Maron5

• Adán y Jesse y yo empezamos a tocar juntos en la secundaria, bajo la influencia de Nirvana, Pearl Jam, y su calaña. Por lo general, jugado en el garaje de Jesse en Malibú o en el sótano David Richman en Brentwood.
•  Algunos jugadores iban y venían, sobre todo a Adán Salzman, Wood Amy y Jesse Nicita, hasta que finalmente anotó Ryan Dusick como nuestro baterista en 1994 y la desgracia-monikered Kara Flores nació. Se consideraron los miembros Ryan es todo un golpe de estado, como era mayor por un par de años y uno de los mejores músicos de nuestra escuela. Ryan también se había escrito la música, y sus colaboraciones con Adán formado por el núcleo de nuestro material en el momento en que se describe mejor como "pesado" y "melancólico". La canción podría ser caracterizado como "sin sentido".
•  Después de un año o menos de esto, nuestros gustos están cambiando, ya que tan a menudo a esa tierna edad, y entramos en una fase de enorme, obsesiva Beatlemania, que culminó con algunos trajes mal aconsejado a juego y grandes canciones, pop brillante con fuertes guitarras. Estas son las canciones que nos tiene firmado con Warner Brothers y de una empresa de gestión de fantasía de Hollywood. Hemos hecho un disco, una hemorragia de dinero, fue en un par de giras muy raro, y vendió cerca de un millar de registros.
• El par de años siguientes los pasó reagrupamiento, reorganización, a escribir canciones en la línea de "rock clásico" y el folk, y acercándose peligrosamente a tirar la toalla. Adán y Jesse continuó su aventura en Long Island, campo traviesa a un ritmo vertiginoso y pasar un semestre en Five Towns College, supuestamente a estudiar música, pero sobre todo dar con los apodos de colores para sus compañeros de clase y escuchando soul, gospel, R & B , y el hip-hop.
•  Por lo tanto, en la manera fina de Kara Flores, que abandonó las canciones que habíamos estado jugando durante el año anterior y comenzó a fresco sobre el hombre y el retorno de Jesse. En esta época las canciones que terminaron en Songs About Jane comenzó a ser escrito, y durante el año siguiente, o por lo que había escrito sobre la mitad del disco y grabó los demos que con el tiempo se nos firmó una vez más, esta vez a un valiente joven etiqueta advenedizo llamado Octone, que se adjuntó a la valiente joven advenedizo expedientes gigante J, que a su vez conectado a la BMG no tan jóvenes, Leviatán, venerada. James se había trasladado desde Nebraska a Los Ángeles en la época en que se registraron los demos, y nos encontramos con él y sus compañeros de banda en la plaza a través de amigos mutuos.
•  Así que cuando necesitábamos un técnico de guitarra de esas sesiones, que se llama en Santiago por su experiencia en la cadena de cambio y la guitarra puesta a punto. Cuando necesitábamos otro guitarrista, como Jesse estaba haciendo la transición de seis cuerdas a ochenta y ocho, que se llama en Santiago por su experiencia en el hecho de tocar la guitarra. Con la adición de un nuevo miembro y una serie nueva de escribir canciones, cambiamos nuestro nombre a Maroon 5 para consolidar el sentimiento de que estábamos empezando de nuevo.
•  En cuanto al origen del nombre, es un secreto, y aparte de los cinco de nosotros sólo Billy Joel conoce su procedencia (historia real). Luego escribió Songs About Jane, lo grabó en Los Ángeles con Matt Wallace producción y Mike Landolt de ingeniería, se comió un montón de comida rápida y un montón de velocidad con receta, terminado el disco, totalmente pensado que había perdido la marca, lo puso fuera, desempeñado una fiesta de lanzamiento en la Torre Sunset Records (RIP) el 25 de enero de 2002, se fue de gira, lo pasamos de maravilla, jugó Starkville, MI un par de veces, volver a configurar los asientos en furgonetas para acomodar a nosotros con mayor comodidad, viajó en un RV muy inhóspito que olía a orines, miró con asombro a nuestro primer autobús, se reunió con el jefe y Jay-Z dentro de los cinco minutos de diferencia, fue disco de platino en nuestro décimo aniversario como banda, mantuvo de gira, ganó un Grammy (!), hizo un montón de amigos en el camino, escribió una nueva canción aquí y allá, ganó otro Grammy (wtf), abierto a los Stones, vio una gran parte del mundo occidental y un poco de la oriental, y recorrió un poco más.
• Lamentablemente, la tensión física acumulada del viaje y muestra la realidad hizo una serie de Ryan, y que se lesionó el brazo tan mal que tuvo que dejar de realizar. Desde hace algún tiempo, nos imaginamos que esto es temporal, pero los meses y llegó y se fue y no un diagnóstico razonable fue hecha en cuanto a su dolencia.
• Matt Flynn llegó a última hora y salvó el culo en un momento de necesidad, que, en el transcurso de un par de noches, se enteró de las partes de batería en el interior de nuestro registro de entrada y salida. Terminó gira con nosotros hasta que finalmente colgó nuestro "on-the-road" las botas y se puso los de grabación. Después de un año y medio jugando con Matt, y con la condición de Ryan todavía lo impiden, nos enfrentamos a la decisión más brutal que todavía tenía que encontrar. Así que nos mudamos a una nueva etapa con Matt oficialmente en la banda, y por suerte, por ser un jugador monstruosamente grande y un tipo general, grandes, hizo la transición mucho más fácil para nosotros de lo que podría haber sido. Después de tomar un mes de descanso después de nuestros shows últimos, nos trasladamos a la mansión Houdini en Laurel Canyon para escribir nuestro próximo disco. James y Jesse en realidad vivía en la casa, como el resto de nosotros iba y venía todos los días, de grabación atascos, la construcción de las canciones, y la liberación de la creatividad reprimida que había acumulado a lo largo de años de jugar el mismo lote de canciones todas las noches. Jason Lader, un viejo amigo que había dirigido las demostraciones de este amor y Harder to Breathe, fue nuestro compañero y co-productor en estas sesiones. Esa casa tiene algunas reclamaciones a la fama, sobre todo que es "perseguido", que fue el hogar de las sesiones de Blood Sugar Sex Magik, y que la junta en la sala de control es la junta Hit Factory sagrado en el que canciones en la llave de la vida, Nacido en los EE.UU.,
•  Double Fantasy, y Emotional Rescue se registraron (junto con un sinnúmero de otros clásicos). La mayor parte de lo que sería nuestro segundo disco fue escrito y demos en los meses que trabajamos en Laurel Canyon. Empezamos a emitir sobre los productores, y después de considerar que nos reunimos el equipo de Mike Elizondo y el "Spike" Stent, dos hombres totalmente brillante, que resultan ser un placer trabajar con ellos también. (Por cierto, si te fijas bien en la sección de cuerdas durante la ejecución G'n'R de "November Rain" en los años '92 VMA, verás una Elizondo de 19 años tocando el contrabajo.)
• Nos pasamos un par meses en los Estudios Conway, un favorito sentimental de los nuestros (y el hogar de las sesiones que nos hizo firmar a Octone), donde se registró el grueso de la grabación. Después de un breve descanso, se reagruparon en Burbank y terminó la primera fase de la grabación. Durante unos meses, nos sentamos con lo que había grabado hasta el momento, escuchando hasta la saciedad y, finalmente, darse cuenta de que había unos cuantos fines musicales sueltos por atar. así que nos fuimos de dos sesiones adicionales, con Eric Valentine y Endert Marcos, respectivamente, por nuevos puntos de vista y los oídos frescos. Estas sesiones produjeron "no puede parar",
•  "Makes Me Wonder", "Un poco de su tiempo", y "Back at Your Door", junto con algunas otras probabilidades y termina aplica a las canciones previamente grabadas. El conjunto de las tres sesiones distintas se convirtió en No Be Soon Before Long, e incluso antes del lanzamiento del disco (en mayo de 2007), nuestra vida gira el pie hacia el había en marcha de nuevo. Pasamos casi dos años en la carretera en apoyo del álbum. En 2008, visitó todos los continentes del mundo excepto la Antártida, que jugó en decenas de ciudades que no habían estado en el itinerario del viaje SAJ, como Ciudad del Cabo, Manila, Seúl, Buenos Aires, Caracas, Burdeos y Moscú (a la lista un puñado de favoritos). Después de que todo alucinante año de viaje, que se reagruparon en Los Feliz, al este de Hollywood, a pasar un tiempo muy necesario en casa escribiendo y tratando de alguna semblanza de la vida doméstica y la normalidad. Así como algunas nuevas canciones estaban empezando a tomar forma, llegó a nuestra atención que Mutt Lange había expresado interés en reunirse con nosotros y discutir una posible colaboración.
• Después de la ronda inicial de pellizcar a nosotros mismos de incredulidad y buscando en Google el nombre del señor Lange para maravillarse con su historial inigualable de éxitos musicales que se extiende mucho más allá de los límites del género y época, tuvimos la suerte de sentarse con el hombre a sí mismo en un reunión informal. Después de haber escuchado las historias de miles de atención obsesiva Mutt al detalle y el perfeccionismo exigente, y saber qué tan feroz que ha protegido su vida privada en los últimos años con el fin de mantener una imagen prácticamente no existe público, no estábamos seguros de qué (o quién) para espera de nuestro encuentro y más que un poco intrigado.
•  Lo que ninguno de nosotros había anticipado era extraordinariamente cálido, amable, discreto chico que llegó, que profesa una admiración por la banda y un deseo muy humilde de una verdadera colaboración para realizar las mejores canciones en forma registrada. Su comportamiento tipo sólo lo hizo más fácil para nosotros llegar a la conclusión (esencialmente una inevitable una, desde el momento en Mutt había expresado su interés en la producción de nuestra música) que él era el hombre para el trabajo. Nos largó a Suiza y al estudio de Mutt está ahí, donde pasamos la mayor parte de julio, agosto y septiembre de grabación de la música que se ha convertido en las manos por todas partes. Dejando a nuestra ciudad para grabar una de las mejores decisiones de la banda ha hecho, nos encontramos trabajando día siete semanas, a menudo hasta 12 horas al día, como estábamos aislados del mundo exterior. La belleza y el ritmo de nuestro entorno suizo hizo fácil borrar de nuestras cabezas, si nos llevamos una pared creativo, en muchos sentidos, es un ambiente ideal creativo (Bowie, Nabokov, Freddie Mercury, Chaplin, y un sinnúmero de luminarias de todos los demás pasaron considerable en esa parte del mundo, y después de pasar el verano trabajando allí fácilmente ver por qué). Después de ordenar tanto de "corto plazo" de viaje, durante el cual rara vez experimentan una ciudad extranjera por más de un día o dos a la vez, vivir en esa pequeña ciudad suiza por tres meses era un privilegio real. También fue un privilegio trabajar con Mutt y empezar a comprender por qué ha sido tan excepcional, mientras que la mayoría de los productores tienen un área de especialización o unas pocas áreas de enfoque, sobresale Mutt como músico, cantante, arreglista y escritor, sin embargo, dedica tanto tiempo a Sonic, técnicos, y se refiere a la ingeniería como lo hace a las puramente musical (junto con el ingeniero indispensable y ProTools operador Olle Romo, el hombre más paciente y se centró en el mundo, además de ser un gran músico en su propia derecha). Yo puedo hablar en nombre de la banda, ya que nos encontramos al borde de la liberación de esta música celosamente guardado en el mundo, al decir que estamos más orgullosos de este disco que cualquier otro, y cuando comenzamos a profundizar en estos temas en los ensayos , a la espera de su presentación en vivo, la emoción crece día a día. Nos vemos por ahí.

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Heart

• Heart es una banda canadiense de rock compuesta por dos hermanas, íconos del hard rock, Ann Wilson y Nancy Lamoureux Wilson, formada en Vancouver (Canadá) en los años 70.
• Atravesando diversos cambios en su formación, los únicos miembros constantes del grupo son las hermanas Wilson.El grupo se hizo famoso en los años 70 con su música, principalmente la canción Barracuda, en la que se notaba la influencia de grupos de hard rock, como Led Zeppelin, incluso el estilo de música folk. La banda vendió cerca de 30 millones de discos en el mundo entero.
• Coches de terciopelo rojo - el trabajo más personal y potente de Ann y Nancy Wilson - se generaciones de aficionados del corazón en lo que realmente se siente como el viaje musical de toda la vida.
  Fuerza producida por Ben Mink, - que ya había trabajado con Ann Wilson en 2007 su aclamado álbum en solitario de Esperanza y Gloria - Coche de terciopelo rojo es un ciclo de canciones completamente electrizante sonido de gran acústica y basado en un disco impresionante, con un verdadero sentido y propósito de la renovación .
• Como Ann Wilson dijo, "Aquí estamos en este momento en la historia de la banda y al igual que con cualquier esperanza de vida, más te quiero, cuanto más tiempo las cosas se ven en la parte de atrás de usted - y más corto delante de usted también. Ese sentido de la perspectiva significa que usted es mucho menos probable que quieran perder el tiempo en absoluto. Así que hay un sentido aún mayor de la mortalidad, de la que está en juego aquí y un deseo aún mayor para que cada momento sobre el tema del álbum. "
• El resultado en coches de terciopelo rojo es un disco impresionante de la intimidad y la honestidad.
• "No hay un auténtico hueso, ficticios o posando en el cuerpo de este álbum", dice Nancy Wilson. "Ya sea inteligente o no, no hay posando pasando aquí en absoluto. Le estamos diciendo a nuestra historia. En un momento dado, le dije a Ana y Ben, 'Lo que estamos haciendo en el estudio con este álbum, esta es la forma en que los indígenas utilizan para hacerlo. Que hacer un fuego, y luego se sientan alrededor del fuego y contar sus historias y pasarlas con un verdadero sentido de uno a uno el contacto humano. Sentimos que hemos hecho un buen fuego juntos. "
• Coches de terciopelo rojo es como una segunda venida, porque representa una especie de regreso a casa para el tipo de original, obras poderosas, muy personal, como de 1976 Dreamboat Annie, Little Queen en 1977 y 1978 de perro y de la mariposa que ayudó a Corazón ganar su buen nombre en la historia del rock en primer lugar. De hecho, de coches de terciopelo rojo parece infinitamente más arraigada a los registros de los triunfos del corazón de platino más reciente comercial de los ochenta y noventa, como el 1985 del Corazón, 1987 de Bad Animals o Brigada 1990. De esta manera, coches de terciopelo rojo termina viaje del corazón a sus pasiones musicales originales que las hermanas Wilson han estado trabajando desde entonces en los esfuerzos cada vez más fuertes, como 1993 es el deseo camina sobre el de 1995 de El camino a casa, Alive 2003 en Seattle, 2004 de Júpiter Darling, 2007 de Dreamboat Annie en vivo, así como su trabajo como la Lovemongers y Hope & Glory, álbum en solitario exquisita Ann. Coches de terciopelo rojo es el hogar del corazón hermoso lugar e inolvidable de camino les ha llevado.
• "Estamos definitivamente hacer un pacto con el diablo en los años ochenta, y mirando hacia atrás me alegro de haberlo hecho, ya que nos permitió el tránsito durante un período en que pudo haber caído en un agujero negro", explica Ann Wilson. "Pero no quiero volver allí y hacer más música que no nos sentimos totalmente conectados. Y ahora, con este álbum, nos sentimos que tenemos algo muy sólido para estar de pie. Es tan grande para trabajar con Ben Mink, porque es no sólo un gran conjunto de los oídos, sino también una gran alma. "
• Mink - un productor, compositor, compositor y multi-instrumentista - llamó la atención de las hermanas Wilson, con un cuerpo de trabajo que ha incluido proyectos con todos, desde kd lang para Rush y Barenaked Ladies. "Ben fue difícil lidiar con él hasta el suelo para trabajar con nosotros", dice Ann. "Cuando estábamos tratando de sacar del corazón a partir de los años ochenta diez o quince años atrás, él realmente no lo veo todavía. Más tarde, hicimos el disco en solitario y lo golpeó fuera, y ahora el tiempo y el lugar estaba en lo cierto. "
• Si Darling, Júpiter fue construido en colaboración guitarra Nancy Wilson con Craig Corazón Bartock, coches de Terciopelo Rojo fue fundado en la química de la guitarra acústica de Nancy con visón Ben. Juntos, patada en el tipo de chispas que evocan el mismo fuego acústico que Led Zeppelin había érase una vez. "Creo que es ahí donde Ben Mink, y me encuentro unos a otros como jugadores", explica Nancy Wilson. "Porque yo he jugado una guitarra acústica muy oscilante en un entorno de la banda de rock grande durante tanto tiempo, yo no toco una acústica tímido, si usted sabe lo que quiero decir. Y Ben tiene esa misma habilidad. Hay tanta expresión que usted puede salir de una guitarra acústica, especialmente cuando está bien grabado. Ben y yo estábamos jugando y decir: "Wow, que fueron separados al nacer?" Hay un poco de guitarra eléctrica agradable en el disco también, pero por ejemplo, "There You Go" es más pesado porque no hay una pista eléctrica, y por lo tanto oye cada grano de la madera.
• Para Ann Wilson, que forma parte del poder de una canción como "There You Go" - canción de apertura de coches de terciopelo rojo - es que "no sólo estábamos utilizando todos los instrumentos acústicos, pero la forma en que grabamos, no todos son registrados de manera aislada. Así que hay todo tipo de resonancia cabos. Esta no era una fogata Kumbaya cantar-a-long. Así que la canción tenía la intensidad de todos estos instrumentos tocando al unísono. Es algo que Nancy siempre ha querido hacer, y se encontró con un verdadero espíritu afín en visón Ben. Es como los dos de ellos procedían de la misma madre o algo así. Que definitivamente las obras en esta banda. "
• Vocalmente también, Ben Mink, ha ayudado a inspirado un nuevo sentido de la perspectiva. "Ben siempre quiere que frenar un poco, que ningún productor haya realmente me preguntó", dice Ann Wilson. "No es que él quiere para contener la intensidad, pero en lugar de explorar lo que hay dentro de mí. Justo cuando crees que has estado por tanto tiempo y no tienen nada que aprender, que es genial para conocer a alguien así, que puede llegar a pensar en las cosas de una manera nueva y realmente llegar al interior para encontrar lo que realmente eres tú. Eso está muy bien. "
• "Ann y siento que hemos ido a la Universidad de visón," Nancy Wilson añade con una sonrisa.
• Tome el camino que es el coche de terciopelo rojo, y se oye a sí mismo que del corazón se ha graduado con honores. "Esto se siente como uno de esos discos que sólo viene en cada pocas décadas. ¿Qué está pasando en nuestras vidas o lo mucho que la angustia equilibrio en el gozo - todas las ecuaciones de la figura en lo que sale artísticamente. Así que por cualquier razón, esta es quizá nuestro disco más personal al desnudo que hemos hecho, quizá nunca. En nuestra época, tal vez es más inteligente para cubrir el culo y lo imaginario. Ver cuando eres joven, eres valiente y fresca, simplemente no estamos planteando ya ".
• A medida que la cabeza hacia atrás en la carretera con su coche de terciopelo rojo, incluyendo las fechas de Lilith Fair de este verano, las hermanas Wilson se excitan.
• "Boy es maravilloso y aterrador de una manera demasiado", dice Ann Wilson. "Vamos a llegar a ellos con estas nuevas ideas, así como los favoritos de siempre. Da miedo, pero vamos a hacerlo porque realmente en serio. "
• "Hemos estado haciendo entre dos y cinco nuevas canciones, últimamente, y ya hemos estado traduciendo a las audiencias que no tienen idea de lo que está a punto de escuchar", agrega Nancy. "Están a punto de salir y comprar una Coca-Cola, y las canciones las han dejado en su camino y les hizo escuchar, por lo que estas nuevas canciones ya están viviendo bien en nuestro show. Esa es la prueba más dura con nuevas canciones, pero de alguna manera estas canciones suenan familiares a las personas que aman nuestra música. Estas son las canciones construido para resistir el paso del tiempo, y no podemos esperar para compartir ".
• Coches de terciopelo rojo puede llevarlos a un viaje oscuro a veces, pero es una que nunca olvidará.
• Red Car VELVET
  Canción por canción con Ann y Nancy Wilson
• Ahí lo tienes: Hemos hecho las guitarras y la batería en la canción suene como una pesadilla, porque eso es lo que todo el joven en esta canción. Es una canción de advertencia sobre los peligros de este mundo, por lo que los instrumentos son la hemorragia en sí y hay una sensación de intensidad y de las cosas zumbido fuera de control. (ANN) La canción y su propósito mutado. Craig Bartock y lo que comenzó como una advertencia, una advertencia a una mujer joven en una alfombra roja. Pero cuando Ana tiene una bodega de la misma, la canción se convirtió en algo completamente distinto y algo realmente fenomenal.
• WTF: Todo empezó como un atasco, al igual que la canción de Cream Más tarde, cuando escribió las palabras, que estaban muy enojados y que sólo atacó fuera de mí, como yo podría tener del mismo modo que dijo: "¿Qué mierda" SWLABR. "? "(ANN), Craig tuvo que parte de guitarra increíble, y Ann llegó con este grito de letras. Pensé que tal vez la canción era sobre otra persona, pero el otro día Ana se menciona que es un poco la forma de hablar consigo mismo. Básicamente, es intensa, y para mí se trata de cometer errores y lo difícil que es mantenerse humano. (Nancy)
• COCHE RED VELVET: La primera vez que dijo esas palabras, que me diera cuenta de inmediato que era una frase que vale la pena utilizar en una canción. Sue Ennis - nuestro amigo y nuestro co-escritor del camino de regreso - estaba en la ciudad y realmente necesitaba un rescate desde el hotel Hollywood donde asistía a un seminario. Le dije: "¿Estás bromeando? Yo había llegado a conseguir en un coche de terciopelo rojo. Lo escribí de inmediato. Ann tomó ese título y lo pasó. (Nancy) Nancy es como Ringo, en ese sentido. Ella siempre ha sido grande en dar con la frase resulta fría que en realidad no necesitan ser explicadas porque se comunican algo poderosamente. Musicalmente, tengo que darle a Ben Mink, porque quería que la canción tiene esa sensualidad R & B a la misma, pero también algo nuevo, y creo que juntos, lo tenemos.
• REINA DE LA CIUDAD: Esa canción es una retrospectiva real. Hemos querido escribir sobre nuestra cronología real y este lugar querido venimos y que todavía viven en - Seattle. Tratamos de hacerlo saltar en diferentes escenas, desde la infancia a la escena grunge. Se trata de nuestro hogar y nuestras vidas. (ANN) Antes de que nos la Ciudad Esmeralda, o la City Jet, que eran la reina de la ciudad. (Nancy)
• HEY YOU: "Hey You" es sobre el arco de una historia de amor y gratitud por lo que estaba allí y tal vez lo que ya no existe. Esta canción me llevó cerca de diez años para terminar. Tal vez yo estaba esperando una especie de final. Pero nunca pude hacerlo bien hasta que trabajé con visón Ben. Que refleja una especie de visión poética de la vida que pueden doler mucho, pero no es amargo. Cuando llegué por primera vez con estas palabras, pensé que podía ser tan simple? Sí, podría. (Nancy) La canción comienza muy romántica y termina muy filosóficamente, y es realmente muy doloroso. Nancy es como un letrista increíble cuando se deja a su suerte. Ella realmente vierte su corazón tan bien. Me encanta. Es probable que la gente adivinando, y creo que así es como ella quiere. (ANN)
• RUEDAS: Me encanta esa canción - que fue un poco de un caballo negro que una. Ben tenía una ranura para una bella partitura que estaba haciendo, y tuvimos la línea de bajo en el bolsillo durante unos veinte años. (Nancy) "Wheels" proviene de una línea de bajo que estábamos trabajando hace muchos años, tratando de escribir una canción para la película Midnight Run. Queríamos tener canciones que reflejan todos nuestros viajes - y la idea del viaje - como Joni Mitchell fue tan bien con Hejira. Ben tuvo la idea y realmente corrió con ella. (ANN)
• MARK'S Safronia: Safronia fue un gran, gran abuela, nuestro gran de la época de la Guerra Civil. (ANN) La canción se convirtió en el folk gitano erizo canción y otra historia de Seattle. Se sentía como si pudiera ser una de las primeras canciones que escribió para Dreamboat Annie. Incluso a esta edad distinguido, había mucho entusiasmo, al igual que la primera vez que tuvimos la oportunidad de escribir canciones. Se sentía completamente honesto, y no tenía rastro de un tiempo específico. (Nancy)
• Death Valley: Es una de esas imágenes pionero americano, pero es una letra que viene directamente de un texto de Ann - y que la palabra "texto", incluso en la canción. No es una palabra que se oye en un montón de canciones de rock, incluso ahora. Tuve la parte de guitarra del tema, y ​​de alguna manera suman para hacer la canción por lo visual. Y que te lleva dentro de la experiencia de cuando las cosas se ponen tan sombrío en el camino, y que son sólo raspar para llegar allí. (Nancy) Es la intención de mostrar, tanto en la música y la letra de la desolación de ensueño de un mal viaje - que sentido se puede obtener de sentirse abandonados en la carretera. Es una gran metáfora de la vida realmente, y los lugares extraños nos vamos todos.
• GIRASOL: Es gracioso porque cuando me enteré de "Hey You" había unas pocas líneas pensé que me escuchó me in privado, secreto, pensaba que había escrito una canción sobre mí. Luego me enteré de que era sin duda de otra persona. Entonces le dije a Nancy, y luego escribió "Sunflower" para tratar de escribir una canción sobre mí como un regalo de cumpleaños. Ella dijo: "Aquí tienes, aquí está tu regalo." Y todavía me opresión en la garganta cuando escucho esta canción. (ANN)
• ARENA: Esta canción no se iría hasta que encontró su casa ideal. Grabamos "Arena" con el Lovemongers, y siguió tocando en diferentes habitaciones hasta que encontró su lugar que le corresponde. Visón Ben nos oyó tocar en directo y dijo: "Wow, eso es una gran canción, ¿por qué no hacerlo?" Es una pregunta difícil de superar, ya que resume el arco de una historia de amor, o el arco de una vida o el final de la temporada. Es un concepto simple, lo suficientemente grande como para imprimir en gran medida en su vida - la idea de que se agote el tiempo. (Nancy) Ahora "Sand" finalmente ha reclamado su poder y su lugar. Algunas canciones se quede con usted, y seguir viviendo y eso es cuando sabes que realmente tienen algo..

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Ash Grunwald

• Junto a estos virtuosos artistas son interesantes con sus raíces australianas y las nuevas tecnologías para evolucionar el blues en el siglo 21, sin dejar de evocar sus muchas y variadas influencias.
• Una de estas cosas los jóvenes de blues es Ash Grunwald, un artista en solitario que muestra en directo le han ganado mucho respeto y admiración. Pero, ¿es este el comienzo de algo más grande?
    Con un álbum por segundo, Ash tomó el tiempo de su actual gira de Australia para charlar con musicOMH y ofrecer algunos consejos a Next Big Thing de la música ...
  Para los que nunca he visto el de un hombre-orquesta que es Ash Grunwald en funcionamiento, su método de actuación tiene una mención, a partir de la percusión.
• "La tecnología no es tan sutil", dice el dredlocked uno. "Yo uso el pedal en el pie izquierdo y una pandereta en mi derecho."
• De pedal, lea esencialmente una caja de madera micrófonos-hasta que pisa.
• Pero luego está la tecnología un poco más sutil que le permite la superposición de todos y convertirla en un sonido que es distintivo propio.
•  Así que cuando Ash hace un show en vivo, realmente sé que es vivir. A veces hace cosas y tiene que empezar de nuevo, pero va a seguir hablando a pesar de todo, y el público no va a querer hacer otra cosa que seguir sus últimas divagaciones tangencial.
• "Trato de mantener mi muestra fresco y para mí eso significa que no hay listas de set", dice Ash, explicando por qué él hace su vida tan difícil. "A medida que los flujos de concierto, cosas vienen y que es genial si puede reaccionar frente a ellos y convertirlos en situaciones divertidas. Si algo va mal es bueno para convertirlo en una canción o una historia."
• Un ejemplo de ello fue cuando su conexión al sistema de DI PA causado problemas en un concierto reciente en Melbourne. Él hizo una canción en el lugar llamado Odio que di.
• "Es bueno si al final del concierto de todo el mundo gritando y pisando fuerte y pasar un buen rato", continúa. "Es como si hubieras estado en un viaje juntos, y es un gran privilegio para liderar el viaje. No te imaginas lo divertido que es. Me siento muy afortunado de llegar a hacer eso para ganarse la vida."
• "Se trata de un renacimiento debido decente ..." - Ash Grunwald en el blues surfista, The Next Big Thing ...
  Aparte de lap steel, dobro, voz y percusión, Ash también "MUCKs sobre" guitarra con percusión de la mano bajo y armónica y ha desempeñado acústica y eléctrica cuando era más joven. Sin embargo, lap steel y dobro son sus cosas.
• "Me enteré de lap steel y lo adoro completamente dice, humilde a su entrevistador. "Se trata de instrumentos fáciles de jugar. Cambié al dobro, porque quería conseguir un bluesier, sonido mayores e incorporar un poco de la nueva escuela de allí. Siempre he sido un fan de Ben Harper y Jeff Lang por lo que era una cuestión de tiempo. El lap steel me lleva por un camino musical diferente al dobro. No es tan fácil de rasgueo, por lo que tienden a hacer un par de más canciones del ambiente sobre el mismo. Aunque me riffy en los dos. "
• ¿Y cómo riffy podría ser una sorpresa para los niños virtuoso trad blues - porque Ash es en Jimi Hendrix también, y no está asustado de rock como lo recoge el tempo.
• "Me metí en mi Hendrix en mitad de la adolescencia", confirma. "Creo que él era un genio absoluto. Me encanta su banda de gitanos y sus álbumes de blues más, a pesar de que tiene canciones tan grandes ... me gustaría crear algo que la gente golpe de distancia como golpes Voodoo Child me fuera . "
• Pero si usted no está en el blues, le pregunto, qué libros podría persuadirlo de que te estás perdiendo? Ya sé que es un gran fan de Muddy Waters, pero su colección de discos y no se extiende más allá de eso.
• "Cuando eres nuevo en el blues, si usted escucha el blues sucio muy antiguo, se puede tomar un tiempo para acostumbrarse a ellos," explica. "Hay una cierta barrera que romper después de un tiempo y luego de comenzar a excavar en realidad el soulfullness de ella."
• "Un cruce entre viejos blues del delta, y el hip-hop-ish raíces modernas ..." - Ash Grunwald, explicando su música a los no iniciados.
  Por lo que recomienda ... ". Howlin 'Wolf nuevos oyentes debe comenzar en las sesiones de Londres y trabajar su camino de regreso me encanta todo lo que el hombre hace de John Lee Hooker -.... Lo mismo inicio con las nuevas cosas y trabajar su camino de regreso"
• Hay más ...
• . "Albert King Es un increíble guitarrista de soul sencilla y Callard Verdes y Gravey de Melbourne una banda increíble -... Pantanosa y llena de soul y disco Sweet Tea Buddy Guy es lo llevará en el Mississippi hypnotoc Norte sonidos de Junio ​​Kimberough, Burnside RL y T -Model Ford. "
• Pero ¿qué pasa con Ash Grunwald? ¿Cuándo el mundo fuera de Australia llega a escucharlo? Él dice que escucha "cosas grandes" de Europa, pero sin duda que es hora de Europa lo escuchó?
• "Quiero ampliar mis horizontes y viajar más al extranjero", se entusiasma. "También creo que con la cantidad de trabajo duro, que valdría la pena."
• Pero hay un problema ...
• "Me encanta la gira por Australia. Me pasa mucho tiempo viajando por el surf, patinaje, snowboard y simplemente comprobar cosas hacia fuera. Es muy divertido, es muy difícil salir."
• Y sin embargo, es posible que "nu-blues" podría seguir "nu-jazz" en el gráfico. ¿Quién podría haber predicho el éxito comercial de Norah Jones, a finales de Eva Cassidy o Jamie Cullum hace unos años?
• "Puede", dice Ash. "Es pegadiza y emotiva, y una vez que las personas están expuestas a que a menudo se vuelven adictos a ella. Se trata también debido a una recuperación decente. Tuvimos la Hendrix / Clapton Brit-blues-rock algo en los últimos años 60 y desde entonces nada ha cambiado dramáticamente en los azules. espero que así sea. Lo que estoy haciendo es una especie de cruce entre lo antiguo delta blues, y hip-hop-ish raíces modernas, así que espero que si hay un resurgimiento de blues voy a estar en el se. "

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WIlliam Elliott Whitmore

• Procedentes de una granja de caballos a lo largo de las orillas del río Mississippi, William Elliott Whitmore ha desarrollado un intenso amor y la comprensión espiritual de la tierra, que perfectamente transmite a través de todos sus discos.
• Con actuaciones en directo de un calibre de dejar una completamente aturdida en silencio, y álbumes completos de las canciones no sólo desde el corazón, sino también desde el centro del país, William Elliott Whitmore es una de las aportaciones más interesantes de la colección diversa de hoy del ingenio musical.
• William Elliott Whitmore (nacido en 1978, Iowa) es una cantante estadounidense de blues y música de Lee County, Iowa. Ha grabado una serie de discos grabados en el sello del Sur, y ahora es un miembro de la familia expedientes contra. Su acto consiste principalmente en tocar el banjo o la guitarra mientras canta, aunque en ocasiones se realiza a capella. Aunque se ha ganado muchos elogios de las comunidades folk, el blues y el alt-país que tiene sus raíces en la comunidad hardcore punk. Él encontró una estrecha amistad en los miembros de diez de los grandes  con la que viajó y se abrió a muchas excursiones en.
•  Whitmore ha estado de gira con Chris Cornell,  de la Ciudad y de color, The Pogues, Murder By Death, embrague, Lucero, Converge, diez de los grandes, Sparowes Red, Modern Life is War, Ruckus la Frontera, y Frank Turner, entre otros.
•  2009 Whitmore su lanzamiento, los animales en la oscuridad, alcanzó el puesto  50 en la lista Billboard Heatseekers

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Janiva Magnes

•  Janiva Magnes se encuentra entre el blues de primera clase y cantantes de R & B en el mundo de hoy. Su voz possesse una tierra, la cruda honestidad y la belleza nace de su experiencia de vida. Un protagonista carismático conocido por sus shows en vivo electrizante, Magnesia es una potencia musical audaz y dinámico. Recibió el codiciado Music Awards 2009 blues de BB Artista Rey Of The Year (que es la segunda mujer en ganar este premio, Koko Taylor, siendo el primero) y de Blues Contemporáneo Artista Femenina del Año, honor que recibió ook en 2006 y el 2007a Ha recibido once nominaciones a los premios anteriores blues Música. EE.UU. Hoy en día declaró: "Magnesia es una estrella azul, y el Philadelphia Inquirer, dijo," Magnesia canta excelente, soul-blues potente con una intensidad abrasadora. "
• Magnesia ha estado llevando a cabo desde hace casi tres décadas, el registro de miles de kilómetros en el camino y aparecen 150 noches al año en clubes, teatros y festivales de todo el mundo. Su gira más larga aún estaba por Irak y Kuwait en abril de 2008 como co-estelar de Bluzapalooza, la gira de blues primer concierto para realizar las tropas estadounidenses. La gira fue una experiencia muy profunda de Magnesia. "Mi trabajo es un regalo. Se trata de la conexión humana, para recordar a la gente que no está solo. No puedo pensar en nadie en la mayor necesidad de un descanso que con estos soldados. Esos niños se acercó a mí y dijo: "Usted me hizo olvidar donde estaba durante dos horas. ¡Gracias! "Eso fue más allá no tiene precio."
• Magnesia lanzado una serie de álbumes independientes, dos de ellos en la etiqueta azul del Norte, previo a los expedientes de su Alligator Extraordinario 2008 de debut, Lo que el amor va a hacer. Su nuevo CD, el diablo es un ángel, y el co-producido por Dave Darling y Magnesia (Brian Setzer, Meredith Brooks, Dan Hicks), es un conjunto contundente de materiales que exploran la profundidad del bien y del mal, con la magnesia " glorioso, el alma-dejando al descubierto la voz ardiente camino a través de doce canciones de gran alcance. "Todos nosotros tenemos una luz y un lado oscuro. Los seres humanos son capaces de los actos más increíbles de la bondad y la miseria absoluta. Este registro explorar ambos lados ", explica Magnesia. Envuelve su voz enorme, conmovedor en torno a material original escrito por especiall para ella, y canciones de Julie Miller, Graham Parker, Nick Lowe, Joe Tex, Gladys Knight, Nina Simone, Ann Peebles y James Carr. Desde la pista inquietante, el título de seducción "que exploran el mal disfrazado de bien para el despertar espiritual de" Walkin 'In The Sun "a la historia de venganza," me voy a rasgar su Playhouse Down "y el alegre anuncio de la" I Want To Do Todo para ti ", Magnesia llega al corazón y el alma de cada canción con el grano, el corazón y la pasión feroz, por lo que el diablo es un ángel demasiado su versión más convincente hasta ahora.
• A pesar de Magnesia es ahora una estrella bona fide de blues, su ascenso a la cima no fue nada fácil. Nacido en Detroit, Magnesia se inspiró en el blues y el country escuchó escuchando la colección de discos de su padre, y por la vibrante música de sonido clásico de la ciudad de Motown. Por sus años de adolescencia, sin embargo, su vida era un caos. Tanto ella como perdido a sus padres al suicidio a la edad de 16 años y vivía en la calle, saltando de un hogar de acogida a otro. A los 17 años becames una madre adolescente que dio a su hija bebé en adopción.
•  Una noche, en Minneapolis, un Magnesia menores de edad se coló en un club para ver Fiebre del blues Otis, y fue allí donde encontró su salvación y que decidió que el blues se le llama. Magnesia recuerdo ", interpretado Otis como si la vida dependiera de su ella. Hubo un completo desesperada, la intensidad absoluta. Yo sabía, lo que se necesitaba más de él.
•  "Comenzó a asistir a muchos espectáculos como el blues como sea posible, disfrutando de los sonidos de sus artistas favoritos, incluyendo a Johnny Copeland y Albert Collins. Se sumergió en los registros de James Brown, Aretha Franklin, Etta James, y todos los demás grandes de R & B.
• Escuchando blues y soul en estos artistas, y verlos en vivo, provocó Janiva y le dio dirección a la vida. Su primera oportunidad llegó varios años después, mientras trabajaba como interno en un estudio de grabación. Ella se acercó a su jefe a cantar algunas voces de apoyo en una pista. Encontrar su voz, pronto comenzó a trabajar regularmente como un cantante de fondo. A principios de 1980, Magnesia se dirigió a Phoenix y se hizo amigo de Bob Tate, el director musical para el gran Sam Cooke. Con la mentoría de Tate, formó su primera banda, Janiva magnesia y Mojomatics El, en 1985 y poco después el influyente diario The New Phoenix nombró a su grupo de la ciudad Best Blues Band. Se mudó a Los Angeles en 1986 y poco a poco empezó a encontrar trabajo.
• Se casó con el músico y compositor Jeff Turmes, con el que grabó su segundo álbum de estudio, que se necesita uno a saber uno, en 1997 (su debut fue el lanzamiento de cassette-solamente, más que vivir). Después de otros tres lanzamientos independientes, Janiva firmado con Blues del Norte y Grabado enterrarlo en una encrucijada en 2004 y Do I Move? en el año 2006. Ambos discos fueron co-producidos por Magnesia, junto con Canadá raíces estrella Colin Linden, y el artículo Magnesia discusión tanto una tremenda cantidad de atención de crítica y público. Magnesia y Linden ganó el prestigioso Premio de Canadá blues de arce para los productores del Año de enterrarlo en una encrucijada en 2004.
• Cómo puedo mover usted? debutó en el 8 en la lista Billboard Blues, y fue el CD Blues 1 del Año en 2006 en la revista Vivir tabla Blues radio. Blues Revue, dijo, "Magnesia es una artista valiente y potente, con una voz poderosa, conmovedora ... imposible de olvidar."
• Magnesia firmado con Alligator en 2008 y lanzó su sello debut impresionante, Lo que el amor va a hacer, aclamado por la crítica masiva. El Chicago Sun-Times entusiasmado, "Sus canciones abarcan toda la gama de emociones de tristeza en alegría. Un maestro del blues desacuerdos que está igualmente a gusto rodeado de funk o soul, sonidos, Magnesia vigoriza cada canción con una honestidad brutal ", mientras que Blues Revue llamó" un intérprete de blues de la perforación más alto rango ... ... arrogante y duro, vocal incendiarias actuaciones. ", declaró el guía de la música," blues alegre, el alma y el pantano de R & B ... Stark, material arenoso, emocional ... de voz excelente, magnífico. Ella rompe en las baladas con tenacidad el movimiento y remaches ... que quema a través de en estas canciones como ella tiene todo por demostrar. "Impulsada por toda la prensa positiva, Magnesia fue presentado en edición de fin de semana la Radio Pública Nacional, poniendo a su frente a una audiencia de millones y la ampliación de su creciente base de fans.
• Además de sus logros musicales, Magnesia es llegar a ayudar a los demás. Ella es una portavoz nacional de Casey Family Programs (su año consecutivo), el Mes Nacional de Promoción de Cuidado de Crianza. "Es un gran honor y una enorme responsabilidad". Pero estoy muy emocionado de ser parte de ella, y espero poder llevar el mensaje de esperanza para los jóvenes en el sistema de adopción ", dice Magnesia. "Casey Family Programs es innovador trabajo, y me siento honrado de trabajar con ellos de nuevo Rehab". Magnesia Ook ha vuelto a conectar con su hija, y ahora es la orgullosa abuela de un niño de ocho años de edad. "Nuestro destino no tiene que liberar a nuestro destino", dice. "Soy la prueba viviente de eso. Y estoy muy agradecida. "
• Magnesia es ook increíblemente agradecido por su Premio de la Música Blues for BB Rey Artista del Año. "Ganar artista del año es abrumador para mí", dice. "Ser la única mujer que además de Koko Taylor para ganar este premio es impresionante. Yo adorada e idolatrada por la polla tan larga que eso es muy difícil para que yo me envuelven alrededor de ella, pero yo no podría estar más orgulloso de ese premio. Es muy humillante, porque todavía no puedo creer que la gente me encuentre digno de estar en su compañía. "
• Música Rehab emocional Janiva Magnesia ', cantado con pasión, convicción y el alma, y ​​su capacidad telepática para conectar con el público, asegurar su lugar entre el blues de la élite. "Necesitamos la música de verdad, ahora más que nunca, porque nos da la fuerza para salir adelante momentos difíciles", dice Magnesia. "Lo necesitamos de una mala manera real. El blues es un rayo de esperanza. Articulata lo que está faltando en la vida de las personas. "Con el diablo es un ángel demasiado y sus espectáculos en directo explosivo golpear ciudades a través de gran parte de América del Norte y Europa, Janiva Magnesia Seguid difundiendo su mensaje de esperanza Empoderamiento a través de la música

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Ruth Brown

• Ruth Brown, La Reina Original  Der & B y la realeza Reforma Pioner, pasa a la edad de 78 años
  El incomparable Ruth Brown, cuyo legado musical fue acompañado por su lucha por la reforma de regalías para ella y otros artistas de R & B, falleció el 17 de noviembre de 2006 en un hospital del área de Las Vegas debido a complicaciones después de una apoplejía y ataque cardíaco. Howell Begle, amigo y representante legal, hizo el anuncio para la familia.
• Conocida como "La chica con una lágrima en su voz", "The Queen original de Rhythm & Blues", "Miss Rhythm & Blues", y el apodo bien conocido de "Miss Rhythm", el apodo que le dio el señor del ritmo , Frankie Laine, Ruth Brown también fue acreditado como la primera estrella hecha por Atlantic Records. Su majestuoso golpe de decisiones reinado desde 1949 hasta el cierre de los años 50 ayudó enormemente a establecer el predominio del nuevo sello York en el campo de R & B, una trayectoria para la que fue sometida la joven marca como "La Casa que Ruth construyó".
• Dos de Brown docena de discos de éxito incluye el single "So Long", la canción de la firma de la Pequeña Cornshucks señorita, y una de las favoritas de la pareja ejecutivo de Atlantic Records hierba Abramson, Ahmet Ertegun. Así como "Teardrops de mis ojos", que llevó a cabo la más arrogante, agresivo lado de Ruth, que fue recompensado con su primer número uno de R & B hit. Durante la duración de los años cincuenta, Brown dominó el R & B cartas con tal al rojo vivo las partes como "05/10/15 Horas" y "(Mama) que trata a su hija media."
• La relación con Atlantic Records iba a durar hasta 1961. Con el inicio de los años 60 turbulentos, estilos musicales cambiado y, como tantos otros pioneros de R & B, la señorita Brown se quedó atrás. Ruth fue empujado en el papel de madre soltera que cría a dos niños solos, lo que obligó a tomar puestos de trabajo como empleada doméstica, conducir un autobús escolar, y como maestra de Head Start.
• La historia podría haber terminado ahí, pero Brown disfrutó de un renacimiento de su carrera en los años setenta a mediados de. Ella comenzó la grabación de blues y jazz para una variedad de etiquetas. Realizó una gira por el extranjero en 1979 y 1980 y, a su regreso a los Estados Unidos, protagonizó en el off-Broadway musical Staggerlee Allen Toussaint y causó sensación espectacular en la película Hairspray como Motormouth Maybelle. A partir de 1985, Ruth fue anfitrión de la serie de Harlem Hit Parade en la Radio Pública Nacional y en 1989 ganó un premio Tony a la Mejor Actriz en un Musical por la revista de Broadway Negro y Azul.
• En 1989, Ruth Brown recibió un premio Grammy por el álbum "Blues On Broadway". En 1993, fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Ruth fue reconocido en 1999 con el Lifetime Achievement Award de The Blues Foundation, además de recibir dos WC Premios práctica de la organización. Su autobiografía, Miss Rhythm, recibió el premio Ralph Gleason de la Música. Ruth se le dio el premio Pioneer de los Rhythm and Blues Foundation, una organización que fue fundada como resultado directo de sus esfuerzos para fomentar un mayor reconocimiento y proporcionar asistencia financiera a los músicos de Rhythm and Blues de cualquier estatura.
• "Ruth fue una de las figuras más importantes y queridas de la música moderna. Usted puede oír su influencia en todo el mundo de Little Richard a Etta, Aretha, Janis y divas como Christina Aguilera en la actualidad. Se estableció el estándar para la insolencia, la angustia y la resistencia en su vida, así como su música, y luchó incansablemente por la reforma de la realeza y el reconocimiento de los pioneros de R & B que nunca se les debe. Ella me enseñó más que nadie acerca de la supervivencia, el corazón y la clase. Ella era mi amiga y yo la echo mucho de menos. "
  - Bonnie Raitt, amigo y compañero musical del artista
• "La Fundación está profundamente triste por la pérdida no sólo de nuestro querido co-fundador de la organización, sino también por lo que ahora se convertirá en una notoria ausencia en la lucha por Pioneer R & B Artistas para lograr el reconocimiento, la dignidad y el apoyo de su trabajo. La Fundación , su Junta Directiva y Personal celebrar Ruth y su vida y la esperanza de que otros ahora recoger a su llamada. "
  - Kendall Minter, Presidente del Rhythm and Blues Foundation
• El primogénito de siete hijos en una familia con profundas raíces religiosas, el padre de Ruth Weston trabajó en los muelles en el puerto de Portsmouth, Virginia, y fue director del coro de Emmanuel AME Church. Ruth le sobreviven sus dos hijos, Earl Swanson y Ron Jackson, y sus hermanos: Leonard Weston, Weston Delia, Weston Benjamin Alvin y Weston.
• El ritmo y la Blues Foundation será la planificación de un funeral público para honrar a Ruth Brown y celebrar su contribución al Rhythm and Blues en la ciudad de Nueva York, los detalles se anunciarán posteriormente.
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Albert Collins

• Albert Collins (1 de octubre de 1932 – 24 de noviembre de 1993) fue un guitarrista de blues, cantante y músico estadounidense. Tenía numerosos apodos, como “The Ice Man”, “The Master of the Telecaster”, y “The Razor Blade”.
• Nacido en Leona, Texas, Collins era un pariente lejano de Lightnin' Hopkins y creció aprendiendo a tocar la guitarra. Su familia se trasladó a Houston, Texas cuando tenía 7 años. A lo largos de los años 40 y 50, absorbió los sonidos y estilos del blues de Texas, Misisipi y Chicago.
• Formó su primer grupo en 1952 y dos años más tarde era la principal atracción en varios clubs de blues de Houston. A finales de los 50, Collins comenzó a utilizar Fender Telecasters. Más tarde eligió como principal equipo una Fender Telecaster Custom de 1966, con una pastilla Gibson PAF en el cuello y un combo Fender Quad Reverb plateado de 1970 con 100 watt RMS. Desarrolló un sonido único incluyendo afinaciones menores, notas sostenidas y un estilo de ataque con los dedos de la mano derecha. A menudo empleaba una cejilla en su guitarra, sobre todo en los trastes 5, 7 y 9. La afinación que más empleaba era la abierta en Fa menor (de cuerda más baja a más alta: FA-DO-FA-Lab-DO-FA).
• Collins comenzó a grabar en 1960 y publicó singles, incluyendo muchos instrumentales como “Frosty”. En la primavera de 1965 se trasladó a Kansas City, Misuri, y se hizo un nombre.
• Muchos de los estudios de grabación de Kansas City habían cerrado a mediados de los 60. No teniendo la posibilidad de grabar, Collins se trasladó a California en 1967. Se instaló en San Francisco y tuvo contacto con la contracultura de la época. A comienzos de 1969, mientras tocaba en un concierto con Canned Heat, los miembros del grupo lo presentaron a Liberty Records. Como agradecimiento, el título del primer disco de Collins para United Artists, “Love Can Be Found Anywhere” fue tomado de la letra de “Refried Hockey Boogie”. Collins editó su primer álbum en Imperial Records en 1968.
• Collins permaneció en California durante otros cinco años, y era popular en conciertos dobles en The Fillmore y el Winterland. Collins volvió a Texas en 1973 y formó un nuevo grupo. Firmó con Alligator Records en 1978 y grabó y publicó Ice Pickin´. A lo largo de los años grabaría otros siete álbumes para el sello, antes de firmar con Point Blank Records en 1990.
• A lo largo de los 80 y comienzos de los 90, Collins hizo giras por los Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Se estaba convirtiendo en un músico de blues popular, y era una influencia para Coco Montoya, Robert Cray, Gary Moore, Debbie Davies, Stevie Ray Vaughan, Albert King, Jonny Lang, Susan Tedeschi, Kenny Wayne Shepherd, John Mayer y Frank Zappa.
• En 1983, ganó el premio W.C Handy por su álbum Don´t Lose Your Cool, que ganó el premio a mejor álbum de blues del año. En 1985, compartió el Grammy por el álbum Showdown!, que grabó con Robert Cray y Johnny Copeland. Al año siguiente, su disco Cold Snap también fue nominado a los Grammys. En 1987, John Zorn lo escogió para tocar la guitarra solista en una suite que había compuesto especialmente para él, titulada “Two-Lane Highway”, en su álbum Spillane.
• Junto con George Thorogood and the Destroyers, y Bo Diddley, Collins tocó las canciones “The Sky Is Crying” y “Madison Blues” en el Live Aid de 1985, en el JFK Stadium.
• Tras enfermar durante un concierto en Suiza a finales de julio de 1993, a mediados de agosto le fue diagnosticado un cáncer de pulmón que se había metastatizado al hígado, con una esperanza de vida de aproximadamente cuatro meses. Partes de su último álbum, Live ´92/93´ fueron grabadas en conciertos en septiembre; murió poco después, en noviembre, a la edad de 61 años
  Collins será recordado no sólo por la cantidad y calidad de la música blues que interpretó a lo largo de su carrera, sino también por sus legendarias actuaciones en directo, en las que a menudo descendía del escenario y se mezclaba con la audiencia mientras continuaba tocando. Esta práctica está documentada en un cameo no acreditado de Collins, en la película Adventures in Babysitting. Collins le asegura a Elisabeth Shue que “nadie abandona este lugar sin cantar el blues”, obligándola a ella y a los niños que la acompañan a improvisar una canción antes de escapar.
• Otra anécdota hilarante que ilusta la forma de actuar de Collins está recogida en el documental “Antones: Austin Home of the Blues”. Collins abandona el edificio, con la guitarra todavía enchufada y tocando. Minutos después, regresa al escenario, y un repartidor de pizzas viene y le entrega a Collins la pizza que había solicitado cuando abandonó el edificio. Collins había ido a Milto´s Pizza & Pasta a lo largo de una avenida contigua y había hecho el pedido mientras continuaba tocando.

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Nina Van Horn

• Nina Van Horn Nos cuenta como  dejo su huella en la música pop.
• Yo Desde luego que tengo el placer de tener Algun que otro disco de ella , puedo decir que es una delicia escucharlos , Espero que ustedes lo disfruten como yo..
  Sus primeros amores fueron Bailet clásico y ruso.también trabajo su voz de Soprano .Nina pasó por el mundo de la Opera, pero rápidamente creo una Compañía de Bailes y Cantos Rusos con el hombre de su vida,Missha. Nina  reflejaba en sus directos una  técnica vocal y  expresión corporal ,fuera de lo comun,extraordinarias y elige Texas como base.Un encuentro con WILLIE NELSON la introduce en el mundo de la MUSICA COUNTRY ,donde canta con el grupo DESERT SUNRISE BAND. Nina vuelve a las carreteras del Sur, asimila a  la gente y paisajes que luego surgirán en sus canciones.
• Sus giras la llevan a NEW ORLEANS ,donde NINA descubre una nueva pasión : el BLUES…
• Ella sigue cantando mas y mas, BETTE MIDLER, CHUCK BERRY, ERIC BURDON  la dejan abrir sus conciertos,mucha pasion,energía y  feeling que  derrocha en cada de  una de sus apariciones.Nina observa estos monstruos, aprende mucho ,vuelve a Francia, y en Paris crea su propia banda,The MIDNIGHT WOLF BAND.
• Al modo de la Silver Bullet Band de Bob Seger, Nina, transmite  una alta energía comunicativa quedando reflejada en su grabación en vivo : NINA &THE MIDNIGTH WOLF BAND LIVE iIN PARIS   (Cristal Produccions) editado en toda Europa ,incluyendo España, Escandinavia, Canada y USA.En Alemania, Bélgica y Hollanda la reclaman constantemente en sus mejores Festivales Jazz y Blues : Gronau, Dillenburg, Saarbrucken, Hannover, Ámsterdam ….
• Debido a su alta complicidad con la audiencia y a su inevitable carisma,paises como,Finlandia ,Noruega o Dinamarca la contratan año tras año…. »Una cantante salvaje en un país salvaje….Reina del Blues Tejano en el país de los Vikingos… ,dice la prensa.
• En España es  conocida como « LaTorera » y se distribuye su 1er CD « the Planet » con gran exito de ventas. Nina actua junto a Charlie Musselwhite, Dr John o Shemekia Coppeland en el Festival Blues de Cerdanyola y en Santiago de Compostela con motivo de los Conciertos del Millenium,siempre de la mano de Rochi Productions.
• Francia, por fin, le abre sus brazos con el Festival Country de Mirande y el Bagnol’s Blues Festival donde Nina se codea de tu a tu con los Simple Minds y Maceo Parker…Y al día siguiente la Prensa distingue a Nina como « la Revelación del Festival ! »
• Nina actuo y fueron  15 días de Locura ,total, en el CHESTERFIELD CAFE de Paris,abarrotada  cada noche y de aquí se editara su segundo CD ,grabado en vivo y tambien un DVD.
• El difícil publico de Avignon le hará una « standing ovation » así como el de Blues sur Seine ,o ,  el de Binic, junto a Poppa Chubby ( que hará un homenaje a Nina), la prensa califica a Nina como una gran artista…Nina y su Banda a lo Bob Seger han puesto el fuego …y eleva el nivel del Festival »
• En U.S.A. también acaban de editar dos canciones del último CD de Nina :
• *   Un tema(Malika ) se encuentra en una recopilación por los SHRINER OF TEXAS (para recaudar dinero por la construcción de Hospitales Gratuitos para enfermedades genéticas infantiles) junto a ERIC CLAPTON
• • El otro (Stormy Monday) por la organización TRICKLE UP que lucha contra la exclusión y el hambre en todo el mundo, junto con U2 y BRUCE SPRINGSTEEN, y con un gran show en Central Park de NEW YORK. 
• NINA VAN HORN, una cantante  extraordinaria y excepcional que vive, realmente, cada segundo  de show con una pasion y energia inigualables.Su voz nos recuerda a Janis Joplin o Bette Midler y su feelling a Tina Turner, pero lo cierto es que no hay dudas sobres su sinceridad y entusiasmo en cada concierto,  comulgando siempre con el auditorio, elevando a altas dosis los niveles de adrenalina entre los asistentes, Nina es única.
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Vargas Blues Ban

• Javier Vargas (Madrid, 1958) es un guitarrista de blues y rock, fundador y líder de la Vargas Blues Band. Ha grabado diecisesis álbumes de estudio con la Vargas Blues Band y tres en directo, así como varios DVD de sus conciertos y varias recopilaciones, todo ello durante sus veinte años de trabajo con su banda. También ha grabado un disco tributo al rock argentino. Ha colaborado con músicos de la talla de Carlos Santana, Glenn Hughes, Raimundo Amador, Miguel Ríos, Andrés Calamaro, Prince, Devon Allman y un sinfín más
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  Hijo de emigrantes españoles en Argentina, Javier Vargas nació en Madrid poco después de que sus padres dejaran Buenos Aires. Nueve años más tarde la familia regresa a Argentina.
• Vivió en Mendoza, San Luis, Buenos Aires y en Mar del Plata, donde Javier empieza a tocar la guitarra: la primera que tuvo, regalo de su padre, era una guitarra española de cuerdas de naylon. Cuando consiguió su primera guitarra eléctrica tenía tan sólo 12 años.
• La década de los 60 termina con el traslado de la familia a Venezuela, donde Javier reside hasta que toma la decisión de viajar a los EE.UU.
• Javier se trasladó primero a Nashville -Tennessee- cuna del Country y del Rockabilly, lugar de paso obligado para las bandas de rock sureño. Dos años después se mudó a Los Angeles. Allí tocaba en clubs y colaboraba en grabaciones como guitarrista de sesión. Cada noche participaba en jam sessions con artistas americanos e ingleses y conoció a músicos de la categoría de Alvin Lee, Roy Buchanan, Cannet Heat, etc. que también influenciaron su estilo.
• En 1972, en una visita a su familia en España, le ofrecieron trabajar como guitarrista en un crucero que partía de Vigo hacia Southampton (Gran Bretaña) para recorrer el después el Caribe, con escalas en Aruba, Jamaica, Curaçao... El crucero iba lleno de jamaicanos que regresaban a su tierra, muchos de ellos músicos, con los que se organizaban Jam Sessions. Además de ser una gran experiencia por el viaje en sí mismo, el crucero suposo una toma de contacto con otras influencias musicales como el Reggae.
• En su regreso a España desde EE.UU, Javier formó parte de la banda de Miguel Rios y participó en varios de sus álbumes -Los Viejos Rockeros Nunca Mueren, Rock and Roll Boomerang, Rock and Rios... - aportando temas como Un Caballo Llamado Muerte, Generación Límite, o Nueva Ola...
• Más tarde colaboró con La Orquesta Mondragón y trabajó como músico de sesión y compositor.
• Durante toda la década, Javier pasó temporadas en Londres -tocando en clubs- , París – trabajando como músico de sesión- y Nueva York -moviéndose en los circuitos de Jazz y Blues con su colega el guitarrista Ray Gómez.
• Tras pasar por varias formaciones (RH+, Entrega Inmediata, Blues Express...) y al finalizar la década, Javier empieza a perfilar su propio proyecto.
• En 1991 da el paso más importante de su carrera y crea su propia Banda.
• All Around Blues, es el primer álbum que graba Javier Vargas como líder de la Vargas Blues Band. Colaboraron Elena Figueroa y Philip Guttman entre otros.
• En 1992 aparece Madrid-Memphis. En este segundo álbum Javier Vargas contó con la colaboración de los bluesman Carey Bell y Lousiana Red, el guitarrista flamenco Rafael Riqueni y las voces de Philip Guttman y Jeff Espinoza.
• Los dos álbumes -All Around Blues y Madrid-Memphis- de gran repercusión, consiguieron en España cifras récord de ventas para un disco de blues.
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  En febrero de 1994 sale a la calle, Blues Latino. Para este trabajo Javier Vargas contó con la colaboración de Flaco Jiménez, Chris Rea, Junior Wells y Andrés Calamaro. El álbum tuvo una extraordinaria aceptación entre una gran diversidad de público. Se publica también en Argentina y a raíz de la magnífica acogida del álbum en aquel país, la Vargas Blues Band actúa en Buenos Aires con rotundo éxito de público y crítica.
• El tema “Blues Latino” de Javier Vargas fue grabado por Carlos Santana y publicado en todo el mundo dentro de su álbum Santana Brothers. Santana intrepretó “Blues Latino” en Woodstock, 1994.
• En mayo de 1995 en los estudios Ardent de Memphis y en Austin (Texas) se graba Texas Tango. Producido por Jim Gaines, el álbum contó con las colaboraciones de Double Trouble (la banda de Stevie R. Vaughan), Larry T. Thurston (Blues Brothers) y Preston Shannon. Ha sido publicado en España, Francia, Suiza, Colombia, México y Brasil.
• En 1996 la banda presenta su directo en París, en festivales de Francia y Portugal y en el festival de Jazz de Montreux (Suiza).
• En julio del mismo año es invitado por Carlos Santana a tocar junto a él dos temas del concierto celebrado en el Zenith de París. La pasión y feeling que transmitía el dúo de guitarras enardeció al público francés. La invitación se repetiría en 1998, durante los conciertos de Santana en Madrid (Conde Duque), París (Bercy) y en 2000, en la gira “Supernatural” por España.
• Gipsy Boogie (1997), repite producción de Jim Gaines. Se grabó entre Madrid y Memphis, fue mezclado en Florida y masterizado en Nueva York. Tuvo colaboradores de la talla de Raimundo Amador, Carles Benavent, La Chonchi, el cantante cubano David Montes, Chester Thomson, Lonnie Brooks, Larry McCray, Little Jimmy King, David Allen y Larry Graham (de Sly & The Family Stone). Este álbum fue nominado en los Premios Amigo, se editó en un total de 24 países y la banda extendió sus giras a Francia, Italia, Alemania y Portugal.
• Larry Graham, actual director musical de la banda de The Artist -The New Power Generation- presentó en diciembre de 1998 a Javier Vargas y a The Artist (antes conocido como Prince), quien invitó a Javier a tocar con él en varios temas de su concierto en el Palacio de los Deportes de Madrid, Jam of the Year.
• Feedback/Bluestrology (1998), es el sexto álbum de Vargas. Editado en formato de CD doble, se grabó en Checkendon (Inglaterra), con la coproducción de Ian Taylor (productor de Gary Moore, etc.) y con la participación de sus colaboradores habituales de Memphis: Steve Potts, Dave Smith y Ernest Willianson y los vocalistas de la banda Bobby Alexander y David Montes.
• Bluestrology se editó también por separado a principios del año 2000.
• En Noviembre de 1999 la Vargas Blues Band se desplazó a los EE.UU. para grabar su primer álbum de directo, en el club “Buddy Guy´s Legends” de Chicago. Participaron como artistas invitados Larry McCray, el armonicista Sugar Blue y la cantaora flamenca Elena Andújar. El concierto se grabó en una unidad móvil bajo la supervisión de Ian Taylor. Javier también subió al escenario del Legends invitado por el guitarrista tejano Chris Duarte. En Diciembre del mismo año se completó la grabación en los estudios Kirios de Madrid, ante cientos de invitados y con notables colaboraciones: Elena Andújar, David Montes, el guitarrista flamenco Juan Gómez “Chicuelo”, el percusionista Gino Pavone, el bandeonista argentino Jorge Lema, y el cantaor “Marchena”. Una vez más Ian Taylor se hizo cargo de la grabación. En esta grabación participaron David “Lads” Sánchez en los teclados, Jota Marsán a la batería, y Fran Montero en el bajo. El disco Madrid-Chicago Live y un video-documental sobre la grabación, salieron a la venta en Mayo de 2000.
• Last Night incluye todos los temas grabados en “Legend´s” y un DVD con el concierto de Madrid y escenas grabadas en Chicago. Fue editado en 2002, y ha recibido excelentes críticas tanto en España como en Europa y EE.UU.
• En 2003 se edita el primer álbum enteramente instrumental, Chill Latin Blues, en el que cobran protagonismo la guitarra de Javier Vargas, y la fusión de sus influencias musicales.
• En 2004 comienza la grabación de “Love, Union, Peace” en los estudios Ardent de Memphis con el "Equipo A" de musicos de Tennesee: Steve Potts a la batería, David Smith al bajo, Ernest Williamson y Reese Wynans -Double Trouble- a los teclados. Como ingeniero de sonido se contó con el ya legendario John Hampton (ZZ-Top, Sound Garden, SRV Live in Mogambo, ...).
• Jack Bruce (Cream), Glenn Hughes (Deep Purple), Alex Ligertwood (Santana), Elliot Murphy, Devon Allman, Jaime Urrutia, “Chicuelo”... son algunos de los artistas que participan en el álbum.
• También se grabaron voces en Madrid, Los Ángeles, y en la Isla de la Palma.
• Javier Vargas no ha dejado de colaborar con numerosos artistas como guitarrista, productor y compositor. Su música puede escucharse también en la banda sonora de diversas peliculas. Además de haber estado de gira por España, Inglaterra, Francia, Italia, Portugal, Polonia, Macedonia,Canadá, Argentina… La Vargas Blues Band ha tocado en prestigiosos festivales europeos (Festival de Jazz de Montreaux, el alemán Pop Komm Festival , The Great British R&B Festival, el belga Anwtwerp R&B Festival…) y Canadienses (Mont-Trémblant Blues Festival), siempre con un gran éxito.
• En marzo de 2011, Javier inicia un nuevo proyecto, bajo el nombre VARGAS, BOGERT & APPICE o VBA, y se traslada a Las Vegas para grabar junto a los consagrados Carmine Appice (bateria), Tim Bogert (bajo), ambos ex Vanilla Fudge, Cactus, Jeff Beck, King Cobra, y con Paul Shortino (voz), ex Rough Cutt y Quiet Riot, un álbum con versiones de temas clásicos del rock y R&B, a los que dan magistralmente aire renovado. El album se graba en Hit Track Studios en Las Vegas, y se mezcla en Ardent Studios, en Memphis con el prestigioso ingeniero Brad Blackwood. Está previsto su lanzamiento para el mes de junio de 2011. Se publicará mundialmente por la discográfica Warner, en formato CD, y una edición especial del CD + CD Live Wire (gira europea 2010 de la Vargas Blues Band) + DVD con videos del making off del disco con Bogert, Appice y Shortino.
   

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U2

• U2 se formó en 1978 después de que Larry Mullen colocó un "se buscan músicos" anuncio del tablón de anuncios en el Templo de la Escuela de Dublín Monte. Adam Clayton había descubierto rock'n'roll como un niño de trece años, la compra de su primera guitarra acústica y luego de hablar a sus padres a comprarle una guitarra bajo. "Simplemente sonaba bien para mí. Profunda y la grasa y satisfactoria. "
• Desde el principio, U2 estuvieron marcados por su pasión. "Una banda antes de poder jugar", fue como Bono se puso en las primeras entrevistas. Borde recuerda haber leído los papeles de música del Reino Unido NME y sonidos cada semana y escuchar acerca de este "niño salvaje llamado Paul Hewson.
• Los cuatro adolescentes, que inicialmente se llamaron 'Feedback', ensayaba en la cocina de Larry en Dublín, en la voz de Bono, The Edge en guitarra, Adam Clayton y Larry que componen la sección rítmica de bajo y batería. Inspirados por el punk, pero al margen de la distante fresco por el Mar de Irlanda, se había convertido en nuestra "The Hype 'y luego' U2 'y pronto la construcción de una reputación local basada en la pasión de sus actuaciones.
  -Supongo que un punto de inflexión que han estado viendo el atasco en Top of the Pops ", recuerda 'Edge. Y darse cuenta de que en realidad no saber tocar no era un problema ... la música era más sobre la energía y tratando de decir algo y no necesariamente de gran maestría musical.
  Después de un breve período administrado por Adán, que había conocido a Paul McGuinness, pero una pronta liberación de Irlanda en 1979, el "Sub-23" EP en CBS, resultó ser un hecho aislado. Tendrían que esperar hasta el año siguiente para firmar un acuerdo a largo plazo con los expedientes de Chris Blackwell Island. "Me quedé sorprendido por la calidad y el talento y la ambición de estos cuatro músicos y, sin embargo, no pudimos conseguir un contrato discográfico. 'Recuerda McGuinness. "Todo el mundo pasó de U2 antes de que finalmente encontró un hogar en el sello Island Records.
• El primer single de U2, 11 O'Clock Tick Tock-, fue lanzado en mayo de 1980. Niño, su álbum debut, fue puesto en libertad cinco meses después - promovido por otro single, I Will Follow, octubre, un año más tarde y en mayo de 1983, tuvieron su primer número uno del Reino Unido álbum con la guerra, la culminación de un trío de álbumes producidos por Steve Lillywhite.

• Guerra ofreció singles día de Año Nuevo (el video grabado en la nieve bajo cero Suecia) y Dos corazones laten como uno, mientras que el álbum en vivo Under A Blood Red Sky lanzado en noviembre, rompió el Billboard Top 30 EE.UU.. También fue el final de un capítulo de la banda y el comienzo de un cuarto de siglo de colaboración con el estudio de Brian Eno y Daniel Lanois. The Unforgettable Fire, grabado en un salón de baile de Slane Irlanda Castillo, dio lugar a uno de los temas más emblemáticos de U2 en Pride (In The Name of Love) ... así como la experimentación mucho más. "En Estados Unidos hubo una reacción violenta cuando sacamos The Unforgettable Fire", recuerda Bono. "La gente pensaba que eran el futuro del rock and roll y se fueron, '¿Qué estás haciendo con esta maldita hippie álbum de Eno? "Debemos Eno y Lanois tanto para ver a través del corazón de U2.
  Tres años antes de que la banda había tocado el apoyo a Thin Lizzy en la feria al aire libre Slane anual. Diecisiete años después, ha establecido como el acto en directo por excelencia en el rock and roll, que sería volver a jugar presenta dos venta-, por sí mismas, posteriormente puesto en libertad en un DVD en directo, U2 Go Home ".
• De vuelta en la década de 1980, la gira de nueve meses tras el lanzamiento de 'The Unforgettable Fire "tuvo en 54 fechas de EE.UU. y dio lugar a la apariencia inolvidables de la banda en el Live Aid en julio de 1985. "En el centro de Bad siguió un paseo tratando de seleccionar algunas chicas a bailar con", recuerda Larry. "Se sentía como si él se había ido para siempre. Estábamos muy nerviosos, ya que fue cuando Bono y desapareció, se produjo un cierto pánico.
• No me di cuenta en ese momento, pero se trataba de un conjunto que podría alertar a toda una nueva audiencia para su música, pero fue dos años antes de que la banda lanzó The Joshua Tree en 1987, el título original de trabajo de que fue "La las dos Américas ". Si los constantes giras había visto los EE.UU. hipnotizar a U2, Estados Unidos estaba a punto de devolver el cumplido - los singles With or Without You y el evangelio con sabor todavía no he encontrado lo que estoy buscando, se dirigió a la parte superior de la EE.UU. escoge la carta.
• The Joshua Tree llegó a vender más de 20 millones de copias y en el 1987 los premios Grammy, ganó "Álbum del Año" de la banda y "Mejor Interpretación de Rock", el primero de lo que se ha convertido en una carrera récord de victorias Grammy. En 2007 una versión remasterizada del álbum fue lanzado para conmemorar el 20 aniversario de su versión original y en su libro, 'U2byU2' de la banda habló en detalle acerca de cómo muchas de las canciones se reunieron. En el 1987 los premios Grammy, U2 ganó Álbum del Año y Mejor Interpretación Rock de The Joshua Tree, su primer Premio Grammy gana.
• Cuando la revista Time puso a la banda en su portada con el titular "Hottest Ticket Rock", que era la cuarta vez que una banda había llegado a la portada - después de The Beatles, The Band y The Who.
• Un año más tarde, en 1988, U2 encabezó las listas británicas y solo estrenada en los cines 'Rattle & Hum "la película del concierto en vivo que la crónica de la pierna de la gira EE.UU. 1987 Árbol de Josué. Rattle and Hum álbum doble "aparece el número 1 individual, el deseo y la colaboración con BB King," When Love Comes To Town ". La banda terminó su gira 1989 Lovetown con una serie de finales de diciembre en la muestra Point Depot de Dublín cuando Bono anunció que "... este es el final de algo de U2 ... tenemos que ir lejos y ... y soñarlo todo de nuevo. "

• Ellos también, va a los estudios Hansa en Berlín con Brian Eno y Daniel Lanois y soñar con un álbum llamado Achtung Baby, que tuvo su música en una dirección totalmente nueva. Banda y equipo de producción se habían enfrentado en la dirección que debe tomar, pero fuera de esta crisis fue uno de sus discos más aclamados. Como Daniel Lanois dijo, "Si logras que los cuatro de ellos en una habitación con instrumentos en sus manos que vas a obtener resultados. Eso tiene mucho que ver con mi trabajo - apenas conseguir en la habitación y de juego ". Con The Fly, Mysterious Ways, y una U2 comenzó la década con un nuevo sonido, una nueva reputación en la pista de baile y una serie de sus más grandes éxitos.
• La gira Zoo TV posterior abrió sus puertas en Florida el 29 de febrero de 1992 y la vuelta al mundo dos veces en casi dos años antes de terminar en Japón el 10 de diciembre de 1993. Achtung Baby ha demostrado ser un álbum innovador y el diseñador de producción Willie Williams se dedicó a reinventar la gira de rock con la ayuda de una pantalla de vídeo de 130 pies yuxtaposición de 24 horas de noticias duras, canal de compras efímeras y las consignas posmodernas a la rampa encima de los niveles ironía. ("Todo lo que sabemos que está mal"). Apariciones aparece Lou Reed, Salman Rushdie (mientras que en la clandestinidad a raíz de la publicación de Los versos satánicos) y Benny Andersson y Bjorn Ulvaeus de ABBA, que llevó a cabo 'Dancing Queen' con la banda. Todavía no puedo imaginar lo que parecía? Esto es lo que parecía. Siendo el periodo previo a las elecciones presidenciales estadounidenses 1992, Bono interrumpió el set list para hacer llamadas vía satélite a la Casa Blanca de Bush. Nunca lo hizo llegar hasta entonces presidente George Bush - poco ¿alguien sabe que dentro de pocos años los presidentes y los políticos a tomar esas llamadas - sino a través del enlace satelital ZOO TV también llamó a Sarajevo desgarrado por la guerra, escuchar las voces de un ciudad bajo asedio, gracias a la inconformista periodista Bill Carter.
• En medio de la pierna europea del Zoo de la banda grabó un álbum entero, la Zooropa inquietante y experimental (1993) con la voz principal de Johnny Cash en la última canción The Wanderer. La parada del Zoo de Sydney fue remasterizada digitalmente y luego lanzada en DVD,
  'Zoo TV Live From Sydney'.
• La conexión de Sarajevo inspirada en uno de los temas sobre los pasajeros: Original Soundtracks Volumen I, el álbum más experimental de la banda habían colaborado en - como era de esperar con Brian Eno en el corazón de la mezcla. 'Miss Sarajevo' ofreció un papel protagónico de Luciano Pavarotti. Coronando este período de prosperidad, Pop (1997) envuelta su carga pesada lírica en los ritmos de baile del estado de la técnica, una complicidad creativa con DJ Howie B. "Los temas son el amor, el deseo y la fe en crisis", explicó Edge. "Lo de siempre."
  El recorrido que resulta, PopMart - que vio a la banda a ser el primer acto importante para llevar a cabo en Sarajevo después de la guerra de Bosnia - fue otro espectáculo visual imaginado por Willie Williams presentó la roca-rave de Mofo y Discoteca para una nueva generación de fans.
• Pasaron cuatro años antes de que otro álbum, pero valió la pena la espera: todo lo que no puedes dejar atrás canciones características que pasó a ganar "Grabación del Año" Premios Grammy en dos años consecutivos - 'Beautiful Day' en 2001 y 'Walk On' en 2002 - la única vez que esto ha sucedido. Lanzado en 2000, atyclb ganó siete premios Grammy y vender más de diez millones de copias en todo el mundo. "Creo que fue una muy buena idea para hacer un disco que en realidad sonaba como U2 de nuevo ..." explicó Paul McGuinness. "Se fue a la N º 1 en 32 países.
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  Fue seguido por el Elevation Tour 113-fecha, un enfoque igualmente despojada de vuelta, con el objetivo firme de las canciones. "En realidad no era minimalista", dice Edge. "Pero en comparación con cualquier cosa POP parece volver a lo básico." Fue el diseño que tomó Larry: "El uso del corazón como una pista para salir hacia el público y la forma en que se llenó el corazón de la gente, fue genial. Era casi como un concierto club dentro de un escenario. "
• ¿Cómo desmantelar una bomba atómica (2004) era "en gran medida un disco de guitarra", explica Adam. "Vértigo, Amor y Paz, City of Blinding Lights, All Because of You, todos muy arriba, canciones rocoso. Muchos de ellos son de un saque de nuevo a nuestros primeros días, así que es como cada año nos hemos reunido un poco poco más y esto es lo que estamos ahora. " Grabado con productores nuevos y viejos - Steve Lillywhite, Chris Thomas, Flood, Lee Jacknife, Brian Eno, Daniel Lanois, Hooper Nellee y Carl Glanville trabajó en el álbum - álbum de estudio undécima de U2 desde fue lanzado en noviembre de 2004, debutó en en el número 1 en 25 países y el primer sencillo Vertigo ganó tres premios Grammy, incluyendo Mejor Canción de Rock. La gira Vertigo, que siguió fue la más alta gira taquillera del año y con el álbum de U2 confirmó como "la mayor banda de rock and roll del mundo. "Durante el año 2005 U2 tocó a más de 3,2 millones de personas. En marzo de Bruce Springsteen ingresó a la banda en el Salón de la Fama del Rock'n'Roll, describiéndolos como" los guardianes de una de las arquitecturas sónicas más bellas del rock-and- mundo roll ", dijo rockero Bruce Springsteen, mientras inducción de U2. Y luego estaba el Live 8, transmitido en vivo a la mitad del planeta, y la apertura de U2 con la realización Sargento Peppers Lonely Hearts Club Band, con Paul McCartney. En la ceremonia de los Grammy 2006, U2 se llevó cinco premios, incluyendo el codiciado Álbum del Año por HTDAAB. Estas nuevas victorias traen su número total de premios Grammy y 22, más que cualquier otra banda.
• Mientras que el gasto de una grabación meses en los estudios Abbey Road en Londres de 2006, U2 ha colaborado con Green Day para grabar una versión de la canción The Saints Are Coming por los patines. La grabación fue un beneficio para Music Rising, una organización caritativa fundada por The Edge, que tiene como objetivo ayudar a reconstruir el corazón musical y la cultura de Nueva Orleans mediante la sustitución de los instrumentos que se perdieron durante el Huracán Katrina y el huracán Rita. La banda ha lanzado tres "Lo mejor de las colecciones:" Lo mejor de 1980-1990 "," The Best of 1990-2000 "y" U218 Singles "
  en 2006, que también contó con 'Windows en los cielos "la nueva canción.
• Cinco años después del lanzamiento de Cómo desmantelar una bomba atómica, en marzo de 2009 la banda lanzó No Line on the Horizon. Su 12 º álbum de estudio fue escrito y grabado en en Fez, Marruecos, Dublín, Irlanda, Nueva York y los Olympic Studios de Londres. El álbum hace un llamamiento a los talentos de la producción de antiguos colaboradores Brian Eno y Lanois Danny, con una producción adicional de Steve Lillywhite
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Susanna Hoffs

• Susanna Lee Hoffs (Los Ángeles, 17 de enero de 1959) es la vocalista y guitarra rítmica del grupo de integrantes femeninas rock The Bangles. En 1981 lanzó su primer sencillo con The Bangles, titulado "Bangles", tras lo que siguieron los LP's "Bangles" (1982), "All Over the Place" 1984, "Different light"(1986), "Everything" (1988) y "Greatest Hits" (1991).
• Ese mismo año de 1991 lanzó su primer álbum como solista, titulado "When You're a Boy" cuyo dulce y romántico single "My side of the bed" se colocó en las zonas medias de los éxitos musicales. En 1996 grabó su segundo disco en solitario, llamado sencillamente con su nombre: "Susanna Hoffs".
• Tras sacar otro disco en solitario, Bangles se reunieron en 1995 para grabar "September Gurls" tras lo que vendrían "Greatest Hits " en 2000, la canción "Get The Girl" (incluida en la banda sonora original de la película Austin Powers:la espía que me achuchó), "Eternal Flame" en 2001, y "Doll Revolution" en 2003. La bajista Michael Steel abandonó la banda en 2006 sin ser sustituida.
• Susanna está casada con el director de cine Jay Roach, realizador de películas como Austin Power, Los padres de ella, y tienen dos hijos. Su última grabación fue "Under the Covers, Vol. 1", una colaboración con el cantante y guitarrista de rock alternativo Matthew Sweet con quince temas que versionan éxitos de los 60's y los 70's que fue publicada en 2006. En la actualidad sigue tocando en directo con Bangles.
• Gracias a Internet, me he reencontrado con Susanna Hoffs, que así se llama la excepcional morenita
  20 años después, Susanna sigue tan bonita (o más) y su voz se mantiene tan pura como hace dos décadas (o, tal vez, mejor, si me apurais, juzgadlo vosotros, más abajo, los melismas de la canción “Different drum”). Una voz y una cara que se mantienen puras con el paso de los años son señales de que Susanna no se ha traicionado a sí misma en estos 20 años
  que la veinteañera todavía está viva en esta adorable cincuentenaria ¿Te puedes creer que tiene 50 tacos?. Llevo días poniendo las canciones del último album que ha sacado, de versiones de los 60-70, en compañía de un tal Matthew Sweet y es para quitarse el sombrero. (Ese disco SÍ merece la pena, os lo digo yo).

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Mindi Abair

• La saxofonista / Singer / Songwriter Mindi Abair no sólo ha establecido las tendencias sonoras, sino que ha roto todos los límites, pues sigue para definir el futuro menos tradicionales del jazz. Su propia marca de pop y soul jazz cumple añade una voz refrescante y único para una generación nueva y emocionante de artistas crossover. Criado en la carretera con la banda de su padre, se graduó de Berklee College of Music y se dirigió a Los Angeles donde se convirtió en un solicitado músico. Ella firmó con Verve Records en 2002 y nunca miró hacia atrás. Su carrera como solista ha producido 10 sencillos # 1 de radio, y sus discos siempre han encabezado las listas de Billboard de jazz contemporáneo. Ella ha recibido el programa de radio sindicado internacionalmente "Chill Con Mindi Abair" por 5 años, y tiene éxito cinco grandes lanzamientos en solitario la etiqueta en su haber "Simplemente sucede que Way" (2003), "Come As You Are" (2004), "Life Less Ordinary" (2006), "Estrellas" (2008), y "In Hi Fi Stereo" (2010). Ella es un gobernador elegido por el Capítulo de Los Ángeles de NARAS, y es un embajador de Artista para la Campell Etiquetas para la Educación y la Fundación Grammy. Ella ha sido presentado en esta temporada de "American Idol" como solista con Paul McDonald y Casey Abrams, ganó Mejor Instrumentista Internacional en el 2011 los Premios Onda en Toronto, y Mejor Artista Femenina del Año en los Premios 2011 Oasis Jazz Contemporáneo. Ella es actualmente de gira por los EE.UU. y en el extranjero con su banda. La lista de artistas que ha estado de gira o grabado con son una prueba de su talento. Estos incluyen la Keb 'Mo', Hathaway Lalah, Duran Duran, Lee Ritenour, los Backstreet Boys, Mandy Moore, Adam Sandler, Marie Teena, John Tesh, Sheila E, Lyle Bobby, Jonathan Butler, Peter White y Rick Braun.
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  "Mindi Abair es el # 1 por su sonido original, melodías perfectas, las ranuras y la sensación general de la diversión." Jazziz revista
• "Cautivante ... un sonido distintivo y melodías memorables. Digámoslo de esta manera ... una Abair Apple comerciales fuera de estrellato". Jazz Times
• "Yo era un fan del momento en que vi un video de uno de sus conciertos. Su capacidad de conectar con el público y atraer a los aficionados al jazz, así como aquellos que no están tan familiarizados con ella, le hace un artista tan emocionante, y Yo estaba encantada de tenerla como invitada en mi gira ". Josh Groban
• "Saxofón Mindi Abair habla a todos de nuestras almas. Hazte un favor y echa un vistazo a la música de Mindi Abair. Estarás feliz de haberlo hecho." Keb 'Mo'
• "Mindi es único, y que será amor a primera escucha." John Taylor (Duran Duran)

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