Giovanna Pessi & Susanna Wallumrod

• No es un buen disco de jazz, es un rendimiento exquisito para violines de voz, arpa y el período se une con ligeros toques Susanna Wallumrød cantando y las líneas sugerentes, entrelazamiento y la enunciación señorial del siglo 17 Henry Purcell, la iglesia y el teatro musical, algunos originales Wallumrød, dos Leonard Cohen ¿Qué canciones y Nick Drake la voluntad.
• Se trata de una colaboración única y audaz con el arpista barroco Giovanna Pessi que tiene los ingredientes de una improbable cruzada género éxito.
•  Entrega sutil Wallumrød de letras contemporáneas, tales como "¿Quién de barbitúricos / ¿Quién en estos reinos del amor / que voy a decir está llamando" de Cohen es quién por el fuego, o su escalofriante llamada de destino de líneas en Usted sabe quién soy, han un impacto sorprendente cuando se compara con los giros constantes y rollos de arpa Pessi, Marco ...
• Con llave-violín Ambrosini nyckelharpa y la viola de gamba Jane Achtman de. Este último tiene una resonancia chelo, a veces, el arpa de la guitarra, y la fuerza silenciosa detrás de la personalidad Wallumrød dentro de una estructura formal de la música antigua-es fascinante.

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Bic Runga Belle

• Belle considera que el Kiwi  es Una cantante y  compositora lanzándose de nuevo en su arte después de cuatro años de no centrarse en la maternidad. Esta vez lejos ayudó a inspirar un renacimiento creativo y recuperar esa hambre de hacer música y gira again.
• Belle es cuarto álbum de estudio Bic Runga y a bordo, tenemos colaboraciones con Dan Hume of Evermore - quien co-escribió el proyecto primer sencillo "Hello Hello". El artista neozelandés también se alistó Kody Nielson de Nueva Zelanda la banda de rock Los polluelos Casa de la Moneda para producir todo el álbum. Los dos habían trabajado juntos en un proyecto paralelo titulado Kody y Bic, un álbum de los originales que salieron el año pasado. De hecho una de las pistas del proyecto - 'Darkness All Around Us "- será re-lanzado en Belle. Bic también con la cuerda en indie pop artista Arabia Lawrence de ...
• Trabajo en la pista épica "está preparado a esta chica para la guerra", que fue lanzado por primera vez en mi boda y la banda sonora de otros secretos.
• En Nueva Zelanda es muy apreciada. ella es una cantante y compositora con mucho talento...

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Amy Winehouse

• Hay un momento, justo al final de la leona, el último disco de Amy Winehouse, cuando se muestra una tenue luz de la conciencia de sí mismo que, por desgracia, llegó demasiado tarde para salvarla del campo de sus demonios había elegido.
  Acababa de lucha libre con "A Song For You", el Leon Russell estándar hecho famoso por Donny Hathaway, la atribulada estrella del soul suave que se suicidó en 1979. Según el productor Salaam Remi, que posteriormente se añadió órgano, arpa y cuerdas para la grabación, Winehouse fue ella misma la enseñanza del canto, la lectura de la letra y tablatura de guitarra de una pantalla de computadora mientras cantaba. Con toda honestidad, que es un poco de desayuno de un perro, sin apoyo, en el tempo, dinámica y el tono, pero cuando termina, dice: "¿Sabes qué ...
• .. Marvin Gaye es genial, pero Donny Hathaway, como, no pudo contenerse. Había algo en él, ¿sabes? "
• El subtexto implícito es que ella también tenía algo que no podía contener, algo que llevó a su creatividad, sino que también fue su talón de Aquiles ". Por un momento, aquí, parece darse cuenta de la vinculación que está atrapado, pero estas son las últimas palabras del álbum, demasiado tarde para actuar.
• Mientras Leona es una colección mucho mejor póstumo de Michael Michael Jackson, desde casi exactamente hace un año, es un pobre sustituto de la musicalidad de alto octanaje de Frank y Back to Negro, creado como lo es en las cubiertas, outtakes, demos y los pocos nuevas pistas de Remi pudo reunir, prestado un mínimo de homogeneidad por la cadena de suaves y arreglos de viento y la imposición a veces brutal de hip-hop lacónico batería. Van desde una versión alegre de la "Chica de Ipanema" empapado de Winehouse SCAT-cantando, a una demostración prometedor de una nueva canción, "como el humo", en los cuales el tributo rapero Nas a le sirve como un sustituto pobre de la propia voz de Winehouse, limita en gran medida a la muda "dee-dah-dah", subraya para putativo melodías vocales. Sin embargo, el gancho es como una flecha al corazón: "Como el humo, me quedo".
• Winehouse propio material es bastante más revelador de la confusión emocional en el que parece haber pasado gran parte de su tiempo: "Este profundo pesar que tengo que acostumbrarme a", como ella dice en "Tears Dry".
• La mejor canción del álbum, en parte porque es también la más escasa, es "Wake Up Alone", un sueño enamorado conjunto para atrapar cepillado, Rimshot y guitarra acústica, con la cantante soñadora que refleja: "Me quedo despierto, jugando fuera / por lo menos no estoy bebiendo / ¿Quieres un masaje, para que yo no tengo que pensar sobre el pensamiento. "Pero ella se despierta de nuevo solos, los más sutiles toques de cuernos en el fade-out que acompaña su voz, ya que pasa a un segundo cavernosos, haciendo eco de la distancia, un fantasma del deseo flotando fuera de su alcance.

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Los de abajo-Cybertropic Chilango Poder.. Esto va dedicado a Alvazar

• Esto, sin duda, es uno de los momentos más gloriosos en la historia de los enfrentamientos entre los estilos de la música mundial. Hay una agitación, al sur de la frontera descarada introducción de mariachi, "Rude Boy - esto se hace en México" un anuncio de cola, y luego un repentino cambio a un ritmo Ska como Los de lanzamiento de Abajo en un idioma español, latino con sabor a un tratamiento de ese viejo hit de diversión de tres en 1982, The Lunatics (se han apoderado del asilo), con uno de los muchachos de diversión original, Neville Staples, uniéndose in Este es el revival ska como se ve desde un estudio de grabación Ciudad de México, y dirigida por el equipo de producción de Neil Sparkes y Dubulah Conde, mejor conocidos como los exponentes de la música dance mundial, Temple Of Sound. Y es sólo uno de los estilos salvajemente variada y fusiones en el repertorio de Los de Abajo.
• Esta es la banda de la tercera versión internacional (y su cuarto álbum, si se añade en el conjunto de la Fuerza Latin Ska que produce de forma independiente para satisfacer aún creciente del mercado de México Ska, y que ha vendido unos 20.000 ejemplares a través de la distribución de base, sólo en la Ciudad de México por sí solo). Su álbum internacional el pasado fue Cybertropic Chilango Power, el conjunto de 2003, que - con razón - ganó ese año el Mundial de la BBC Music Award para las Américas.
• Entonces, ¿qué es diferente esta vez? Una cantidad enorme. La banda ha estado de gira por el mundo (que habían jugado en 26 países en el último recuento) y que han estado absorbiendo nuevas influencias globales sin dejar de explorar sus raíces mexicanas. Como miembro fundador y teclista Carlos Cuevas dice "nuestra música ha cambiado con los años, y ha enriquecido con más influencias - tanto por los estilos que escuchamos fuera del país, y nuestra investigación sobre la música mexicana y las formas de la creación de un contemporáneo la fusión ".
• Cualquiera que haya visto a la banda tocando en vivo en los últimos meses se sabe lo que un traje elegante, excitante y variado impresionante que se han convertido. La mayoría de las bandas se esfuerzan por repetir su estudio de sonido en el escenario, pero de Los de Abajo son jugadores tan grande, que para ellos ha sido todo lo contrario. La energía pura de sus shows en vivo, y su gama de estilos e influencias, no han sido plenamente reflejados en sus grabaciones hasta ahora. LDA V The Lunatics pone ese derecho. Es el mejor álbum que hemos hecho hasta ahora.
  Esta biografía fue proporcionada por el artista o su representante.

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AMC Trio and Ulf Wakenuis

• El álbum Esperando a un lobo es una continuación de la fructífera cooperación de un trío dinámico en Presov y un jugador reconocido guitarrista sueco.
•  Se presentan las composiciones llenas de humor melancólico y suave directo líneas melódicas derivadas de los elementos de la canción y la lírica. La música de TRIO AMC se basa en una amplia y limpia tuniness de los temas tratados inspirados por ejemplo, canciones pop o la música popular al este de Eslovaquia, también.
• TRIO AMC no es un trío único líder, pero el trío formado por tres miembros de la misma, cuya particularidades reunió a formar un trío bien equilibrado whole
• .AMC ha colaborado con muchos conocidos musicians.Since 2007 Trio AMC coopera con un virtuoso de la guitarra, miembro de Oscar Peterson Cuarteto, Ulf Wakenius, con quienes ha grabado dos...

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Roseanna Vitro

• álbum de larga duración vocalista Roseanna Vitro... Homenaje a su música ,llega a las tiendas una semana de diferencia, parece que es el momento de renovado interés en todas las cosas Newman.
•  Mientras que la liberación compositor del cantante  es un viaje en solitario a través de su propio catálogo, el álbum de Vitro presenta diez de sus piezas vestido con arreglos nuevos a medida desde pianista Mark toca Soskin...
• Vitro en el material de toda la carrera legendaria de Newman, pero se tiende a evitar que la música que destaca su sentido del humor irónico y la entrega intencionalmente cobista a favor de las narrativas de todos los tamaños y formas.
•  Algunas piezas recibir liftings radical ("Last Night I Had A Dream") que iluminan la música y cambiar la impresión general ...
   
•    Mientras que otros conservan su esencia original y simplemente ajustado para encajar en este grupo y el género de la música ("Sail Away"). violinista Sara Caswell es decir, con la excepción de Soskin y Vitro sí misma, la parte más importante de este paquete .
•  Ella artesanías líneas elegantes ("Sail Away"), chisporrotea sobre algunos ritmos brasileños ("Si no te tuviera"), se casa con gestos radicales del sonido con la tristeza y el sol ("Losing You"), ofrece el contrapunto sobrio, y ayuda a para definir el sonido de conjunto general en este disco. Espero que disfruten este disco como yo lo hago :)

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Charlene Soraia

• Charlene Soraia, de 23 años de edad, Londres, cantante  compositor (y guitarrista sorprendentemente buena) ha creado un zumbido bastante con su inquietante Wherever You Will Go, un cover de una canción de The Calling que está siendo utilizado en un té Twinings comerciales en el Reino Unido . Ella fue admitida en la Escuela de BRIT (The London School for Performing Arts & Technology) y asistió junto con el futuro Adele estrellas y Kate Nash. Una vez allí, Soraia jugado en un par de bandas, ninguno de los cuales ganó muchos adeptos. A partir de 2006 hasta el 2009, ella lanzó varios despojada de EPs en solitario, incluyendo la limonada (2006), Postales desde iO (2008), narcisos y otros idilios (2008), y una del Sol (2009).
    Moonchild es su álbum debut. El productor Paul Stacey (Oasis) se reproduce en los estados de ánimo sutiles ...
   
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•  ... De luz y oscuridad en las canciones de Soraia, jugando a su trabajo de guitarra bastante notable y llamativo y las melodías vocales, mientras que mantener las cosas en un nivel serio de fondo con alguna instrumentación ecléctica ... las armonías impredecibles, intrincado tejido en "Wishing (You) Bueno", el jazz produciendo líneas de guitarra de "Bike" y el music-hall rebote melódica de "Light Years" son sólo touchng la superficie de esta obra diversa de arte pop grave - que es difícil no caer bajo el hechizo misterioso de Moonchild

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Nikki Lane

• Cualquier mujer que cubre "Muddy Waters" no puede ser satisfecha "de su álbum debut es una chica con algo que demostrar, y Nikki Lane es una cantante y compositora que deja muy claro en el Paseo de la Vergüenza que no quieren tener de su lado malo. Nacida en Carolina del Sur y viviendo en Nashville después de paradas en Nueva York y Los Ángeles, Lane es un petardo, cuya música fusiona valiente retro-rock de la vieja escuela país, mientras que la infusión de la totalidad con una dosis de adrenalina punk, la mayoría de las canciones en el Paseo la vergüenza de se escribieron a raíz de una ruptura romántica mala, y el tono de Lane aquí oscila entre la decepción silenciado a la ira de plato destrozos, pero a pesar de que en el mercado de un nuevo romance (y que hace que el receptor de su atención en "Coming Inicio to You "de sonido ...
   
•   ... Como un hombre muy afortunado), perdón y el olvido no viene fácil para ella. La voz de Lane es grande y atrevido, aunque a veces exagera los bordes más clara de su acento sureño, y cuando ella emotes, se asegura que lleva a la última fila del balcón, figura en la producción de profundidad, con eco que recuerda los primeros álbumes de Neko Case es sin la seriedad emocional misma, y tiene un talentoso artista que todavía está aprendiendo los puntos más finos de hacer su trabajo musical en el estudio de grabación. Sin embargo, Lane tiene la confianza de sobra y una voz que hace honor a su propio valor,
• y como un escritor que se pueden comunicar las altas y bajas de amor con la inteligencia y el ingenio audaz. Teniendo en cuenta que Nikki Lane había estado escribiendo canciones para un sólo cuatro años cuando grabó el Paseo de la vergüenza, es un logro impresionante de un artista que es más que prometedor, y si podía usar un poco de cera, cuando ella le dice que puede "t estar satisfecho, puede que te encuentres trabajando hasta el valor de ofrecer para tratar de mejorar....

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Pablo Alborán.

• Alguien Me dedico un tema de este chico en mi cumpleaños , En verdad es maravilloso escucharle ...
• Sin duda, Pablo Alborán es el artista español del año y de los que aparecen con cuentagotas en décadas. Solo algunos, muy pocos, elegidos pueden llegar a esa conexión con su público en tan poco tiempo. Hay que tener magnetismo, carisma y buenas canciones para conseguirlo. También disciplina para seguir pisando el suelo y respeto y cercanía con los seguidores y seguidoras que han recorrido el éxito a su lado.
• El éxito de Pablo Alborán se ha cimentado a base de un trabajo sin prisas, ganando fan a fan en cada concierto, en cada ciudad pequeña, mediana o grande. En ese terreno es donde se libran las batallas y ahí ha pasado Pablo buena parte del último año, cantando pero también hablando y escuchando a personas de lugares diferentes y de diferente modo de pensar, todos unidos por sus canciones. Ahí está el secreto de su éxito.
• Pablo Alborán irrumpió en la escena musical española con una tremenda fuerza. Su álbum de debut entró directamente al nº1 en las listas de ventas físicas y digital de iTunes y el primer single, Solamente tú, también subió a lo alto del podio.
•  Antes del lanzamiento, había recorrido España cantando con su guitarra en escenarios pequeños, donde hay que ganarse el público poco a poco. “Hablo de amor y desamor sencillamente, sin ser rebuscado. Me gusta escribir de manera directa para transmitir lo que pienso.
•  Lo bonito es ir enseñando, involucrar a la gente, que haga suyas las canciones, compartir el aprendizaje…” decía entonces Pablo, que en sus canciones envuelve estos textos con una música que huele a sur, con un toque de raíz, rica melódicamente y elegante en la construcción.
• Son las canciones que están en su disco de debut, algunas compuestas hace muchos años, cuando apuntaba la vocación musical impulsada por estudios de piano clásico, canto y guitarra. “Aprendí mucho y me apasionó descubrir esa faceta clásica.
•  Quizá por eso también he escrito temas instrumentales. A los 13 o 14 años me di cuenta que quería dedicarme a esto; fue un impulso, una metamorfosis.
• No me asusté ni me paralicé porque ya cantaba mis primeras canciones. Desencuentro la compuse a los 12 años. Para el disco tenía seleccionadas 30 o 40 canciones. Me gusta aplicar a mi música cosas raras, experimentar”.
• Nacido en Málaga en 1989, Pablo Alborán elabora una música inspirada, de una solidez, riqueza y calidad originales en la escena del pop latino.
•  Cuando se escuchan canciones como Solamente tú, Desencuentro, Miedo, Vuelve conmigo, Caramelo o Volver a empezar, inmediatamente planea la idea de que estamos ante un compositor de altura, serio, sensible, intuitivo, atípico, sorprendente, original… Con su álbum de debut, producido por su descubridor Manuel Illán y en el que colaboran las cantantes españolas Diana Navarro y Estrella Morente, Pablo Alborán ha demostrado que es un artista mayor, llamado a encender el corazón de las personas desde sus primeras canciones, siempre con el público a su lado, ampliado ahora con sus primeras visitas a Latinoamérica y con la publicación del disco en Estados Unidos, México, Argentina, Colombia y Chile, entre otros países.
• Con este primer álbum, Pablo Alborán ha sido nominado a tres premios Grammy latinos 2011: Mejor Artista Revelación, Mejor Álbum Pop Vocal Masculino (Pablo Alborán) y Mejor Canción de Año (Solamente tú). Es el reconocimiento internacional del éxito de un artista que tiene la rara cualidad de superarse día a día para dejar las biografías antiguas en pocas semanas. Escuchen a Pablo Alborán.
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Roger Waters

• Concierto de 4:18 22/11/2011en Buenos Aires
  El día 7 de marzo del año 2002 Roger Waters tocó en Argentina por primera y última vez.
  La apuesta era contundente. Luego de casi dos décadas de vivir peleando con su pasado, de álbumes solistas que alardeaban de nuevas ambiciones artísticas cuando en realidad ni trataban de dismular su herencia floydiana, de vacías batallas legales y mediáticas para desacreditar a sus ex-compañeros, de shows que en vano trataban de captar atención mientras David Gilmour movía multitudes y millones solo por poser el maldito nombre de Pink Floyd sobre sus espaldas... Después de todo eso, Roger Waters decidió apostar a un último ataque. Y esta vez atacó con todo: una gira mundial en la que ya no habría priuritos ni culpa a la hora de recrear los viejos clásicos de Pink Floyd que él mismo había compuesto. De esta forma In The Flesh (así se llamó la gira) apuntaría más que nada a la nostalgia, a los clásicos, a celebrar, en manos de su legítimo creador, la obra de una de las 5 o 6 bandas más importantes de la historia del rock. Con ese objetivo el setlist de los conciertos estaría centrado en los himnos más representavios de Floyd con algunas canciones solistas como excusa. Interesante. Ciertamente la tentación fue grande y el público alrededor del mundo no se hizo esperar para comprar entradas. La cosa esta vez venía en serio y estaba claro que “la otra mitad” de Pink Floyd, con Gilmour cómodamente adormecido en Londres con sus caballos y su avión ultraliviano, no podría hacer mucho para minimizar este acontecimiento.
• El tour americano/europeo fue un éxito, por lo tanto Waters, álbum en vivo mediante, decidió extender la gira a Sudamérica (Pasando por Chile, Argentina, Brasil y Venezuela) y a medidados del año 2001 me enteré que, así nomás, Roger Waters se venía para el lejano sur el siguiente año. Lo primero que se me vino a la cabeza es que tenía que ir SI O SI. Para colmo, ese octubre pasó por Buenos Aires otro gigante, Eric Clapton, y por alguna razón me tuve que conformar con ver el show en diferido por TV. Waters sería mi desquite, así que acordé con un par de buenos amigos para ir juntos al recital. Pero todavía faltaba mucho.
• Entonces llegó diciembre y la Argentina explotó en pedazos. En unos pocos días la dichosa convertibilidad terminó por desmoronarlo todo: corridas bancarias, congelación de depósitos, saqueos a supermercados, estado de sitio, calles tomadas, protestas masivas en todo el país, violencia, ira, represión y muerte. Algo se había quebrado entre la gente y el gobierno, algo se había podrido y no había marcha atrás. Aquel veinte, entre nubes de humo negro elevándose sobre el infierno de Buenos Aires cayó De la Rúa. Se sucedieron cinco presidentes en una semana. Después vinieron todos juntos el default, la devaluación, la inflación y la pesificación de los dépositos en dólares.
• Excelente panorama para un recital de rock ¿No? Rod Stewart, quien también tenía programado darse una vueltita por estos encantadores parajes dijo “SI CLARO, COMO NO” y canceló su recital. Era cuestión de días que Roger Waters siguiera el ejemplo. Pero no, Roger no solo sostuvo su presentación en Argentina sino que la organización del concierto bajó sustancialmente el precio de las entradas para adaptarse a la nueva realidad económica del país. Evidentemente es un tipo que cumple con las expectativas que genera, un tipo que está comprometido con su obra y su ideología. Claro, después de escribir un álbum como Animals o un manifiesto contra la Guerra de Malvinas como The Final Cut no iba a darle la espalda a sus desesperanzados fans latinoamericanos, aquellas Sheep cuya rebelión él mismo exaltaba en Animals.
• Los otros dos guitarristas eran viejos conocidos: Snowy White, músico de sesión de Floyd desde los días de Animals y Andy Faitweather Low, quien ya había estado con Clapton apenas unos cinco meses antes. Lo que también había era un coro de tres chicas, un elemento infaltable en los conciertos modernos de Pink Floyd al cual todavía no me acostumbro. Las performances de las canciones eran impecables, aunque, fiel a la tradición de Pink Floyd, eran muy similares a las versiones de estudio... lo cual no es malo: después de todo, reproducir con tanta profesionalidad y fidelidad semejantes piezas de música tiene su mérito. La calidad de audio era soberbia (sonido cuadrofónico y todo) solo que para mi gusto el volumen era un tanto bajo: mi única queja. El escenario era modesto; las luces apenas si hacían algún juego visual y no había NADA de esta pirotecnia millonaria tan característica de los shows de Pink Floyd, salvo una ENORME pantalla de cine detrás del escenario que presentaba todo tipo de imágenes sugestivas para acompañar la música. Me quedé con las ganas de ver al cerdo volador nomás.
• Siguiendo ahora con las canciones. Después de esos cuatro temas de The Wall se lanzó con un par de canciones de The Final Cut que yo no conocía: Get Your Filthy Hands Of My Dessert, un tema con claras referencias a las Islas Malvinas y a los amigos Galtieri y Thatcher (que fueron pertinentemente abucheados) y la devastardora Southampton Dock, con una letra que se adivinaba fuerte, emocional y trascendente. En ese momento nos cruzamos con una chica que estaba totalmente poseída por esta canción, y la cantaba gritando en éxtasis total, mirando hacia el cielo, casi desomoronándose con lágrimas en los ojos. Realmente me impactó mucho como puede alguien sumergirse en la emoción de la música a esos niveles religiosos, cómo se puede llegar a las fibras más hondas de la gente solamente escribiendo una canción.
• Pero sigamos adelante. Todo lo evocativas que fueron estas primeras canciones, para mí el VERDADERO concierto empezó cuando, al tiempo que los últimos acordes de Southampton Dock se extinguían, apareció en la pantalla gigante la imponente y siempre oscura imagen de la Battersea Power Station de Animals, anunciando que, veinticinco años despues, algo sigue oliendo mal en la granja. Y entonces esas ominosas guitarras acústicas creciendo y creciendo... y un inequívoco escalofrío recorriendo mi espalda... nada menos que Dogs señores, una de las canciones más poderosas de Pink Floyd, ahí en vivo frente a mi ojos. No podía hacer otra cosa que contemplar en éxtasis, mientras la banda hacía una rendición impecable y completa (Casi veinte minutos!) de la épica de Animals, y un Waters sangrando esas letras que aún hoy siguen siendo actuales y severas como en 1977. En el oscurisimo intermezzo de sintetizador, mientras una jauría de perros hambrientos parecía rodearnos por completo, Waters y los guitarristas se sentaron en una mesa en el escenario a jugar al póker ¡Qué original! Supuestamente representando a los perros que echan a suerte los destinos de las pobres ovejas. Si por mi hubiera sido deberían haber seguido con Pigs y Sheep... Pero lo que vino después no desentonó: escuchen bien... el álbum Wish You Were Here CASI COMPLETO, con TODAS las partes de Shine On You Crazy Diamond, el clásico Wish You Were Here y una devastadora Welcome To The Machine. Shine On fue anunciada por la imagen espectral y ausente de Syd Barret proyectada en la pantalla; la gente lo reconoció y fue saludado por una ovación. Por su parte, Welcome To The Machine fue uno de los momentos más memorables del show: no solo porque la performance fue particularmente inspirada sino porque en ese momento una INMENSA nube de tormenta se alzó por detrás del escenario lanzando todo tipo de relámpagos y rayos que aportaban un toque visual espectacular a la ya de por sí increíble banda sonora. De hecho, en un momento particular, cuando Roger cantaba por segunda vez la inolvidable línea “So welcomeeeee... ¡To The Machine!”, un espectacular relámpago sincrónizó A LA PERFECCIÓN con el final violento de la frase. Fue INDESCRIPTIBLE, pareció calculado por el genio maldito de Roger, o por una naturaleza caprichosa que parecía estar escuchando la canción. La cuestión es que en ese momento todo el estadio, anonadado por la impresionante casualidad, se aunó en una enorme ovación al relámpago. El pobre Roger, incapaz de ver la tormenta, no debió entender por qué demonios la gente reaccionó así. Jajaja.
• Luego de la última parte de Shine On You Crazy Diamond tuvimos un intermezzo de unos veinte minutos. Las luces del estadio se encendieron y una leve lluvia comenzó a caer sobre el estadio abierto; por suerte paró enseguida y nadie se molestó. La segunda mitad del show arrancó con una versión FENOMENAL de Set The Controls For The Heart Of The Sun, esa hipnótica e intimista pieza de A Saucerful Of Secrets. ¿Por qué digo que la versión fue fenomenal? Simplemente porque la tocaron ostensiblemente distinta a la toma original, con ominosas guitarras acústicas, oscuros sintetizadores, las luces casi apagadas y una película fumadísima en el fondo. Y entonces, después de Heart Of The Sun, un breve silencio sentenció el momento clave del concierto. Los primeros latidos de ese corazón humano sacudieron a un estadio que no podía confundirse: era el turno de The Dark Side Of The Moon. He dicho que Dark Side no es mi álbum favorito de Floyd, pero escuchar ese clásico latido, esos sonidos raros de Speak To Me unidos a la palpable emoción del estadio fue sencillamente inolvidable. Los clásicos Breathe, Time y Money se sucedieron impecablemente rockeando completamente la noche. La introducción de Time, particularmente, enloqueció a la audiencia con su TREMENDA acumulación y posterior liberación de tensión.
• Allí la suseción de The Dark Side Of The Moon se interrumpió para dar paso a los temas solistas de Roger. En este parentesis el concierto perdió interés: no es que los temas de Waters son malos, pero parecen meros reciclajes de los esquemas floydianos, con demasiada pompa exagerada, mucho corito femenino y pocas melodías fuertes, nada muy diferente a lo que la otra mitad de Pink Floyd hizo en los 80. Mis oídos escuchaban estas canciones por primera vez y no tenía idea de cómo se llamaban. Más tarde supe que interpretó una sola canción de su primer álbum The Pros And Cons Of Hitch-Hiking, Every Stranger’s Eyes y cinco seguidas de su última placa de estudio, Amused To Death. La que más me gustó fue la canción titular: pura atmósfera, pero realmente buena, con esos oscuros y tétricos “Doctor, doctor, what is wrong with me?”. Los demás temas fueron: The Perfect Sense Parts 1-2, The Bravery Of Being Out Of Range y It’s A Miracle. Recuerdo que durante The Perfect Sense, Waters tuvo un inusual rapto de entusiasmo enérgico: empezó a correr de un lado al otro del escenario levantando los brazos y animando a la gente a cantar y levantarse mientras la música alcanzaba su clímax. El público no se hizo rogar y respondió con masivas ovaciones que hicieron de aquel uno de los momentos más intensos de la noche.
• Y entonces sí, retomando Dark Side donde se había dejado, la banda interpretó Brain Damage / Eclipse cerrando el concierto de forma aplastante, mientras en la imagen cinematográfica de fondo aparecían políticos famosos y un eclipse de sol animado. Sin embargo aún faltaba en encore, y ahí llegó el momento mas inspirador de la velada: Una majestuosa y arrebatadora Confortably Numb despertó definitivamente la emoción del público y elevó la experiencia a alturas casi religiosas. Fue el clímax total de la noche: todos a mi alrededor, mujeres, hombres, jóvenes y viejos se hamacaban en trance cantando de memoria “There is no pain you are receiving / A distant ship smokes on the horizon”. Y yo ahí estaba, feliz de compartir con toda esa gente desconocida este momento tan especial, hermanados momentáneamente por una misma canción, una misma música, en un mismo lugar. En ese mágico instante pensé en lo solitario que me había sentido siempre con respecto a mi gusto y pasión por Pink Floyd: ahora sabía que miles de personas en mi ciudad sentían lo mismo, que se emocionaban con lo mismo y allí estábamos, unidos todos sin importar la religión, la escala social o el número de documento. El momento de Confortably Numb fue sencillamente insuperable y vaya ironía: Cuando David Gilmour compuso la música de Confortably Numb Waters casi lo manda a pelar papas, pero ahora esa misma melodía le servía como momento cumbre de su show.
• Para el segundo y último bis yo esperaba algo a todo trapo, algo que me hiciera explotar la sangre y me volara los sesos, algo como Run Like Hell o Sheep (Si elegía tocar Sheep seguro que me moría allí mismo, no lo dudo). Sin embargo, Roger (igual que Clapton unos meses antes) decidió clausurar la noche con un momento intimista y reflexivo: para ello se sentó, tomó una guitarra acústica y tocó su última composición, la desgarradora Each Small Candle, mientras el público estrellaba el estadio con una constelación gigante de encendedores llameantes. A pesar de que la canción suena como The Division Bell y muchos seguramente no la conocían, el momento fue solemene y emotivo, más que nada porque la letra de la canción fue proyectada en la pantalla para que todos pudieran seguirla. Se trata de un poema antibélico que cuenta la historia (supuestamente verídica) de un soldado sebrio que rompe filas para ayudar a una mujer albana y su hijo abandonados en el desierto. La música es mediocre, pero la letra pega como la gran puta, más que nada en la introducción, tomada al parcer de un poeta danés...
• Not the torturer will scare me
  Nor the body's final fall
  Nor the barrels of death's rifles
  Nor the shadows on the wall
  Nor the night when to the ground
  The last dim star of pain, is held
  But the blind indifference
  Of a merciless unfeeling world
• Con esas palabras terribles el concierto de Roger Waters llegó a su fin. En casi tres horas se fueron toneladas de recuerdos, emociones, música y momentos inolvidables. Seguramente no volveremos a ver un show así por estos pagos por mucho, mucho tiempo.

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Anne Florence

• Anne es una cantante de Suiza, pero escuchar canciones como Em Frente ao mar de su Donaflor nuevo CD es difícil de creer que no es brasileño. Hay incluso un poco de los grandes cantantes de Brasil en su fraseo y el tono. Donaflor comienza con la samba delicioso, Sambou tá novo. Sus armonías de heces con el bajo son fabulosos. Floriano Inácio Schneider y Claude jugar solos elegante en el piano y la guitarra.
• Los violonchelos en la hermosa balada francesa, Voyelles y Noits D'amour te pone en un estado de ánimo romántico. Jazz y música de samba se integra perfectamente en el Amor Platonico con algunas heces más grandes de Anne.
   Boa Noite es una balada agradable que se siente casi como un vals. Piano, en este caso Inacio es excelente. Sabia es una de las más bellas canciones ...
•  ... Del padre de la bossa nova, Tom Jobim. Esta excelente organización es un poco más rápido, más como una lenta samba.
•  A Rainha dos yeguas tiene una especie de nostalgia de la música y la voz de Schneider con acuerdos de Niza de cellos y violines. Ann suave y sensual voz de Pegaso tiene un elegante sentir bossa que te lleva a las playas de Río.
•  Canto Triste es otro clásico brasileño, esta vez de la leyenda de Vinicius de Moraes, magníficamente interpretada por Anne. El álbum termina con la melodía de jazz Frevo de Folhas cuarto y heces más bonita y la voz de Anne-Florence.
•  Ana es otro de los cantantes de múltiples talentos que no sólo canta en más de un idioma, en este caso, Portugués, Francés e Inglés. También es un buen compositor y escribió la letra hermosa en L'Inespere y la melodía de jazz Mi Boulevard.

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las Hermanas Andrews

• las Hermanas Andrews sobre el ácido," anglo-italiano trío vocal de sonido de las Hermanas Puppini y el estilo están tan inmersos en la era dorada de la pantalla de plata que es sorprendente es tardado tanto tiempo en el concepto de su cuarto disco, Hollywood, a materializarse.
• Un cariñoso homenaje a las estrellas del cine glamoroso de los años 40 y 50, la selección de números de detener show-de varios musicales clásicos pueden ser bastante predecibles, pero por suerte, sus nuevos arreglos permiten los evangelistas retro-burlesco para hacer su propia marca en las actuaciones. Número de Judy Garland de la firma,
• "Get Happy", se transforma en una contradanza zapatear campechano, con sus riffs de banjo arrancada, alegre violines y percusión lolloping, de West Side Story "I Feel Pretty" se convierte en un encantador galo ...
• ... Vals, mientras que el desayuno en el "Moon River" Tiffany se da un cambio de imagen inventiva inquietante, con un theremin misteriosa que acompaña sus cadenas de barrido y silenciosa armonía fantasmal. En otra parte, los miembros del grupo mostrar sus habilidades bilingües en juguetón de Brigitte Bardot trabalenguas "Moi Je Joue" y la versión francesa de El Padrino "Speak Softly Love" ("Parle Además Bas"), canalizar el espíritu de Marilyn Monroe en una versión elegante de los caballeros las prefieren rubias "diamantes son el mejor amigo de una muchacha", y proporcionar la cantidad justa de descaro para el oscilación del infecciosos de Girl Crazy "I Got Rhythm". Hay algunos giros inesperados, como el canción (del álbum original composición única), que fácilmente podría confundirse con una antigua jazz-número de manos con su sección de metales triunfante y ruidos contrabajo, mientras que Mika "Grace Kelly" - perfectamente encajar con el tema de cine - es una adición inteligente más contemporáneo que mejor muestra sus armonías de tres partes doo wop. Los problemas con estos pastiches obvia es que a veces es difícil ver por qué los fans de estos temas muestran la vendimia no sólo se buscan los originales en su lugar.
• Pero dándoles un toque sutil, las Hermanas Puppini han creado un tributo fascinante y creativa que se destaca por sus propios méritos.

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Lulu Gainsbourg

• 25 años de edad, Lulu Gainsbourg, hijo de Serge y Bambou, acaba de lanzar su primer álbum, un tributo a su padre al ofrecer a su personal las versiones de éxitos como L'eau à la bouche, Je suis venu te dire que je m ' en vais y Javanaise La. El invitado impresionante line-up incluye Marianne Faithfull, Vanessa Paradis, Johnny Depp y M.
  Su hermana mayor, Charlotte ha estado bajo los reflectores desde su tierna edad, pero no ha habido noticias de escasa Lulu desde que apareció como un niño de dos años en el escenario del cenit con su papá Serge Gainsbourg realizar Hey Man,
• Amén, una pista acerca de su hijo, y luego en el programa de televisión Soirée Sacrée, vestido como un avatar de su famoso padre. No es un dickybird ya que, a excepción de escasos vestigios de sus idas y venidas en las revistas de celebridades.
• De repente, él está en todas partes, la promoción de su primer CD, de Gainsbourg a Lulu, un homenaje a su padre. El jugador de 25 años de edad, es un deportivo, Johnny Depp lookalike con aire indiferente: "Mi madre siempre me protegió de demasiada publicidad y no sólo iba a construir mi reputación como 'Serge junior". Para el último cuarto de siglo, Lulu ("Lucien, es grave. Yo nunca le daría un hijo mío ese nombre") ha estado tratando de escapar de su destino.
• Aunque le gustaba escuchar música, optó por enterrar a su timidez en los juegos de video ("Me gustaría llegar a la orilla!", Se ríe), y soñaba con trabajar en TI, la gestión de un club de video o convertirse en un piloto de Fórmula Uno de carreras. Pero entonces Lulú se crió, se sacudió los grilletes de la infancia e hizo una pocas realizaciones: "El hecho de que mi padre hizo la música, eso no significaba que no podía". Partió para Boston hace cinco años y entró en la Berklee School of Music de prestigio, que componen Quand je suis seul, una pista de su amigo Marc Lavoine (Volumen 10 del álbum). Que abrió los ojos. Lulu ha publicado su primer disco, una colección de canciones de su padre: "Yo estaba dispuesto a asumir mi herencia y que lleve mi nombre. Gainsbourg joven al fin había algo que mostrar por sí mismo. "
• Para liberarse, Lulu optó por hacer un regalo musical a su padre, sirviendo sus canciones vestidas de colores nuevos. Serge murió cuando tenía sólo cinco años Lulu y recuerda poco a su padre, sólo unos pocos gemas preciosas, como la intensa alegría que ambos sentían cuando estaban juntos, los viajes escolares, un notas de piano pocos, y por supuesto su música.
• Para hacer su homenaje, Lulu conjuró un elenco alucinante para asegurarse de que el nombre de su padre, que resuenan en todo el mundo y las generaciones. Nada era demasiado bueno para Serge. El joven audaz fue directamente a la parte superior y en contacto con Bob Dylan, Leonard Cohen, Stevie Wonder, Jamiroquai, Herbie Hancock y muchos más. La lista definitiva cuenta con Rufus Wainwright, Scarlett Johansson (a quien describe como "la Brigitte Bardot del siglo 21"), Marianne Faithfull, M, Vanessa Paradis y Johnny Depp ("mi hermano mayor espiritual"), Shane MacGowan ("el cantante de plomo de The Pogues, el único grupo que mi padre solía ir a ver en vivo "), Angelo Debarre, Richard Bona, Mélanie Thierry, Iggy Pop, Ayo, Sly Johnson ... bastante line-up.
• Para apoyar a las estrellas, algunos de los músicos ex Serge trabajó en el álbum y fue muy rápido para detectar las semejanzas: "En el estudio, el baterista me dijo que yo era tan perfeccionista como mi padre: un tirano amable, al igual que él", Lulu dice con orgullo. Cuando se le preguntó qué más tiene en común con su progenitor, dice: "No sé, todavía soy demasiado joven. Quizás tengo las mismas manos, pero definitivamente no es la misma nariz ganchuda "que risa. Algunos podrían sorprenderse de no encontrar Charlotte y Bambou contribuir al álbum, pero Lulu es firme, "período de la familia en este registro se reduce a mi y mi papá!"
• El resultado es una colección de dieciséis pistas de canciones elegantes y suaves. Los golpes (L'eau à la bouche, Requiem pour un con, Iniciales BB, etc), suenan diferente, como si bañado en otro punto de vista, y algunos de los monumentos se convierten en números de jazz iluminado (por ejemplo, el hombre intoxicado y Trombón Negro) . Pero no hay sorpresas revolucionarias en el registro. Lulu está claramente tratando de alejarse de su padre, sin embargo, se mantiene extrañamente en sus pasos. Ninguna de las pistas fue escrito o compuesto por Lulu, y aunque les ha arreglado bien, él no ha inventado nada nuevo. Todos vamos a estar esperando el próximo capítulo para ver, ahora que el hijo ha volado del nido, sólo el ancho será desplegando sus alas.

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Cyrille Aimée & Friends

•  Cyrille ha demostrado constantemente a sí misma como un talento imparable e innegable en la era moderna del jazz. Su experiencia de gran riqueza cultural le ha suministrado con el motor de la República Dominicana el ritmo y el swing increíble de los gitanos franceses. Tomando estas habilidades naturales con ella en todo el mundo, que ha recibido excelentes críticas y un público fiel en cada país que gracias a su voz. Fue finalista en el concurso Thelonious Monk Vocal prestigiosos de 2010, actuando en frente de un jurado de Al Jarreau, ...
• ... Kurt Elling, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater. En 2007, Cyrille ganó el primer premio y el público en el Concurso Festival de Jazz de Montreux. Cyrille discografía e historia musical es una lista impresionante para cualquier músico de jazz o de otra manera. A la temprana edad de 26 años, ya ha lanzado tres discos a nivel internacional, entre ellos "Cyrille Aimée y La Banda del Surrealismo" y "Smile" con el brasileño Diego Figueiredo guitarrista.
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Julie London

• Julie London (26 de septiembre de 1926 - 18 de octubre de 2000) fue una cantante y actriz estadounidense. Mejor conocida por su sensual voz, como cantante alcanzó su cima en la década de los 50, con su principal hit, "Cry me a River", compuesto y producido por su marido, Bobby Troup; mientras que su carrera como actriz duró más de 35 años, terminando con el rol de la enfermera Dixie McCall, en la serie de televisión Emergency! (1972–1979).
• Una sensual y llena de humo de voz maestra de subestimación, Julie London gozar de gran popularidad durante la época de frío de la década de 1950. Londres no tenía el rango de Ella Fitzgerald o Sarah Vaughan, pero a menudo se utiliza la moderación, la suavidad, la sutileza y el aprovechamiento al máximo. Una actriz como cantante, Londres juega con pesos pesados ​​como Gregory Peck y Rock Hudson en varias películas, y se casó con Jack Webb de la fama Dragnet durante siete años antes de casarse con el compositor Bobby Troup ("Route 66").
•  Londres, realizó su más grande éxito, "Cry Me a River", en la película de Jayne Mansfield The Girl no lo puedo evitar. Después de grabar su último álbum, Yummy, Yummy, Yummy, en 1969, se continuó actuando - jugando un enfermero en el drama de la NBC de emergencia médica de 1974-1978. A pesar de su "sex symbol" de imagen - Londres era conocida por su sexy cubre LP, lo que los objetos de colección - que fue sorprendentemente tímida, y el mundo del espectáculo a la izquierda del todo en los últimos años 70.
•  A mediados de los años 90 Londres sufrió un derrame cerebral, lo que llevó a la mitad de la década de mala salud y en última instancia contribuyeron a su muerte el 18 de octubre de 2000.
• Escuchen este tema es maravilloso ... Julie London - When I Fall In Love

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RioRoma

•    Sin duda esta balada causa merito para la balada del año... es cierto no hay duda... tiene todo el sentido ...no lo beseis simplemente... Este Tema es única....Solo para románticos...
• Poco menos de un mes de lanzar su primer material discográfico al mercado, el grupo pop Río Roma ya suena en la radio del país gracias al sencillo 'Al fin te encontré', en el que de una manera original asegura cantarle al amor..  Río Roma se conforma por los hermanos José Luis y Raúl Ortega, quienes comentan en entrevista que después de varios años de componer música para otros artistas, decidieron probar suerte al interpretar sus propias creaciones.
• José Luis señala que el álbum fue grabado en la ciudad de Nashville, Tennessee, porque querían lograr un sonido diferente, y en dicho lugar cuentan con un estilo particular para producir. “Se grabó todo en conjunto, contamos con músicos de primer nivel y eso le dio un estilo diferente a la producción que quedó plasmado en el disco”.
• El cantautor explica que como ingeniero de sonido tuvieron a Memo Gil, quien ha trabajado para diversos proyectos musicales; desde Maná hasta Pandora, y los dotó de mayor dinamismo.
• Por su parte, Raúl indica que lo que buscan como proyecto es ofrecer una nueva forma de cantarle al amor, a través de un lenguaje sencillo y directo, que gracias a su oficio y experiencia de varios años, es capaz de plasmar en 11 canciones escritas a lo largo de la última década. “Lo que a nosotros nos interesa es cantarle al amor pero de una manera distinta, tenemos nuestra propia manera de hacerlo y eso es algo que a la gente le ha gustado”.
• De entre los temas que conforman la primera placa, Raúl destaca piezas como No lo beses, Por eso te amo y Amor amor, las cuales asegura son “baladas autobiográficas, en una cuidada producción, pero sobre todo son historias de amor que todo el mundo ha vivido”.
• Momento de cambio
• José Luis y Raúl Ortega comenzaron su carrera como compositores de cantantes como Alejandro Fernández, Camila, Alejandra Guzmán, Ha*Ash, Pandora, Edith Márquez, La Arrolladora Banda Limón y K-Paz de la Sierra, aunque ahora aseguran estar completamente enfocados en Río Roma. “Lo que nos interesa en este momento es el impulsar nuestro grupo”, asegura Raúl, quien al tiempo agrega: “Lo que ahora componemos es con prioridad en este proyecto. Hace cuatro años que no teníamos el grupo hacíamos temas para otra gente, pero las cosas ahora han cambiado”.
• Por cierto
• De acuerdo con los integrantes de Río Roma, el nombre lo escogieron porque además de sonar fuerte es un palíndromo, ya que al revés significa Oír Amor, coincidencia que se ve reflejada en la lírica de sus canciones.
• ''Estamos muy contentos y orgullosos con nuestro primer material discográfico''
  Raúl Ortega, integrante de Río Roma.
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Sophie Milman

•  Bueno estó es un regalo que me hacen  Por ser  hoy  15  , Mi cumpleaños
• Gracias por mi regalo  Sophie Milman..
  Después de emigrar de Rusia a comienzos de la década de 1990, su familia se instaló en Israel cuando ella tenía siete años. Milman es de ascendecia judía, y pasó la mayor parte de su infancia en Israel, donde escuchó abundante música de jazz, aficionándose a ella y decidiéndose por este estilo musical. A los dieciséis años, se mudó a Canadá con su familia
  Sophie Milman vendió con su primer disco casi 100.000 copias por todo el mundo, alcanzando el Top 5 en Canadá y el Top 15 en los Estados Unidos. Ha dado conciertos en Canadá, EEUU, México , Japón y en varios países de Europa. 
  
                                                                                                                                                       

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BONNIE BRAMLETT

• Bonnie se trasladó a Georgia y se embarcó en una carrera en solitario. Se reclutó a un pequeño grupo conocido copia de seguridad de Escocia, The Average White Band. En la etiqueta del Southern Rock, Capricornio, se emitió solo LP en 1974, 1976 y 1978. Bonnie fue también el número uno "tienes que tener" corista en los discos de Joe Cocker, Carly Simon, Gregg Allman, Little Feat, Hall Jimmy, Steve Cropper, Jimmy Buffett y Dwight Yoakam, sólo para nombrar unos pocos. Su armonización con Delbert McClinton en la década de 1980 lanzó el galardonado "Givin 'It Up For Your Love" que se ha convertido en un estándar de rock.
• Después de viajar con Stephen Stills, Dickey Betts y Gregg Allman invitado en la gira de The Allman Brothers, y se dio a conocer como el único "Hermana Allman" con el grupo de rock sureño aclamado.
• Bonnie regresó a Los Ángeles en la década de 1980. Una oportunidad de actuar la llevó a un papel como invitado en la serie de televisión "Fama", seguido por un papel en la película de Oliver Stone, "The Doors", con Val Kilmer, Meg Ryan y Billy Idol. Mientras trabajaba con Tom Arnold en una producción teatral, Roseanne Barr preguntó Bonnie estar en su serie de televisión # 1 Hit "Roseanne", como Bonnie Watkins, sus compañeros de camarera en el centro comercial. 1991-92 resultó ser una diversión de dos años, con David Crosby aparece como su marido y un episodio excepcional de cantar patio trasero de "que realmente tiene un asimiento en mí", que coronó sus apariciones en el popular programa. Ella también apareció en el escenario en el musical, "Café del vaquero".
• Bonnie se trasladó a Idaho con su familia a escribir y se reagrupan y luego, en 1999, se mudó a Nashville, TN. Ella firmó con el Grupo de Música y Documentos Corlew Azul Hat lanzó el aclamado por la crítica "Sigo siendo el mismo" en 2001. Jerry Wexler dijo: "Su voz es impresionante en todos los aspectos, la entonación en el dinero, la intensa dinámica, progresiva y lógica lírica y, sobre todo, la quema con la sensación de que hemos llegado a reconocer como alma profunda".
• En 2005, Bonnie firmado con los expedientes de Zoho. George W. Harris revisa su comunicado de marzo 2006, "Roots, Blues & Jazz":
•  "Algunos artistas cambian con los tiempos. Otros simplemente se niegan a crecer. Gloria a Dios por la reina del 'soul de ojos color avellana, la Sra. Bonnie Bramlett, para pegarse a sus armas de todos estos años ... este disco despertar ... pone en evidencia todas las quiero ser rockero femenino. No hay nada como una mujer que ruge como un león hembra, y significa.
•  Respaldado por una quema de "Banda Mr. Groove", la Sra. Bramlett gruñidos, gritos y lamentos con un abandono sólo soñada por la cosecha actual de jóvenes mimados. En completo contraste con quejumbrosa de hoy y groaners susurrando, Bramlett establece la ley con autoridad en el jazz el soul clásico "Mercy, Mercy, Mercy". Toma de Sam Cooke "A Change Is Gonna Come" y escupe fuego en este himno. Irónico, incluso de Chuck Berry, 50 de himno adolescente de la angustia, "No hay lugar especial para llevar" se da una interpretación hilarante, con una ranura completamente modernizado y se han reorganizado.
•  Con su voz cansada del mundo, la oda Bramlett para soportar la crisis de los años 60 ", me río de eso ahora", deja al oyente pregunta si aplaudir o una consola de la ganadora del desgaste que dirigió a sus compañeros. Este es el sonido de una señora que ha vivido en medio de todo, y todavía tiene una sonrisa en su rostro. Desafiante, insolente y descarado, la Sra. Bramlett todavía tiene algunas lecciones para enseñar a los inocentes en el extranjero y en casa. Este CD va a limpiar las obstrucciones en los oídos causado por sonidos sintéticos como un Drano musical. "
•  Además de la gira, la escritura y el nuevo CD, Bonnie participó en la reunión de reparto 25 años para el Salón de Roseanne en el programa Larry King Live. También ha completado el rodaje de su papel en una película de Touchstone "The Guardian", con Kevin Costner y Ashton Kutcher. La película fue lanzada en el otoño de 2006.
• Último disco de Bonnie, "Beautiful" en el Rockin 'etiqueta Camel, mantiene los estándares a la altura de otra mezcla de acoplamiento de la música de raíces americana, entregado con la musicalidad y la pasión habitual.
• "Yo soy un cantante que escribe canciones", dice Bonnie. Pero ella es realmente mucho más: una leyenda de la música, un tesoro nacional y una belleza clásica de un rockero en todos los sentidos de la palabra.
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Steve Winwood

• El viento aúlla en las paredes de piedra del establo del siglo viejo país se volvió moderno estudio de grabación en un parche especial idílica de las hermosas colinas de Cotswold, en la región central Inglés. Es bastante el lugar para hacer una vida, que es exactamente lo que hizo Steve Winwood, con propiedad de las instalaciones durante décadas. Y como tal, era un lugar excelente para hacer Nine Lives, un álbum de gran alcance y cautivadora que mejora aún más uno de los legados más característicos y apreciados de la música popular grabada en la pintoresca e inspiradora.
• Nine Lives toca y se expande en todas las fases de muchas vueltas de la carrera brillante de Winwood, erizada de su pura alegría de hacer música. Las canciones de la nueva gama de la inspiración "volar" a la quema de "ciudad sucia" (con una aparición de su viejo amigo Eric Clapton, pisando los talones de sus aclamados conciertos Madison Square Garden en conjunto) a fuego lento el "hombre hambriento. "Y se unen a un canon que abarca más de cuarenta años y que incluso algunas de las canciones más queridas del pop moderno y rock: Con su trabajo con la firma The Spencer Davis Group (" Gimme Some Lovin '") para el tráfico (" Dear Mr. Fantasy "," La Chispa de baja de alto tacón muchachos "), Blind Faith (" No se puede Find My Way Home ") y treinta años de aventuras en solitario (" Higher Love "," Roll With It "), Winwood continúa la creación de una era de tender puentes sobre banda sonora de arte distintivo.
• Nine Lives pone de manifiesto las múltiples facetas de la visión de Winwood, sus exploraciones pioneras del rock, R & B, África, América Latina y los estilos de jazz, mezclado en brebajes como único y reconocible, como los músicos "grandes regalos en la guitarra y los teclados (especialmente el Hammond órgano B3, con lo proporciona todas las partes de bajo del álbum a través de los pedales del órgano) y, por supuesto, una voz reconocible al instante por su potencia y emoción. Creado a través de una asociación por escrito vitales nuevo con el letrista Peter Godwin y en algunas canciones el guitarrista José Neto y se benefician de la reproducción brillante de su camino a prueba la banda, el álbum fomenta la sensación vibrante de su último álbum de 2003 sobre el tiempo, sí sobre la base de algunos de su mejor música del pasado.
• No, sin embargo, asumir el título es una referencia literal a las múltiples etapas de la carrera de Winwood o enfoques a la música. De hecho, es más sencillo que eso.
• "Bueno", dice riendo alegremente, "Nine Lives es simplemente mi noveno disco, y hay nueve canciones. Así que en realidad no es más complicado que eso. Cada canción tiene una vida propia. Es lo contrario de un álbum de concepto - es un libro de historias cortas en vez de una novela ".
• Dicho esto, alegremente se basa en toda la vida musical que ha llevado a este álbum, en la búsqueda de nuevos ingredientes y combinaciones.
• "Es un poco como un famoso chef añadiendo sabores inusuales que la gente no suele esperar", dice. "Es algo que siempre he tratado de hacer consciente, desde principios de días de tráfico en el que utiliza elementos de la música africana, la música popular Inglés, rock, jazz. Acabo de tratar de equilibrar, porque para mí son sabores que tomadas en conjunto crean el plato entero.
• Pero es mucho más un proceso de equipo, desde la redacción de la organización, desarrollo y creciente entre los miembros del grupo en este entorno fértil. El brasileño Neto, que ha tocado con Airto Moreira y Flora Purim, ha sido un miembro clave de la banda de Winwood desde las sesiones de tiempo Acerca de. El baterista Richard Bailey, nacido en Guyana, tiene una larga lista de créditos como Jeff Beck y Bob Marley. Karl Vanden Bossche también vuelve a agregar una variedad de percusión global. Y con sede en Londres stand Pablo trae colores distintivos para el grupo con el saxo y la flauta. A prueba de carretera y en sintonía con los demás las habilidades y gran alcance, el conjunto fue capaz de trabajar de una manera que Winwood dice ha estado detrás de mucha de la música más gratificantes que ha hecho desde los días de tráfico en adelante.
• "Esta es una gran banda de trabajo", dice. "No sólo vienen con un escrito al reproducir la canción. Muchas de las canciones fueron creados a partir de los atascos, y estábamos jugando un montón de pequeños espectáculos del año pasado, algunos clubes de toda Inglaterra, y fue una gran manera de llegar a jugar y un montón de las canciones salieron de las cosas que estamos había estado jugando juntos. El juego está mucho más integrado con la escritura en esta comparación con respecto al tiempo. "
• El ingrediente primera de Nine Lives se remonta a algunas de las primeras influencias de Winwood tierra a través de un país-blues de guitarra que da inicio a la primera canción, "Yo no estoy ahogando" - a la vez antiguos y nuevos.
• "Lo hace remontarse a mis propios comienzos con The Spencer Davis Group, donde yo estaba escuchando mucho blues - el blues folk, el country blues y el blues urbano, y esto, obviamente, fue una gran influencia sobre mí", dice.
• Sin embargo, de acuerdo con su receta, no hay mucho más en esta canción. "He ido a tratar de combinar elementos de la música latina y brasileña, que no son necesariamente los mejores compañeros de cama. Pero me he esforzado por tratar de mezclar estos elementos. Fue interesante, porque Peter Godwin, quien hizo la letra en un primer momento, dijo que originalmente se concibió como Robert Johnson en el Chelsea en 2007 o algo así. Pero se limitó a decir que después de que había hecho la música. Por lo tanto, ambos coincidieron en que era una buena descripción de
  la canción. "
• A partir de ahí el disco se mueve a "mar embravecido", una co-escribir con Godwin y Neto, con raíces brasileñas de este último aún más a un primer plano, como resultado de un atasco en el que el guitarrista tocaba un ritmo cadencioso 7 / 4, en última instancia, dado un tono que Winwood dice que alguien describió como "hip-hop con un toque brasileño." La canción tanto lírica como musicalmente representa el tipo de puente que el músico espera que toda su obra representa.
• "Cuando todo hubo terminado, nos parecía que el conjunto 'Establecer como navegar a una estrella", la imagen era lo que queríamos que reflejara - las grandes distancias que la gente fácilmente ir hoy, que podría haber sido sin precedentes de 50 o 60 años. Quiero decir, tenemos varios aquí en la banda, personas que han venido desde diferentes direcciones, de oriente y occidente. Tenemos algo de Brasil que se pone en la región central de Inglaterra y que afecta de una manera que es totalmente contemporánea hasta nuestros días, pero, evidentemente, no sucedió de la misma manera cuando yo era un joven músico. Así que tratamos de reflejar eso en la canción. "
• La canción "Fly", añade más elementos interculturales, su melodía preciosa y el flujo realzado por un giro de silbato irlandés interpretado por Paul Booth, que también en esta canción y en otras partes del disco se escucha en el saxofón. "En 'Fly" nos las arreglamos para traer elementos brasileños, africanos y celtas juntos - y otra vez fue tocado y grabado en la región central de Inglaterra. Por lo que se refleja en lo que hace todo el mundo y en las obras manera todo el mundo. Es una canción que creo que es fundamental para el
  todo el álbum. "
• Y también conduce a un chisporroteo de tres canciones secuencia que da Nine Lives su fuerza. "Ciudad sucia" tiene una calidad arenosa, subrayó ardiente por el solo de Eric Clapton, mientras que "Hungry Man" se inspira en Sudáfrica municipio sonidos con su guitarra deslizándose (interpretado por Tim Canfield invitado) y la percusión y el órgano de propulsión "Estamos todos buscando "trae una sensación evangelio junto ritmos afro-cubanos, con cada vez más la combinación de música y letras en las representaciones de un alma que busca en el
  mundo moderno.
• Las tres últimas canciones de atar todos los flujos de música juntos. "Secretos" ofrece una mezcla de juguetones ritmos caribeños y signos de puntuación de rock, el alza en la interacción entre el órgano de Winwood y la flauta de Booth, que también el equipo de "Olvídate de él," una súplica sincera por la humanidad y la compasión con América-R & B fuego. Y "otra orilla" es la clave de su spot de cierre como "Yo no estoy ahogando", es como el primer partido, los dos sujetalibros proporcionar musical y temático para el conjunto.
• "" Otra orilla "es definitivamente parte de la esencia del álbum", dice. "Es la banda tocando todos juntos. Jose y yo escribimos la música juntos y con la incorporación de las ideas de Pedro hemos creado algo más que la suma de sus partes. La canción tiene una identidad y una vida propia gracias a la colaboración por escrito y que instintivamente todos sentimos que tenemos algo que fue muy especial. Me parece mucho que lo resume todo emocionalmente el álbum el significado del álbum tanto lírica como musicalmente. "
• Winwood era sólo un adolescente cuando se disparó a la fama internacional como el cantante prodigioso de la Spencer Davis Group (que también contó con su hermano Muff en el bajo). El blues y el R & B con influencias de rock de "Gimme Some Lovin '" y "I'ma Man" estaba entre los accesos principales a la cima de la invasión británica, Winwood cantando las comparaciones de dibujo a la de su ídolo Ray Charles - a pesar de su tierna edad . En busca de una paleta más amplia artística, en 1967 se dirigió al campo con sus amigos Jim Capaldi, Chris Wood y Dave Mason, forjando el espíritu colectivo en el tráfico, la producción de algunas de las obras más originales y duraderos del teñido psicodélico de finales del "60 .
• En 1969 y Clapton, después de haber trabajado juntos brevemente en el proyecto de central eléctrica de corta duración, formó Blind Faith, con Eric Clapton crema mate, el batería Ginger Baker, y el bajista Rick Grech, aunque el "supergrupo" duró sólo un aclamado álbum y la gira. Con la intención de mezclar estilos folk Inglés, junto con el jazz y el rock, Winwood comenzó a trabajar en lo que se entendía como su primer álbum en solitario, pero en última instancia, Capaldi y Wood se alistó en el tráfico volvió a convocar para el Barleycorn hito John debe morir álbum. Una línea de tráfico ampliado (incluyendo África percusionista Kwaku Baah Reebop) fue a hacer dos de los discos más llamativos de los años 70 en la chispa de baja de Alta Niños de tacón y Shoot Out En la fábrica de la fantasía, la expansión de la música jazz y el mundo elementos. Un line-up reducidas en materia trajo la era de tráfico a su fin con la de 1974 cuando el águila vuela. Con 1977, Steve Winwood, un solo de ricos ejecutar en marcha, de 1980 Arca de un buceador producir el hit "Mientras usted ve una oportunidad", y luego de 1982 Contestando a la noche, de 1986 De vuelta en el High Life and Roll de 1988 Con dando era que define el las canciones de "Valerie", "Higher Love", "Back in the High Life" y "Roll With It".
• Después de 1990, los refugiados del Corazón, Winwood y Capaldi reunidas con la mayor tráfico para el 1994 Lejos del álbum y la gira principal, este último documentado en el lanzamiento del CD / DVD La Última Jam de tráfico del Gran. En 1997, Winwood se unió con el productor Narada Michael Walden en la salida 7, y luego sobre el tiempo vio Winwood volver al espíritu de libre flujo de algunas de sus obras más perdurables. En el camino, Winwood ha colaborado y acompañado de músicos de todo el mundo, incluyendo Jimi Hendrix (Electric Ladyland), Gilmour de Pink Floyd David, James Brown, Muddy Waters, Toots & the Maytals, Phil Collins, Christina Aguilera, salsa grandes Tito Puente y la Fania All Stars, japonés innovador Stomu Yamashta y percusionista africano Remi Kabaka, por nombrar sólo un puñado de decenas de personas.

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Diane Arkenstone

• La sensación New Age de Diane Arkenstone,
   proviene de un entorno musical muy variado,
   antes de focalizar su carrera hacia la música Celta en 1990.
•  Entrenada como una cantante de ópera,
  Arkenstone ha experimentado con el punk,
   heavy metal y música folk hasta formar parte del dúo:
• Enaid & Einalem con un músico amigo llamado Melanie.
   Mientras se hallaba en el dúo,
  se casó con el bien mentado David Arkenstone y formó el
  sello discográfico Neo Pacifica con él.
• En el año 2001 se dedicó en forma solista a su música para meditación,
   pero muchos otros proyectos emergieron con el tiempo,
   reflejando su devoción hacia el rock y la música Celta...

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Madeleine Peyroux

• Madeleine Peyroux, cantante, guitarrista y compositora de jazz, comenzó su carrera musical formando parte del Lost Wandering Blues & Jazz Band en París. En 1996, con apenas 22 años, sale su primer disco en solitario, Dreamland, cuyo éxito le da a conocer al público en general. Half the perfect world es su tercer disco, publicado en 2006.
• En este trabajo podemos escuchar versiones de “La javanaise”, de Serge Gainsbourg, “Smile”, de Charles Chaplin, “The heart of Saturday night”, de Tom Waits, o “Everybody´s talking”, de Willie Nelson, así como cuatro temas compuestos por ella, junto a Larry Klein (productor), en las que su voz suave y personal -cuya tono, fraseado y cadencia recuerdan a Billie Holliday y Bessie Smith- encaja perfectamente con la música y las canciones que interpreta.
•  Esto no quiere decir que Madeleine Peyroux “imite” a las clásicas, sino que utiliza esa capacidad como mejor conviene a la canción, como un recurso más para darle cromatismo, profundidad y/o emotividad, según convenga, a la composición. Porque Madeleine Peyroux no se limita a interpretar canciones, sino que las posee.
  Un disco, de impecable factura, recomendado para quienes gusten del jazz/blues clásico, de la música suave, sin estridencias, de las canciones que recuerdan los viejos buenos tiempos del jazz.

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