropiada para el album y la rechazó. El grupo tampoco estaba del todo satisfecho con el tema pero Michael les aconsejó que debían publicarla en su siguiente disco porque a pesar de todo era una gran canción. Curiosamente, "Another One Bites The Dust" se convirtió en su primer nº1 en USA y en el single más vendido de la historia del grupo.
• En 1982, Freddie manifestó publicamente sus deseos de grabar un tema con Michael Jackson comentando que el dinero no era lo que le importaba sino el hecho de grabar con él. En un primer momento su participación estaba prevista para el album Thriller, pero tal vez la repercusión y la importancia que suponía por aquel entonces grabar con un Beatle retrasaron su ansiada colaboración. Posteriormente Freddie Mercury dijo que lo que hizo Paul McCartney en Thriller lo iba a haber hecho él, y bromeando comentó que habría sido una satisfacción estar en el album más vendido de todos los tiempos, sobre todo por la cantidad de royalties que habría recibido.
• Al año siguiente, libre de giras y de grabaciones, Freddie Mercury decide cruzar el charco y pasar unos meses en Los Ángeles. Allí visitaría en numerosas ocasiones la mansión de la familia Jackson, dicen que una vez Joe Jackson le invitó a cenar y que se emborrachó bebiendo vino, otras fuentes cuentan que LaToya se lo intentó ligar. Lo que si que se pudo confirmar durante aquellos días fueron las salidas nocturnas que organizaron Michael y Freddie Mercury por diversos locales de Los Ángeles. Pero no todo fue diversión, ambos artistas se reunían cada día en el estudio para componer algunos temas, a finales de ese mismo año Michael acudió a numerosos conciertos de Queen para hablar en el backstage con Freddie y ultimar los detalles de su inminente colaboración. Posteriormente, Michael grabó 3 temas con él para el album Victory que finalmente no se llegaron a publicar. ¿Los motivos?, por un lado está el rumor de que Michael vió a Mercury esnifando cocaína en los lavabos del estudio y que a raíz de ese incidente decidió cortar con él cualquier tipo de relación. Y por el otro está la versión del propio Freddie Mercury. Según contó en su biografía Michael y él se distanciaron a raíz del éxito masivo de Thriller. Freddie explica que Michael se había retraído en su mundo particular y que no había manera de hacerlo salir de aquella fortaleza porque tenía miedo de que alguien le pudiera hacer daño. Freddie también le confesó a su biógrafo que se llegó a enamorar de él pero Michael nunca entendió su humor británico, además miraba con malos ojos su alocado estilo de vida.
• Otro dato curioso: los grupos favoritos de Freddie Mercury eran Mott the Hoople y The Jacksons; y sus albumes "Imagine" de John Lennon y "Off the Wall" de Michael Jackson.
• Hoy en día sólo podemos disfrutar de dos demos de la relación Jackson - Mercury, 'More to life than this', que acabó formando parte del primer disco en solitario de Freddy y acabo cantando él sólo. Y 'State of shock' que también vió la luz pero cantada por Jackson y Mick Jagger, en lugar de Jackson y Mercury cómo estaba previsto.

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Ethan Meixsell

• Uno escucha al guitarrista Ethan Meixsell es todo lo que se necesita para entender por qué es uno de los guitariststs más interesantes en el área de Nueva York. Ha desarrollado una reputación como un músico muy versátil, que tiene créditos profesional como guitarrista, bajista, teclista, cantante, arreglista, ingeniero y productor. Como intérprete se ha vuelto conocido por su meticulosa atención al tono y el sentido, el respaldo de una técnica de trituración. Su música es una corriente de conciencia fusión de Jazz, Fusión, blues, metal, progresivo, y las texturas ambientales, con un montón de fuegos artificiales de guitarra en pantalla.
• Su álbum debut, "Pathos y Logos" es una muestra de guitarra experiencia. Una fusión ecléctica y ambiciosa de metal, rock progresivo, fusión, blues, y las texturas ambientales, "Pathos y Logos" se las arregla para mostrar su capacidad de juego explosivo, mientras que nunca sacrificar la integridad de la música. Esta es la visión de un compositor de cierto, no sólo una guitarra paja-fest. Ethan escribió todo el material, producido, mezclado, ingeniería y jugó la mayor parte de los instrumentos en el CD. Hay varias pistas en las que se realiza cada instrumento.
• Ethan también tiene una larga relación de colaboración con Rob Balducci. Produjo Rob Balducci "El Color de la Luz", y co-producida próximo disco de Rob "Violeta Horizon" para Favorecida Steve Vai sello discográfico Naciones Unidas. Además de la producción de Ethan también se realiza bajo y teclados en los dos registros. Tras la finalización de "El Color de la Luz" se convirtió en el bajista Ethan tiempo completo de Rob. La banda de Rob Balducci ha realizado giras de facturación a nivel internacional el intercambio con James Labrie (Dream Theater), Richie Kotzen, Michael Schenker, Uli Jon Roth, Jason Bonham, Guthrie Govan, Vinnie Moore, UFO, Steve Morse, Kansas, y muchos otros. La banda mantiene anotaciones equipo de Ibáñez, amplificación Cornford, D'Addario, cables de George L, Robert Keeley Electrónica, Línea 6 y sintonizadores Intellitouch.
• Ethan es también el bajista actual con el rock progresivo / fusión guitarrista Carlos Roa. La banda ha estado apoyando más reciente de Carlos liberar "la eternidad", así como los dos anteriores registros Magia Elf "Cuentos Elf" y "Heavy Meddle". Sus actuaciones en directo están llenas de pasajes técnica ferozmente difícil acceso y la melodía. La banda está avalada por SGA Strings, Tech 21, y Amplificadores Fortin.
• A medida que el ingeniero jefe y productor musical de M3, Ethan ha trabajado con cientos de artistas en el área metropolitana de Nueva York y más allá, producir discos de varios géneros diferentes. También mantiene un estudio de las lecciones que ofrece la enseñanza de teoría musical, guitarra, bajo y voz. Sus transcripciones de guitarra han sido publicadas por El guitarrista, de Francia y la revista Guitar Bass, y Mel Bay publicación. Actualmente está trabajando en un libro de conceptos creativos y técnicas para el guitarrista en desarrollo.
• Otros proyectos recientes incluyen el trabajo en la banda sonora de la película "Brooklyn Langosta", producida por Martin Scorsese, desde hace varios años como guitarrista con el scoldees, numerosas actuaciones de estudio en el área de Nueva York, y muchas composiciones para programas de televisión como Maury Povich, Montel Williams, Dateline, y LA Ink. Ethan apoya Ashdown bajo sistemas de amplificación, Intellitouch sintonizadores de a bordo Research Corporation, Pastillas Dimarzio y guitarras Suhr y amperios.

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Al Di Meola

• Un héroe de la guitarra de buena fe, eterno ganador encuesta y virtuoso de primer orden, Al Di Meola también ha sido reconocido en los últimos 30 años como un compositor prolífico y respetado artista con más de 20 grabaciones como líder. Su producción creativa hasta la fecha es impresionante, ya sea con su actual banda Mundial Sinfonía o en el pasado proyectos musicales como el suyo eléctrica Tour de grupo de la Fuerza con Jan Hammer, Anthony Jackson, Steve Gadd y Lewis Mingo, el Trío de renombre internacional con su compañero de guitarra superestrellas John McLaughlin y Paco de Lucía, el trío Rito de Cuerdas con Stanley Clarke y Jean-Luc Ponty o la fusión de 70 súper grupo Return to Forever de Chick Corea, Stanley Clarke y Lenny White. Y si bien su técnica deslumbrante tanto en guitarras acústicas y eléctricas le ha gozar de un estatuto real entre las hordas de aficionados al diapasón que regularmente acuden a sus conciertos, la profundidad de Di Meola escrito junto con la espiritualidad y su lirismo inherente a su expresión guitarrística le han ganado legiones de fans en todo el mundo más allá del conjunto de seis cuerdas.
• Un pionero de la world music fusión y jazz, que se remonta a principios de salidas fusión latina con tintes como en 1976 la tierra del sol de medianoche, 1977 gitana elegante y Casino 1978, el gran guitarrista sigue reflejando la rica influencia del flamenco, el tango, de Oriente Medio, músicas brasileñas y africanas en salidas más recientes como 1998 es el deseo infinito, 2000 "La Pasión Grand, 2006 de las consecuencias del Caos y La Melodia de 2008, en vivo en Milán.
• Saliendo del triunfo del 2008 gira de reunión de 25 años de Return To Forever, que produjo el Devoluciones en vivo de dos set de CD y el DVD del concierto Live at Montreux, Di Meola comenzó a ensayar nuevas canciones con su banda de Nueva Mundial Sinfonia en la preparación de una costa- a costa gira por los Estados en la primera parte de 2009, seguido por viajes de torbellino de Europa y Oriente Medio. Di Meola llama a sus compañeros de banda en la Sinfonía del Nuevo Mundo - Beccalossi Fausto en acordeón, Peo Afonsi en la guitarra acústica, Kaszas Pedro a la percusión, Gumbi Ortiz en la percusión, Víctor Miranda en el bajo - "el mejor grupo de músicos de momento en mi carrera . "
• fascinación en curso Di Meola, con la síncopa rítmica compleja combinación con provocativas melodías líricas y armonía sofisticada ha estado en el corazón de su música a lo largo de una carrera celebra que le ha valido elogios de la crítica, tres discos de oro y en todo el mundo más de seis millones de dólares en ventas de discos. Ha sido particularmente enamorado en los últimos 20 años por la música de tango de finales del compositor argentino Astor Piazzolla, cuyas composiciones ha interpretado con el tiempo, a partir de 1990, Di Meola Plays Piazzolla, continuando hasta 1993 del Corazón de los Inmigrantes de 2002 la carne de la carne y hasta 2007 de Invenciones y seducción diabólica para solo de guitarra. "Piazzolla tuvo un profundo efecto en mi desarrollo como músico y como persona", dice Al. "Nos hicimos muy amigos, a menudo se comunican por correo. Y durante el curso de esta amistad, mi admiración y deseo de aprender más sobre este gran hombre se intensificó. "
• Un nativo de Nueva Jersey que todavía reside en el Estado Jardín, Di Meola nació en Jersey City el 22 de julio de 1954. Crecer en Bergenfield con la música de Elvis Presley, The Ventures y The Beatles, que gravitó naturalmente a la guitarra cuando era joven y por su temprana adolescencia ya era un jugador consumado. La consecución de tales habilidades impresionantes en una edad tan joven no fue fácil para Al, sino más bien fue el resultado de la dedicación enfocado y períodos intensivos de woodshedding entre sus años junior y senior en la escuela secundaria. "Yo solía practicar la guitarra de ocho a diez horas al día", dijo a Down Beat. "Y yo estaba tratando de encontrarme a mí mismo, o encontrar el tipo de música que se adaptaba a dónde iba con la guitarra."
• Sus primeros modelos en el jazz incluidos guitarristas Tal Farlow y Kenny Burrell. Pero cuando descubrió Larry Coryell, quien más tarde sería Al dub "El padrino de la fusión," fue llevado con la mezcla sin precedentes, el guitarrista de jazz, blues y rock en un vocabulario sin fisuras en el instrumento. "Yo solía viajar en el autobús desde Nueva Jersey a verlo en pequeños clubes en el Greenwich Village", recuerda. "Dondequiera que él estaba jugando, me gustaría estar allí."
• En 1971, se matriculó en la Berklee College of Music en Boston y en el segundo semestre se comenzó a tocar en un cuarteto de fusión liderado por el tecladista Barry Miles. Una cinta de concierto de la banda se pasó más tarde a Chick Corea por un amigo de Al y en la primera parte de 1974 fue intervenido el guitarrista de 19 años de edad, a unirse a la superbanda de fusión como un reemplazo para el guitarrista Bill Connors. "Yo estaba sentado cerca de mi apartamento en Boston el viernes por la tarde cuando Chick llamó y me pidió venir a un ensayo en Nueva York", recuerda. "Yo no lo podía creer. Pero en 10 minutos metí algo de ropa en una bolsa, tiene un viaje a Nueva York y nunca vi ese apartamento en Boston otra vez. "
• Tras un fin de semana de ensayos con Chick, Stanley Clarke y Lenny White, Di Meola hizo su debut en el Carnegie Hall RTF, oficialmente el lanzamiento de su carrera a la estratosfera. "Jugar con Chick en Return to Forever fue el primer paso importante en mi desarrollo como jugador", dice Al. "Chick es otra gran influencia en mi vida. Siempre ha sido un maravilloso y gran inspiración musical y un amigo." Después de tres grabaciones de la señal con Return To Forever - 1974 ¿Dónde he te conozco de antes de 1975 el Premio Grammy n Misterio y 1976 de Romantic Warrior - el grupo se disolvió y Al posteriormente inició su carrera como solista Sus 1.976 debut como. líder, la tierra del sol de medianoche, fue una muestra deslumbrante de sus chuletas de firma y composiciones con tintes de América que contó con un elenco estelar que incluyó tambores Steve Gadd y Lenny White, el bajista Anthony Jackson y Jaco Pastorius, teclistas Jan Hammer, Barry Miles y Chick Corea y el percusionista Mingo Lewis A lo largo de seis discos más con Columbia Records -. Elegant Gypsy, Casino, Hotel Splendido, el Rendezvous eléctrica, Tour de la Fuerza y ​​de Escenario - Al se estableció como una fuerza influyente en la música contemporánea.
• 1980 marcó el triunfo del trío de guitarra acústica con Paco De Lucía y John McLaughlin. Su grabación de debut en Columbia Records, la noche de viernes en San Francisco, se convirtió en una grabación histórica que superó la marca de dos millones de dólares en ventas. Los tres virtuosos de gira juntos entre 1980 y 1983, lanzando el álbum de estudio de la Pasión, Grace & Fire en 1982. En 1995, se reunieron para un tercer disco, Guitarra Trío, siga por otro triunfante gira mundial. A principios de 1996, Di Meola formó un nuevo trío con el violinista Jean-Luc Ponty y Stanley Clarke RTF compañero llamado El Rito de Cuerdas. Posteriormente grabó con los gustos de la superestrella de la ópera Luciano Pavarotti, estrellas del pop Paul Simon y Dave Matthews, guitarra clásica de Manuel Barrueco y el pianista de jazz japonés Yutaka Kobayashi. A lo largo de su carrera, Di Meola ha trabajado y grabado con Phil Collins, Carlos Santana, Steve Winwood, Wayne Shorter, Tony Williams, Herbie Hancock, Gonzalo Rubalcaba, Naciemento Milton, Egberto Gismonti, Stevie Wonder, Les Paul, Jimmy Page , Steve Vai, Frank Zappa y muchos más.
• Pero por ahora foco principal de Al restos de su Sinfonía Nuevo Mundo. "Estoy totalmente involucrado con el nuevo grupo", dice. "Todo el mundo está feliz y totalmente en la música. La gira de reunión RTF fue muy divertido y es genial para los aficionados, pero era más de una cosa nostálgica. Estoy más interesado ahora en adelante con la Sinfonía del Nuevo Mundo, que realmente ha convertido en algo hermoso. Para mí, es la cosa más gratificante que he hecho en mucho tiempo, mucho tiempo, toda la vuelta. Usted no tiene el volumen dominante con esta banda. En su lugar, tienen una especie ricos armónicos de la música con mucha improvisación, tiene una música que es emocional, que en realidad va mucho más allá de la multitud casi golpearse la cabeza masculina que la fusión eléctrica atrae. "
• El prolífico Di Meola planes para documentar su último lote de nuevas composiciones con las dos grabaciones en vivo y en estudio en el próximo año con la Sinfonía del Nuevo Mundo. "Lo que estoy haciendo ahora es completamente satisfactorio, como una comida fenomenal y un gran vaso de vino de la vendimia. Lo de fusión es una especie de explosión del pasado y es una especie de agresión en las orejas. Y hay un aspecto fresco, pero no es donde yo voy musical como compositor. "
• Mientras tanto, Di Meola se puede ampliar su vocabulario músicas del mundo aún más después de visitar Marruecos con su Sinfonía del Nuevo Mundo. "Vamos a estar allí una semana y que me dará la oportunidad de tocar con algunos de los músicos locales allí. Estoy muy abierto a ese tipo de colaboración ya. He hecho algunos atascos de vuelta en Nueva York en un club de música del mundo en el East Village llamado Drom. Tengo un atasco de mucho éxito allí con un virtuoso del clarinete turco llamado Husnu Senlendiric. Me parece que tengo una gran afinidad por la música de Oriente Medio. Así que vamos a ver cómo va en Marruecos. Tal vez hay algo que puede salir de esto. "
• Está claro que hay muchos capítulos aún por venir en la historia de Al Di Meola. Pero hasta ahora, en sus 35 años como músico profesional, ha establecido ya un rico legado que ha asegurado un lugar para él en la Galería de Guitar Greats. Manténgase en sintonía.

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Michael Angelo Batio

• Michael fue nombrado uno de los 50 guitarristas más rápidos de todos los tiempos por la revista Guitar World, una de las 20 más grandes trituradoras de todos los tiempos por Total Guitar Magazine en el Reino Unido y nombrado uno de los 20 mejores guitarristas de Chicago de todos los tiempos por la revista de música famosos , el animador de Illinois. Todos en el mismo mes!
• Michael se presentó en "Colbert Report" de la Comedy Central es organizada por Stephen Colbert, el miércoles 23 de enero 2008! Este programa de cable muy popular es visto por millones de personas en todo el mundo. Michael fue mencionado junto con Tom Brady, Jimmy Carter y Al Gore.
• MAB se presentará en un nuevo documental Randy Rhoads que se estrenará este año. El director Peter Margolis y Fotos de Dakota será la liberación de la película. Más información a continuación.
• El número de enero de 2005 de la revista Young Magazine de Japón Guitarra lista a Michael como uno de los más grandes guitarristas de TODOS LOS TIEMPOS! La lista se divide en tres categorías. Leyendas, Maestro y Maestros. Michael Angelo Batio aparece en la sección de Maestros. Otros nombres en esta categoría son Eric Johnson, Frank Zappa, Larry Carlton, Django Reinhardt y Johnny Winter. Otros nombres incluidos en la sección de Leyendas y lista general son Edward Van Halen, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Eric Clapton, Jeff Beck y mucho más.
• El 27 de octubre de 2005 Michael publicó su aclamado "Manos sin sombras" CD. Esta es la obra más ambiciosa de Michael hasta la fecha cuenta con apariciones especiales de Mark Tremonti de Alter Bridge y el Credo, Rudy Sarzo de Ozzy, Whitesnake y Quiet Riot, Doug Marks, fundador del Método de metal, el virtuoso guitarrista Bill Peck y mucho más. Bobby Rock tocó la batería en todo el CD. El principal bajista William Kopecky es una cadena de 6 y virtuoso del bajo sin trastes.
• En octubre de 2005, la revista Guitar World puso en marcha un programa de televisión por cable en la red de Comcast Cable con el MAB tiene un segmento de 11 minutos en el show. Los 3 segmentos de video en términos de popularidad y el barco visor se Zakk Wylde, Michael Angelo Batio y Steve Vai llegando a los números 1, 2 y 3 con Dave Mustaine en el no. 4.
• Julio de la revista Guitar World 2005 de la revista aparece Michael en un artículo de la página principal 6 y una página de dos "coleccionistas elección" póster a color de su famoso Dean doble guitarra. Además de esto, hubo una página llena de anuncios guitarras Dean con Michael, así como un anuncio de Metal método también con Michael. Guitar World Magazine llamado Michael "el guitarrista más ardiente en el planeta" en este tema. Este era enorme!
• Revista Guitar One votó Miguel no. Una trituradora de todos los tiempos en su edición abril 2003. Otros notables guitarristas que hicieron los 10 fueron John Petrucci, Paul Gilbert, Buckethead, (el gran tarde) Shawn Lane y Yngwie Malmsteen.
• Guitar World Magazine, enero de 2004 de la revista, los nombres de Michael Angelo Batio "Speed ​​Kills" uno de los "75 esenciales guitarra DVD's", Guitar World y una serie de gigantes de rock llamaron a su guitarra favorita de DVD. "Speed ​​Kills", DVD instruccional de Michael está en la categoría "Master Classes" con BB King, Flea, Frank Gambale y John Petrucci. Guitar World llama "Speed ​​Kills". "La cara final de fusión de instrucción de DVD."
• Guitar World Magazine (marzo de 2004 de la revista) los nombres de Michael Angelo Batio una de las "100 mejores guitarristas de metal más grande de todos los tiempos". Tony Iommi (sábado Negro), Edward Van Halen, Jimi Hendrix y Jimmy Page se encontraban entre los 100 elegidos. Todos, desde la CNN a Yahoo en línea ha hablado y escrito sobre esto.
• Michael fue honrado por la Universidad G Martell en la Ciudad de México, México en septiembre de 2003. Llamaron a un salón de clases en su honor y puso su mano las impresiones en el cemento de mostrarlos en su "Paseo de la Fama".
• FHM Magazine, edición de noviembre 2003 bajo el título de Michael y su "quad", una guitarra de los 50 momentos más escandalosos de la historia del rock! Los Beatles, Elvis Presley, The Rolling Stones, The Who, Bob Dylan, Metallica, Axel Rose, The Eagles y muchos más también fueron nombrados a la lista. Halle Berry aparece en la portada.
• Michael ha tenido dos importantes acuerdos sello discográfico. Atlantic Records con la banda "Holanda" y Rhino / Warner Records hermanos con la banda "Nitro".
• Michael realizó una gira en Europa con el fallecido, el legendario Jimi Hendrix Experience bajista Noel Redding en el invierno de 1999.
• Junio ​​de 1994, primer CD en solitario de Michael "No Boundaries", fue lanzado mundialmente el ECAM etiqueta de Michael Música, Records Inc.. "No Boundaries" es considerado por muchos como uno de los CDs mejor guitarra instrumental eléctrico de su tipo jamás registrado.
• Michael empezó como guitarrista de sesión cuando tenía 19 años de edad. Ha grabado televisión, radio y música para el cine industrial: Burger King, Pizza Hut, Taco Bell, KFC, United Airlines, United Way, McDonald's y el equipo de Chicago Lobos de hockey entre otros.
• Michael protagonizó la película para cable "Shock'em Dead". La película juega en Showtime, Cinemax, The Movie Channel y Pay-Per-View.
• La banda "Nitro" (con Michael a la guitarra) publicó el disco "IEF" en Rhino / registros de Capital. Michael produjo el disco y "éxito" las listas de Billboard. "Nitro" hecho 3 video de MTV, MTV organizó el "Headbangers Ball" (donde Michael tocada en vivo) y una gira de shows, por todas partes.
• A los 14 MAB tocaba jazz y un 16 ganó un premio de solista de jazz sobresalientes en la guitarra.

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blind melon

• La banda se formó en 1989 en la ciudad de Los Ángeles, con miembros procedentes de diversos estados norteamericanos, como Indiana, Pennsylvania o Mississippi, y firmaron un contrato con Capitol Records en 1991. La aparición del vocalista Shannon Hoon en el vídeo musical del tema "Don't Cry" de Guns 'N Roses consiguió una cierta popularidad para el grupo reforzada por la publicación de su primer álbum, homónimo, producido por Rick Parashar, quien había trabajado anteriormente con Pearl Jam. Aunque el disco no consiguió muchas ventas al poco de salir al mercado, el single "No Rain" contribuyó en gran medida a difundir a música de Blind Melon por los Estados Unidos. El vídeo de esta canción, protagonizado por una niña disfrazada de abeja, alcanzó una inusitada y espectacular popularidad, y el disco consiguió superar los cuatro millones de copias vendidas. Este disco presenta influencias del rock de los años '70, el folk y el pop.
• Para presentar el disco, Blind Melon abrieron en conciertos de Lenny Kravitz, Neil Young, Soundgarden y los Rolling Stones, y encabezaron su propia gira que tuvo que ser suspendida al poco de comenzarse debido al abuso de drogas por parte de Shannon Hoon.
• En 1994, la banda comenzó a grabar su segundo disco de estudio, Soup, en Nueva Orleans con el productor Andy Wallace. Este álbum fue publicado en 1995 y significó un ligero avance hacia el rock alternativo, con canciones más cortas y recortando la influencia del folk y el pop. Aunque este disco fue un poco más accesible al gran público a pesar de su cambio de estilo, Soup no consiguió las ventas esperadas.
• Poco después de la edición de este álbum, la banda contribuyó a la grabación de Encomium, un disco en tributo de Led Zeppelin en el que grabaron el tema "Out on the Tiles".
• La gira de promoción del trabajo estuvo marcada por los constantes problemas de Hoon con las drogas. Éste tuvo que llevarse a su tutor en la clínica de rehabilitación en la que estaba ingresado para que le impidiese reincidir en su adicción, pero debido al constante desobedecimiento por parte del vocalista, este tutor fue despedido a los pocos días de comenzar la gira. Este hecho fue acusado por Hoon, quien el 21 de octubre de 1995, en Nueva Orleans, fue encontrado muerto en el autobús del grupo a causa de una sobredosis de cocaína, horas antes de una presentación en dicha ciudad. Sus compañeros decidieron editar un disco póstumo, titulado Nico, que contiene temas descartados, canciones inéditas y versiones de John Lennon y Steppenwolf. El título del álbum es el mismo que el nombre de la hija de Hoon, que contaba con sólo trece semanas de vida al morir su padre. Los beneficios recaudados por las ventas del disco fueron destinados a la manutención de la hija de Hoon y donados a asociaciones de ayuda a músicos con problemas de adicción al alcohol y a las drogas.
• Después de un breve intento de seguir adelante por parte de los restantes miembros de Blind Melon, la banda se separó el 4 de marzo de 1996, y sus integrantes se separaron para formar distintos proyectos.
• La muerte del cantante y el correr de los años, han hecho que Blind Melon pasara a ser una banda de culto, haciendo que el público revalorizara su música con mayor intensidad, debido a su gran legado, que trajó los sentimentos musicales caraterísticos de los años '60 y '70, pero llevados a la modernidad, y así como el movimiento Grunge, las canciones del grupo fueron toda una voz para la furiosa "Generación X".
• En 2002, Capitol Records editó un DVD titulado Classic Masters que contiene videos y entrevistas de la banda. La gran acogida que recibió este DVD hizo que los antiguos miembros editasen Live And The Woodstock 1994 en 2005 junto con un DVD que muestra una actuación de la banda en septiembre de 1995 en Chicago. El 16 de diciembre de 2006 salió a la venta un álbum tributo a Blind Melon sólo en Nueva Zelanda, aunque contiene canciones de grupos de todo el mundo. Poco antes, en abril de ese mismo año, Capitol Records editó Otro DVD en directo, Live at the Palace.
• El 15 de septiembre de 2006 se anunció una reunificación de la banda con un nuevo vocalista, Travis Warren, proveniente de Rain fur Rent. Poco después, el 9 de noviembre, se publicaron tres nuevas canciones de Blind Melon, "Make a Difference", "For My Friends", y "Harmful Belly", y en agosto de 2007 se les unió otra más, "Wishing Well", que puede ser escuchada en el sitio de la banda en MySpace. El 7 de octubre de 2007, Blind Melon realizó su primer concierto en doce años en la ciudad de Providence, Rhode Island.
• For My Friends, el nuevo álbum de Blind Melon, salió a la venta el 22 de abril de 2008 en Adrenaline Records. Anteriormente había sido publicado el primer sencillo, "Wishing Well", el 4 de marzo.
• En septiembre de ese año se publicó el libro A Devil on One Shoulder and an Angel on the Other: The Story of Shannon Hoon and Blind Melon, del periodista musical Greg Prato, basado en la carrera de la banda antes de la muerte de Shannon Hoon. En noviembre de ese año la banda anunció la salida de Warren, por razones no oficiales: mientras Warren adujo que le habían expulsado de la banda tras perder la voz a causa de la gran cantidad de conciertos que dio, el resto de miembros apuntó a la irresponsabilidad y a la falta de comunicación con el resto como los detonantes de la marcha del vocalista, añadiendo que había sido una decisión del propio cantante. A fines de 2010 y comienzos de 2011, la banda se vuelve a juntar para dar una serie de conciertos por Estados Unidos.
• En 2011, se oyen rumores de que la banda podría tocar en el Festival Lollapallooza, que se llevará a cabo en Chile, ilusionando a los fanáticos con que Blind Melon podría estar por primera vez en Latinoamerica.

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Keb 'Mo

• El cantante y compositor y guitarrista de música Keb 'Mo es un eslabón viviente con el seminal blues del Delta que viajó por el río Mississippi y en toda la extensión de América - informar a todos de sus raíces musicales - antes de evolucionar en una forma de arte universalmente celebrada. Kevin Moore nació en el sur de Los Angeles de padres originarios del sur profundo, adoptó su nombre más conocido etapa cuando era un joven jugador que llegó a ser inspirados por la fuerza de este legado esencial afro-americanos. En la tradición legendaria de músicos de blues ante él como Muddy Waters - anteriormente McKinley Morganfield - y el Taj Mahal, que comenzó sus días como Henry St. Clair Fredericks, Moore se hizo conocido como Keb 'Mo'. Su aclamado auto-titulado álbum debut 1994 introdujo esa denominación ya famoso en el mundo, y su más reciente álbum de 2006 de la maleta, que lleva a nuevas alturas.
•  Mo música es también una expresión puramente post-moderna de la trayectoria artística y cultural que ha transformado el blues, y su propio punto de vista, con el tiempo. Su distintivo sonido abraza múltiples épocas y géneros, incluyendo pop rock folk, y jazz, en el que está bien versado. En total, se debe tanto al movimiento de la música contemporánea de la cantante y compositora, que abarca sus viejos amigos y colaboradores, Bonnie Raitt y Jackson Browne, como al espíritu del blues Robert Johnson padrino que habita en su obra. Para Keb 'Mo', el lazo común entre estas influencias es la narración de historias subyacentes ética, el poder de la canción para expresar la experiencia humana y el peso emocional.
•  PREMIOS
• PREMIO GRAMMY Álbum de Blues Contemporáneo "Just Like You" 1997
• Álbum de Blues Contemporáneo PREMIO GRAMMY "Slow Down" 1999
• Álbum de Blues Contemporáneo PREMIO GRAMMY "Keep It Simple", 2005
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "Maleta" 2007
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "gran sonrisa ancha" 2002
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO Álbum de Blues Contemporáneo del Año "La Puerta" 2001
• PREMIO GRAMMY NOMBRAMIENTO País Canción del Año "Espero" 2006
• Disco de Oro certificado por la RIAA para "Keb 'Mo'" 2005
•  2002 PREMIOS GIBSON ORVILLE La mejor guitarrista de blues
•  2008 FESTIVAL DE CINE DE ELEVAR-Mejor Artista de Música
•  2008 FESTIVAL DE CINE DE ELEVAR-Mejor Video Musical
•  ROCK Hollywood Walk INDUCCIÓN - 16 de junio 2007
• WC Handy Blues Premios:
• 1999 Canción del Año - pronto como se les paga
•  1994 País / Acoustic Blues Album del Año - Keb 'Mo' álbum
•  1999 y 2000 Blues Contemporáneo Artista Masculino del Año
•  1997-2002 Blues Acústico Artista del Año

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Sia Furler

• Sia Kate Isobelle Furler (18 de diciembre de 1975 en Adelaida) es una cantante pop australiana. Además de solista, hace los coros para Zero 7. Sacó su primer disco con una discográfica independiente australiana y después firmó para Sony Music. En 2010 salió a la venta su cuarto álbum de estudio, We Are Born.
• En 2003 se Sia lanzar un EP titulado Don't Bring Me Down. Este fue utilizado como la canción de cierre de la película francesa, de 36 Quai des Orfèvres. Su segundo álbum, titulado color el pequeño, fue lanzado en Australia y Europa el año siguiente. Este álbum vio downtempo Sia emplear una mezcla de instrumentos acústicos y electrónicos de respaldo en su material, que dio lugar a comparaciones con artistas como Dido y Sarah McLachlan.
• Se presentó "El Bully", que fue una colaboración con el músico estadounidense Beck Hansen. Dos canciones más fueron co-escrito y producido, pero aún no se han puesto en libertad. Color de la pequeña, sin embargo, dio lugar a los singles "Breathe Me" y "Where I Belong". La pista de este último se destinó a aparecer en la banda sonora de la película Spider-Man 2, pero debido a un conflicto sello discográfico, su inclusión fue retirada. En previsión de esta inclusión notables, el single de "Where I Belong" fue empaquetado con una cubierta con Sia vestido con un traje de Spider-Man
•  A principios de 2005, Sia se separaron con Go! Beat Records, decepcionado por la mala promoción de la empresa del álbum, y el fracaso de contraparte de la etiqueta EE.UU. para recoger el expediente. Mientras tanto, "Breathe Me" estaba empezando a recibir la notificación internacional con apariciones en la final de la serie de televisión de los EE.UU. serie de HBO Six Feet Under y la difusión de la Victoria Secret Show 2006 de la moda. La pista había sido autorizado para Astralwerks (que también produce la banda sonora de Six Feet Under), y con base en la retroalimentación positiva, la licencia completa de color el pequeño fue recogido por Astralwerks y dado una versión estadounidense a principios de 2006.
•  Sia gira por los EE.UU. durante el año 2006, la promoción del álbum y la promoción de la cruz-Six Feet Under quinta temporada en DVD. La re-editado álbum de 2006 EE.UU. cuenta con cuatro bonus tracks: "Galletas rotos" (de la Don't Bring Me Down EP), "Sea Shells" (el lado B de "Breathe Me" en el Reino Unido) y dos remixes de "Breathe Me" de Four Tet y Ulrich Schnauss.
  En 2007, Sia tuvo un año prolífico en cuanto a la liberación de la música, aunque no dio a conocer su álbum completo de terceros hasta enero de 2008. El 3 de abril de 2007, tercer LP de Sia (casi EP-ish) Lady Croissant fue lanzado en los EE.UU. Se presentó ocho canciones en vivo y un tema nuevo estudio ("Imágenes"). En noviembre de 2007, cuatro de Sia-canción EP, Day Too Soon, fue lanzado en iTunes. Se incluyen los temas "Day Too Soon", "Botones", "Lost You Girl a la cocaína", y un remix de "Day Too Soon" por Mock & Toof.
• LP cuarto Sia (tercera propiamente dicha), algunas personas tienen problemas reales, fue lanzado en enero de 2008. El primer sencillo fue "Day Too Soon". Un video de la canción "Botones" se puede encontrar en YouTube, así como muchos otros videos en vivo y en estudio. La canción "Little Negro Sandalias", del álbum fue presentado en el programa de televisión Private Practice en un episodio de la temporada, "En el que Addison encuentra un gorro de ducha".
• El 8 de enero de 2008, Sia realizó "The Girl Lost You a la cocaína" en Late Night con Conan O'Brien. La canción también ha sido remezclado por gente como Sander van Doorn, Stonebridge y O. Jens El Sander van Doorn remix fue un éxito en los Países Bajos, alcanzando el puesto Nª 11 en las listas de sencillos holandés. Sia y sus miembros de la banda vestían trajes que brillan en la oscuridad-en Jimmy Kimmel Live! en enero de 2008, la realización de "Botones" y "Breathe Me". El remix de Mylo "Breathe Me" también fue utilizado en varias ocasiones en su segmento nocturno "La crisis de Wall Street: ¿Es su dinero seguro?" durante la crisis económica de 2008-2009.
• Sia vídeo musical, "Soon We'll Be Found", apareció en la portada de los Estados Unidos de la iTunes Music Store. Los clientes se podrán descargar una versión de alta calidad del vídeo de forma gratuita. Se ha ganado en general buenas críticas de los clientes, aunque el grado medio como de 10 de noviembre de 2008 es 3.5 estrellas.
• Su portada de Ray Davies "Me voy a dormir" ha aparecido en series de televisión como casa de muñecas ("Gray Hour" episodio) y repletas hasta el techo ("Perfect Bubble" episodio).
• Christina Aguilera, gerente de AguileraFurler acercó en 2007 para grabar "Muerte por Chocolate" y Christina Aguilera en contacto con Enrollador sí misma. Enrollador de entonces colaboró ​​con su bajista Samuel Diaz y Christina Aguilera en las canciones para cuarto álbum de estudio de Christina, Bionic. Tres de las canciones se incluyeron en el álbum Bionic.

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Thomas Earl Petty

• Thomas Earl Petty (Gainesville, Florida, 20 de octubre de 1950) es un músico estadounidense
  Su segundo álbum, You're Gonna Get It! (1978) demostró que la intensidad del primer disco no era casual. Se convirtió en el primer disco de oro de la banda en Estados Unidos y contenía sencillos como "Listen To Her Heart" y "I Need To Know". No mucho después de su lanzamiento, la banda tuvo un litigio cuando ABC Records, la compañía matriz de Shelter, fue vendida a MCA Records. Petty se negó a ser simplemente transferido a otra compañía sin su consetimiento. Se atuvo a sus principios durante nueve meses que al final le llevaron a la bancarrota.
• Tras resolverse la disputa, Tom Petty & the Heartbreakers lanzaron su tercer álbum, Damn the Torpedoes (1979), que con el sencillo «Refugee» se convirtió rápidamente en triple platino en Estados Unidos. A este disco le siguió Hard Promises (1981), que no tuvo gran éxito comercial pero recibió buenas críticas.
• En su quinto álbum, Long After Dark (1982), el bajista Ron Blair fue reemplazado por Howie Epstein, con lo que se completó la formación final de The Heartbreakers. Sin embargo, Tom Petty tenía problemas para manejar el estrés y el éxito, así que decidió reducir el ritmo de trabajo.
• En su disco de regreso, Southern Accents (1985), Tom Petty & The Heartbreakers volvieron donde lo habían dejado. El disco tuvo sus problemas: Petty, en un momento de frustración del proceso de mezclas, pegó un puñetazo a la pared y rompió su mano izquierda. El álbum incluía el exitoso sencillo «Don't Come Around Here No More», producido por Dave Stewart.
• De la exitosa gira de conciertos que siguió al disco nació el álbum en directo Pack Up The Plantation-Live! (1985). Las capacidades de la banda en directo fueron puestas a prueba cuando Bob Dylan invitó a Tom Petty & the Heartbreakers a unirse a él en su gira True Confessions por los Estados Unidos, Australia, Japón (1986) y Europa (1987).
• También en 1987, el grupo lanzó Let Me Up (I've Had Enough), un disco de estudio hecho para sonar como un disco en directo con una técnica tomada de Bob Dylan. Incluye «Jammin' Me», escrita por Petty y Dylan.
• Petty también apareció en varios episodios de It's Garry Shandling's Show (1987 - 1990), haciendo de sí mismo como uno de los vecinos de Garry Shandling.
• En 1989, Petty lanzó Full Moon Fever. Aunque nominalmente era un proyecto en solitario, otros miembros de Heartbreakers y algunos músicos muy conocidos participaron en la grabación. Mike Campbell coprodujo el disco con Petty y Jeff Lynne (de la Electric Light Orchestra). Estuvo entre los diez primeros de la lista de Billboard durante más de 34 semanas y consiguió llegar al triple platino, con éxitos como «I Won't Back Down», «Free Fallin'» y «Runnin' Down A Dream».
• Antes de Full Moon Fever, Lynne y Petty habían trabajado juntos en la banda de estrellas Traveling Wilburys, que también contaba con Bob Dylan, George Harrison y Roy Orbison. Traveling Wilburys comenzaron como una broma para grabar una cara B de un sencillo de George Harrison, pero la canción «Handle With Care» tuvo tanto éxito que el grupo decidió grabar un disco completo, Traveling Wilburys Vol. 1 (1988). La repentina muerte de Roy Orbison ensombreció el éxito y poco tiempo después Del Shannon, en quien el resto de los Wilburys pensaban como reemplazo, se suicidó. Se lanzó un segundo disco de los Wilburys, llamado misteriosamente Traveling Wilburys Vol. 3 (1990), pero no estuvo a la altura de las expectativas.
• Petty se volvió a juntar con los Heartbreakers para su siguiente álbum, Into the Great Wide Open (1991). Producido de nuevo por Jeff Lynne, incluye los exitos sencillos «Learning To Fly» y «Into The Great Wide Open».
• En 1994, Petty lanzó su segundo disco en solitario, Wildflowers, que también tuvo canciones de éxito como «You Don't Know How It Feels», «You Wreck Me», «It's Good to Be King», «A Higher Place» y «Honey Bee».
• Petty ha recibido 10 nominaciones a los Premios Grammy desde 1981. Ese año recibió su primera nominación por su colaboración con Stevie Nicks, «Stop Draggin' My Heart Around», en la categoría de Mejor actuación de rock realizada por un dúo o grupo con voz. Petty consiguió un permio Grammy en 1989 en la misma categoría por su trabajo con los Traveling Wilburys. En 1994 recibió otros dos premiso Grammy: Mejor interpretación vocal masculina (por «You Don't Know How It Feels») y Álbum mejor producido (no clásica). Wildflowers también obtuvo una nominación a los Grammy como Mejor álbum de rock.
• Otros premios conseguidos por Wildflowers incluyen el Premio al mejor vídeo masculino por «You Don't Know How It Feels», otorgado en 1995 por la MTV. Tom Petty & The Heartbreakers ganaron el mismo premio en 1994 con el vídeo «Mary Jane's Last Dance». En la ceremonia de 1994, también se le otorgó a Petty el Premio a vídeo de vanguardia, citando sus contribuciones al campo a lo largo de mucho tiempo.
• Como compositor de canciones, Tom Petty recibió en mayo de 1996 el prestigioso Golden Note Award de ASCAP. En abril de 1996, Petty recibió el premio George And Ira Gershwin Award For Lifetime Musical Achievement de la UCLA. En 2002 el grupo entró en el Rock and Roll Hall of Fame.
• En 1999 Tom Petty & the Heartbreakers recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en 7018 Hollywood Blvd., un honor que reconoce tanto sus logros musicales como su entrega humanitaria con organizaciones como Greenpeace, la National Veteran's Foundation, USA Harvest, Rock And Wrap It Up y AmFAR (American Foundation for AIDS Research).
• En 2002 Petty apareció en Los Simpsons, en el episodio "What I Did In My Strummer Vacation". También ha puesto la voz al personaje Lucky in King of the Hill.
• En 2005, Tom Petty comenzó su propio programa "Buried Treasure" en XM Radio. En el programa, Petty comparte selecciones de su colección de discos personal.

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Loquillo y los Trogloditas

• Ciertamente hablar de Loquillo y los Trogloditas es hablar de un capitulo del rock and roll  español
• Tipo duro de aspecto imponente es mucho más que un cantante de rock and roll al uso.
• Su estética combina el cuero de macarra de barrio con el dandy de traje de corte impecable y sombrero de ganster. 
•  No sabe tener la boca cerrada y sus declaraciones siempre están en el ojo del huracán.
• Si estás dispuesto a escucharle no dejará títere con cabeza, ataca a los medios y la industria discográfica, aunque sea su propia compañía de discos.
• Aunque parezca mentira, existió una generación que desconocía el término “latino” dentro de su música.
•  Una generación en la que el rock’n’roll era el santo y seña de casi todos. Una generación que creció escuchando a Gatos Locos, a La Frontera, a La Guardia o a Loquillo y Trogloditas.
• En el otro lado estaban los grupos poperos del momento, con Hombres G como bandera. Eran tiempos en los que, dentro de la música española existía algo que hoy prácticamente ha desaparecido: diversidad. La uniformidad de los tiempos que corren en la “música de aquí” es cada día más preocupante: salvando las minorías que tienen grupos más o menos representativos, el gran conjunto de los nuevos autores presumen de llevar tatuado en el brazo la palabra “música latina”. Modas. Pero aquí no estamos para hablar de lo que tenemos, sino de lo que fue. Loquillo y Trogloditas fue la mejor banda de rock and roll. Y precisamente, a raíz de este directo, dejaron de serlo.
•  De discos como La Mafia del Baile o Mis problemas con las Mujeres, saltaron a una comercialidad barata con Hombres o Mientras Respiremos, para dar paso más tarde al Loquillo más extraño, más lejano a sus inicios, al Loquillo de 9 tragos o Con Elegancia. Es ahora, con discos como Cuero Español o Feo, Fuerte y Formal, cuando intenta volver por sus fueros, ignorando que, quizá, ya es demasiado tarde. Por eso este A por ellos significa un antes y un después en la carrera del Loco. Fue la ruptura definitiva con su amigo y letrista Sabino.
•  Fue la consagración de un monstruo de la música. Pero, por desgracia, fue también el final de una etapa magistral. Y es por eso que este disco significa tanto para los que amamos en R’N’R. El Loco se puso al frente de su banda y nos cantó en directo 24 temas sin desperdicio. Fue un brillante colofón a una banda en vías de extinción.
•  Quizá el problema mayor fue que la banda pasó de formar parte de un grupo más o menos minoritario de gente a convertirse en un referente del panorama nacional. Es gracioso que, tras tantos discos, tenga que ser un directo el que lance a un grupo a lo más alto. "Hice ganar mucho dinero a la compañía de discos con aquel disco; se hizo con muy pocos recursos.
• El éxito nos superó, dejó al grupo al borde de la desaparición. Comprobamos en propia carne que un grupo vende más cuando más acabado está". Son palabras de Loquillo años después de grabar el disco. Palabras que explican a la perfección el motivo del cambio.
•  Se sentían acabados y decidieron tomar otro rumbo. Rumbo equivocado señalamos muchos. Y así fue. Hoy vuelven a ser un grupo para minorías, con la diferencia de que éstas están nostálgicas, poca gente nueva tiene ganas de acercarse a la banda. Temas como “Carne para Linda” con la que se inicia el doble disco, “El rompeolas” “Cadillac Solitario” "La mataré" o “Channel Cocaina y Don Perignon” son hoy clásicos de una etapa determinada de nuestra música.
• Canciones que a muchos nos hacen volver atrás en el tiempo y recordar momentos que vivimos mientras sonaban en la radio y en los bares. Canciones que te atrapan de nuevo en la distancia y que te llenan de “morriña”.
•  Pocos grupos podrán presumir dentro de unos años de seguir sonando en la cabeza de mucha gente. Los de hoy o son clones de los productos de moda o son flores pasajeras que se marchitan antes de llegar a la siguiente primavera.
• En fin que A por ellos es más que un disco. Es el momento cumbre de la carrera del mejor grupo de R’N’R que ha pisado nunca un escenario cantando en español. Aunque, por suerte, nos quedan los Platero.
• Tal vez esta no sea una biografía apasionada, con anécdotas de carretera y chismes de salón.  Pero son los hechos de un artista honesto con una carrera que tras treinta años de historia, acaba de empezar.

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Emma Shapplin

• Nacida en París en 1974, Emma recuerda que, siendo una niña, era demasiado tímida "incluso para hacer un ruidito, así que no digamos ya para cantar", y que su familia no era especialmente musical. Pero sus pasiones musicales salieron a la luz a los once años cuando oyó a la Reina de la Noche de La flauta mágica de Mozart. Fue un momento de trascendencia, aunque para su divertida vergüenza, Emma admite que esta intoducción al mundo de la ópera y el bel canto llegó a través de un anuncio de televisión. No obstante, así se forjó una relación amorosa de por vida: "Corrí a mi habitación e intenté cantar la melodía inmediatamente. Entonces fue cuando me enamoré por primera vez de cantar", dice. "En ese momento supe que era así como quería cantar. Ésa era la música que conmovía mi alma".
• Poco convencida en un principio de cómo satisfacer su deseo de cantar, no fue hasta que tuvo 14 años cuando Emma conoció a una profesora que pudo ayudarla a hacer realidad sus sueños. "Era una anciana pequeñita, de unos 70 años, y en su día había sido una gran cantante. Se rodeaba de velas, de gatos y de su piano y a mí me encantaba toda esta atmósfera", recuerda Emma. "Entré en contacto con estas partituras por primera vez y leí el texto italiano, que parecía tener algo de misterioso y romántico". También le dijo a Emma que era una soprano coloratura. "Cantar era aún para mí como jugar con una muñeca. Ella encontró mi voz y empezó lentamente a hacerla salir".
• Emma dio clases con ella durante dos años y quedó convencida de que había encontrado su objetivo en la vida. Pero estaba también acercándose a una edad en la que sus padres estaban preocupados por las perspectivas de una carrera y por su futuro. "No pensaban que cantar pudiera ser un trabajo como Dios manda", recuerda Emma. "Mi padre era policía y pensaba que quizás yo debería seguir sus pasos. Mi madre era secretaria y pensaba que ése sería un buen trabajo para mí. Entiendo por qué querían que me concentrase en mis otros estudios. Pero para mí cantar es una afirmación de estar viva".
• Continúa rindiendo tributo a su antigua profesora, pero no ha vuelto a verla desde entonces. "Aún me siento culpable de haber puesto fin a las clases", explica. Todos los grandes cantantes te dirán que la voz es un don y el no poder utilizar ese don es algo que hizo que Emma se sintiera vacía. "No sabía lo que quería hacer. Pero tenía la sensación de que había hecho algo mal. Me sentía reprimida. Si no canto, exploto", dice.
• Su deseo de cantar no desapareció y pronto habría de resurgir de una manera radicalmente diferente cuando entró a formar parte de un grupo de heavy metal. "Algunos compañeros de clase estaban formando un grupo de rock y estaban buscando realmente un cantante masculino", recuerda Emma. "Querían alguien que pudiera gritar, así que les dije que yo podría hacerlo". Su oferta fue aceptada y durante los dos próximos años abandonó las escalas y los ejercicios operísticos y fumó dos paquetes de cigarrillos al día para que su voz se volviera más áspera y adecuada para el rock.
• Sin embargo, aunque disfrutaba con los gritos, empezó a añorar la música de la ópera. Un día un amigo de su madre llevó a la joven cantante de rock a una representación de Don Giovanni de Mozart en un teatro de ópera de París. Era la primera vez que veía una ópera sobre un escenario y quedó maravillada. "Pensé que después de oír algo tan hermoso tenía que morirme", recuerda. "Teníamos entradas de anfiteatro y recuerdo que quisé saltar y volar".
• Emma empezó otra vez a buscar un profesor y decidió matricularse en una escuela de música. Sin embargo, pensó que el estilo de enseñanza era frío y formal y pronto emprendió viaje con una amiga a Nueva York. "Mientras estuve allí canté algo de rhythm & blues, que en cierto sentido tiene una fuerza semejante a la ópera. Es muy primitivo y ha contribuido mucho al modo en que me acerco al canto en la actualidad", dice.
• Cuando regresó posteriormente a Francia, volvió a retomar las clases de canto. Pero para entonces ya había decidido que no quería dedicarse al mundo de la ópera, especialmente después de que un profesor la acusara de introducir cosas raras en su interpretación de un aria famosa. "Eso me hizo plantearme que debía encontrar mis propios modos de expresión y utilizar mi voz para inventar algo propio y personal".
• Un encuentro casual en una fiesta con el compositor y estrella del pop francés Jean-Patrick Capdvielle le dio su oportunidad. Ya se conocían de antes pero, con una audacia de la que ella sigue asombrándose, le pidió que escribiera un álbum para ella: "Pero yo no soy Verdi", le dijo él. "Y yo no soy una verdadera cantante de ópera, así que deberíamos hacer algo juntos", contestó ella.
• Su audacia claramente dejó huella en él porque, una semana más tarde, la llamó por teléfono y empezaron a trabajar juntos. "Llegó ese momento perfecto en el que era del todo evidente que la cosa iba a funcionar", dice Emma. Lo cierto es que funcionó tan bien que el álbum resultante, Carmine Meo, publicado en 1997, ha vendido ya más de dos millones de copias. El álbum se encaramó a lo más alto de las listas de discos francesas, vendiendo 100.000 copias en sus primeros tres meses y haciendo que Emma consiguiera el primero de sus numerosos discos de oro.
• El éxito llegaría poco después en el mercado internacional, ya que Carmine Meo ascendió a lo más alto de las listas en todo el mundo, a menudo rebasando a álbumes de artistas como Céline Dion y Madonna.
• Pero, mientras que la mayor parte de la música para Carmine Meo fue escrita por Capdvielle, Emma estaba decidida a escribir su propio material para su segundo álbum. Firmó con un nuevo sello, Ark 21, y empezó a buscar un nuevo colaborador musical. Miles Copeland, el director de la nueva compañía, le recomendó a Graeme Revell, un compositor cuya obra había aparecido en la banda sonora de la película El planeta rojo. Demostró ser una decisión perfecta. "En su música encontré un eco de lo que yo estaba buscando", afirma Emma.
• El nuevo álbum fue creado amorosa y meticulosamente durante mucho tiempo, de modo que no hay una sola nota o palabra que estén fuera de lugar. Lleno de introspección poética y de sorprendentes imágenes, todas las letras de las canciones fueron escritas por Emma, que contribuyó también sustancialmente a la música y los arreglos; cada canción presenta un carácter diferente creado gracias a su vívida imaginación para expresar una emoción o una idea diferentes. Ricamente evocadores, hay casi un elemento visual en los retratos sonoros de Emma: "Me gusta pensar en ella como música que puedes mirar", dice. Lo cierto es que concibió "ETTERNA" no simplemente como un álbum de música sino como parte de una experiencia audiovisual en la que el diseño gráfico, los vídeos (que idea ella misma), su propio cuerpo y su vestuario e incluso los efectos de luz en sus apariciones escénicas así como la concepción de las fotografías constituyen una parte esencial.
• También tomó la sorprendente decisión de escribir y cantar las canciones en italiano, un idioma que no elige para hablar. Y, lo que es incluso más llamativo, optó no por el idioma tal y como se habla hoy, sino por el italiano antiguo y poético del siglo XIV de escritores como Dante y Boccaccio. "Quería algo que tuviera un carácter intemporal, onírico", explica. "Cantar en un idioma cotidiano habría roto el hechizo. Quería que el disco siguiera siendo como un sueño".
• Si es un sueño, entonces éste está ahora haciéndose realidad para Emma Shapplin. "ETTERNA" es un álbum bendecido con una belleza extraña e íntimamente perfumada que parece llamado a superar incluso el éxito de Carmine Meo. Si su primer álbum se caracterizaba por los elementos de la tierra y el fuego, dice, "ETTERNA" es más aire y agua. Sus texturas son suaves y dulces, delicadas e incluso frágiles. Pero al mismo tiempo son también sombrías y lujosas, como una fuerte fragancia o un terciopelo arrugado. "Todo es una cuestión de equilibrio", dice.
• "ETTERNA" es un álbum de un perfecto equilibrio y una elegancia natural. Un álbum especial de un lugar muy especial. El álbum de los sueños de Emma Shapplin

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Enrico Rava

• Este reproductor enorme (nacido en Trieste, 1939), casi en solitario trajo jazz italiano a la atención internacional. Comenzó a tocar el trombón Dixieland en Turín, pero después de escuchar a Miles Davis, cambió los instrumentos y abrazó el estilo moderno. Otras reuniones importantes fueron con Gato Barbieri, con quien grabó bandas sonoras de películas en 1962, y con Chet Baker. Inmediatamente después, comenzó a jugar ... Más ...
  Este reproductor enorme trompeta populares (nacido en Trieste, 1939), casi en solitario trajo jazz italiano a la atención internacional. Comenzó a tocar el trombón Dixieland en Turín, pero después de escuchar a Miles Davis, cambió los instrumentos y abrazó el estilo moderno. Otras reuniones importantes fueron con Gato Barbieri, con quien grabó bandas sonoras de películas en 1962, y con Chet Baker. Inmediatamente después, comenzó a jugar con Steve Lacy, sino que también se asoció con el sudafricano Louis Moholo expatriados y Dyani Juan y grabados El Bosque y el Zoológico (ESP) viven en la Argentina. En 1967 se trasladó a Nueva York, jugando con Roswell Rudd, Marion Brown, Rashied Ali, Cecil Taylor, y Charlie Haden. En un breve regreso a Europa, Rava registró con Lee Konitz (Stereokonitz, RCA) y Manfred Schoof (European Ecos, FMP). De 1969 a 1976, estaba de vuelta en Nueva York, la grabación de Escaleras Sobre la colina con compositores de jazz "Carla Bley la Orquesta (JCOA). Después de su primer álbum como líder, Il Giorno del Giro de Italia en 80 Mondi (Negro Santa), que ha estado al frente de su cuarteto sin piano propio o quintetos. Sus números de salida registraron 100 expedientes, 30 como líder.
• ECM ha reeditado algunos de sus discos esenciales de los años 70, como El Peregrino, y las estrellas, la trama, y ​​el Cuarteto de ER, mientras que Soul Note Label Bleu y CDs publicados por su innovadora eléctrica Cinco (en realidad un sexteto, como siempre lo excluye mismo de la cuenta), que incluye dos guitarras eléctricas. Con teclado maestro Franco D'Andrea y el trompetista Paolo Fresu, Rava registró Bix y Pop (Filología) y sombras de la Chet, homenajes a Bix Beiderbecke y Armstrong, y Chet Baker, respectivamente. También son de destacar Rava, L'Opera Va y Carmen, lecturas magníficas de arias de ópera. En 2001 creó un nuevo quinteto con jóvenes talentos Gianluca Petrella, Stefano Bollani, Rosario Bonaccorso y Roberto Gatto, y estuvo de gira con los viejos amigos de Roswell Rudd y Gato Barbieri, liberando Easy Living con ellos en 2004 en ECM. Tres años más tarde, después de Bollani, que había ponchado como solista, fue reemplazado por Andrea Pozza, las palabras y los días salió. En 2007, Rava y el pianista Stefano Bollani en libertad El tercer hombre en ECM.
• Enrico Rava al sello propiedad de Manfred Eicher luego de más de dos décadas. Y el mismo no podría ser mejor. Mayormente baladístico, entre las que se destacan Cromosomi e Easy Living, donde Rava presenta todo el sonido cálido y profundo de su trompeta que recuerda el de un flugelhorn y a una agrupación en gran forma en la cual se luce el impecable piano de Stefano Bollani. Reminiscencias de Africa a partir de los tambores de Roberto Gatto en Sand y de la tradición (norte)americana en Algir Dalbughi, donde Bollani toca una base de puro boogie-woogie. Cerca de un jazz contemporáneo en Rain. Menos arriesgado que sus primeros trabajos para ese sello, lo que aquí sorprende es la facilidad para unir tradición y modernidad. En sus propias palabras para el diario La Nación: "En mi música se da una síntesis de todo lo que amo y de toda mi experiencia. Del dixieland al bebop y al free jazz pasando por mis experiencias latinoamericanas, que fueron muy importantes también. Creo que hoy un músico inteligente tiene a disposición toda la historia del jazz, y por lo tanto debe metabolizarla". ****

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Maurizio Colonna

• Maurizio Colonna nació en Turín en 1959, y ha sido unánimemente considerado como uno de los mejores jugadores de la guitarra clásica de nuestros días.
  Uno de los guitarristas más representativos y ecléctica de hoy y compositores, es autor de libros sobre historia de la música y la técnica de la guitarra (F. Muzzio Editore), que se pueden encontrar en las bibliotecas de las más importantes universidades europeas y americanas, y de composiciones para guitarra (publicado por Berben, Emi-Kramer, Panarecord, PlayGame-Carisch) y para guitarra y piano, compuesta junto con Luciana pianista y compositor Bigazzi (Berben). Tiene numerosos discos y bandas sonoras de películas a su nombre, como intérprete y compositor principio, producido en Roma, Turín, Milán, Los Ángeles, Pasadena y Hollywood (Panarecord, Palladium Ricordi, Sarx Ducale, PlayGame Carisch, Niccolò, Stradivarius) , acompañado por dos orquestas y solistas internacionales como Alex Acuña, ex integrante de Weather Report, Paulinho Da Costa, Abraham Laboriel y la sección de viento de Corazón, Wind & Fire.
  Junto con Luciana Bigazzi, que es jefe de redacción de la colección de canciones de Navidad (Ed. Berben), una colección de canciones navideñas de todo el mundo, propuesto por músicos bien conocidos en versiones muy personales.
  También ha grabado varios CDs y videos, tanto como solista y junto con el guitarrista australiano Frank Gambale (PlayGame-Carisch, Libera-Egea, Libera-Edel), creando un nicho importante para él en el campo de la educación y la nueva guitarra idiomas. Ha sido invitado en varias ocasiones, por él mismo y con Luciana Bigazzi, en programas de televisión difundidos por la RAI, la autoridad italiana de radiodifusión (incluso en Eurovisión, tocar el Adagio del Concierto de Aranjez para guitarra y orquesta, en el Festival de Venecia de 1981 ) y por otras cadenas de televisión, y en numerosos festivales internacionales. Ha ganado varios premios, entre ellos el Premio Especial del Ente Nazionale dello Spettacolo, en el 19 º Festival de Banda Sonora (Roma, 23 de julio de 1991) y el Salón Internacional del Premio Empresarial - Fiuggi 1991 (sección de Música) en el Festival de Fiuggi Platea Europa.
  Su papel único en la escena musical contemporánea es confirmado por una serie de actuaciones que se han convertido en verdaderos acontecimientos culturales:
  en 1995 jugó para el Presidente de Italia en la Sala del Consejo del Palacio del Quirinal en Roma, el 21 de junio del mismo año, en la Plaza del Quirinale, fue solista en el Concierto por la ONU Amico, un concierto para causas humanitarias de transmisión por Rai Due, que reunió a artistas internacionales acompañados por la Orquesta Sinfónica de AMIT de Roma, dirigido por Renato Serio, por primera vez en la historia de la Iglesia, él tocaba la guitarra clásica en la Basílica de San Giovanni in Laterano, el ejercicio de sus propia Nocturne arreglados para guitarra y orquesta, acompañado por miembros de la Orquesta Sinfónica de Santa Cecilia (concierto de Navidad en el Vaticano, 13 de diciembre, 1992).
  Fue el primer guitarrista clásico a ser un invitado del Festival de San Remo el 19 de febrero de 1996, la introducción de la guitarra espectacular jugando a millones de espectadores (realización de Panarea, un virtuoso de la pieza que compuso para guitarra solista).
  En septiembre de 1997 fue invitado a participar en las celebraciones por el 23 º Congreso Eucarístico, y actuó en el Estadio Municipal de Bolonia (transmitido en directo por Rai Uno), el 5 de enero de 2000, actuó en un dúo con Luciana Bigazzi en el Monasterio de Santa Chiara en Nápoles, en el Concierto de la Epifanía (televisado el 06 de enero 2000 en Rai Uno y Rai International), la realización de dos piezas para guitarra, piano y orquesta. Volvió al mismo evento el año siguiente, jugando en un dúo con Frank Gambale.
  En 1997, BMG-Recordi publicó un libro sobre él y su obra, en los que no autor Lorenza Cristina Sianesi sólo aborda temas musicales, pero también exploró Colonna puntos de vista sobre la música clásica contemporánea desde un punto de vista sociológico.
  Desde el año 2000 ha incrementado su composición, y también da clases de maestro especialista en prestigiosas academias italianas.
  En marzo de 2005, fue invitado de nuevo al Festival de San Remo, esta vez con el cantante Antonella Ruggiero y Frank Gambale.
  El CD "Colonna y Gambale en vivo" (Libera-Egea) fue lanzado en mayo de 2005, y fue presentado durante el Tour de Verano 2005 en los festivales internacionales conocidos. En 2006, él y Bigazzi Luciana fundó la NCM-New Classic Music, que sacó una antología de su obra, "Guardando il mare" (Distribución Egea), y produjo el CD "Lacoste-Obras para piano" (2006) y "Pasajes-Obras para piano" (2008) por Bigazzi Luciana (Distribución Egea).
  El CD de "Bon Voyage", grabado a dúo con Frank Gambale, fue lanzado en mayo de 2007 como parte de la "Colonna y Gambale" proyecto artístico (Libera / Edel), con un aspecto por el baterista-percusionista Iván Ciccarelli. El "Colonna y Gambale" proyecto fue presentado en la India, en una serie de conciertos y en la televisión, en octubre de 2007.
• Él es el testimonio oficial de los dos la marca americana de La Bella (con un conjunto de cuerdas conocido como el "Maurizio Colonna Serie Profesional"), y la guitarra española fabricante de Ramírez."Bon Voyage", enteramente grabado en estudio con excepción de tres temas en directo,
   representa un punto de inflexión para el dúo de guitarras formado por
  el italiano Maurizio Colonna y el australiano Frank Gambale,
  dos de los guitarristas más virtuosos de nuestro tiempo.
  En este nuevo trabajo, que incluye once temas, la innovación más importante
  es el objetivo de los compositores para apuntar un marco más amplio,
  no sólo ligada a la música de guitarra y la presencia de percusiones
  y batería nunca han sido usados por el dúo ..
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