5 mar 2011

Los Suaves



La banda nace a finales de los años 70 en Orense, formada por los hermanos Domínguez (Yosi, Charly y Javier), si bien los que conformaron la banda durante casi toda su trayectoria fueron Yosi y Charli. En estos primeros años, la formación de la misma varía bastante, hasta que se asienta con la incorporación de Ramón Costoya "Moncho" y Hermes Alogo como guitarristas y el batería Ángel Barrio, "Gelo". Tuvieron su primera gran oportunidad en 1981, cuando telonearon[1] a Los Ramones en La Coruña, con tal éxito que consiguieron firmar con la discográfica independiente gallega Edigal, con la que editan sus dos primeros discos, el titulado "Esta vida me va a matar" 1982, en el que se encuentran canciones como "Peligrosa María" o "Viene el tren", y "Frankenstein" en 1984, actualmente reeditados en compact disc. Fruto de aquel concierto como teloneros de Los Ramones empezaron a utilizar un gato como símbolo del grupo, a imagen y semejanza del águila que representa a los Ramones. Con el tiempo la imagen del "gato de Los Suaves" se ha convertido en un icono del rock nacional. Pasaron épocas difíciles hasta llegar al tercer disco que les lanzó al éxito -"Ese día piensa en mí", 1988, donde la banda comienza a ser reconocida a nivel nacional, lo que se plasmó en el disco en directo "Suave es la noche" (1989).
El guitarrista Hermes Alogo tuvo que abandonar Los Suaves, y es sustituido por Alberto Cereijo, quien aporta un sonido más agresivo en la guitarra, lo que lleva a una evolución del sonido Suaves coincidiendo con el cambio de década. Así, los discos editados estos años "Maldita sea mi suerte" (1991) que fue disco de oro,[2] y "Malas Noticias" (1993), disco que graban con una compañía multinacional. Su siguiente disco, "Santa Compaña" (1994), obtuvo el disco de platino y conciertos multitudinarios. Esta gira dio pie a la grabación del disco en directo "¿Hay alguien ahí?", el cual estaba formado por dos discos grabados en un concierto en Santoña (Cantabria), y un tercer disco compuesto por 6 temas tocados en directo en un estudio ante un público exclusivo, el cual sólo acompañó a los otros dos en la primera edición del directo.
La banda continúa su trayectoria con los siguientes discos, "San Francisco Express" (1997), " Víspera de todos los Santos" (2000), "Un paso atrás en el tiempo" (2002), "Si yo fuera Dios" (2003), "El jardín de las Delicias" (2005) y "Adiós, adiós" (2010). Cabe señalar también que actuaron como grupo invitado de los Rolling Stones en el año 1999, en Santiago de Compostela.
El Siglo XXI recibe a la banda con cambios significativos en su formación. Ramón "Moncho" Costoya había anunciado su marcha del grupo por motivos personales en 1998, aunque ésta no se producirá hasta el año 2000. Es sustituido por Fernando Calvo, orensano, y virtuoso guitarrista formado al igual que Alberto Cereijo en el prestigioso M.I. (Musicians Institute of Hollywood), recibiendo excelentes calificaciones en el departamento de G.I.T. (Guitar Institute of Technology). Fernando Calvo ya interviene en la grabación de "Un paso atrás en el tiempo" (2002) y en los discos y directos posteriores de la banda. Y en mayo de 2002 Tino Mojón toma el relevo de Ángel Barrio "Gelo" a la batería del grupo. Tino ya venía colaborando con el grupo desde el año 1996. Vinculado a la banda como músico de estudio en los discos "San Francisco Express" (1997), "Víspera de todos los Santos" (2000) y "Un paso atrás en el tiempo" (2002) coge las baquetas también en directo tras la marcha de "Gelo", aportando mayor implicación en la elaboración de los temas de los nuevos discos de la banda y manteniendo la contundencia rítmica que caracteriza a Los Suaves.

Hiromi Uehara

Hiromi Ueharafirst hipnotizado la comunidad del jazz con su debut en 2003 Telarc, otra mente. El rumor iniciado por su primer álbum extendido por todo el camino de regreso a su país natal, Japón, donde otra mente enviados de oro (100.000 unidades) y recibió la Asociación de la Industria Discográfica (RIAJ) de Japón Álbum de Jazz del Año. segundo lanzamiento de la tecladista y compositor, cerebro, ganó el Premio Horizonte en el 2004 en los Premios Surround Music, New Swing Journal Star Award, Jazz La vida es Disco de Oro, Mejor HMV Japón japonés Álbum de Jazz, y el Premio Artista japonés de Japón Música Pen Club (el JMPC es una clásica / jazz club de periodistas). Cerebro también fue nombrado Álbum del Año en 2005 Swing Journal lectores encuesta. En 2006, Hiromi ganó Mejor Artista de Jazz en el Boston Music Awards y el Festival de Jazz Guinness Premio Estrella Naciente. También afirmó Jazzman del año, Pianista del Año y Álbum del Año en los lectores Swing Journal de Japón Encuesta 2006 por su liberación, en espiral. Hiromi continúa su racha ganadora con la versión 2007 de control de tiempo y en el 2008, más allá de Norma. Ambas versiones cuentan con super grupo de Hiromi, Sonic Bloom.
Nació en Shizuoka, Japón, en 1979, Hiromi tomó su primera clase de piano a los seis años. Ella aprendió de su maestro antes de aprovechar el intuitivo, así como los aspectos técnicos de la música.
"Su energía siempre fue tan alto, y ella era tan emocional", dice Hiromi de su primera profesora de piano. "Cuando ella quería que yo jugara con un cierto tipo de dinámica, ella no lo diría con términos técnicos. Si la pieza era algo apasionado, me decía, 'Play rojo." O si fue algo suave, ella diría, 'Play azul. " Realmente podría jugar desde mi corazón de esa manera, y no sólo de mis oídos. "
Hiromi se enfoque intuitivo que un paso más allá cuando se matriculó en la Escuela de Música Yamaha menos de un año después de su primera clase de piano. A la edad de 12 años, era actuar en público, a veces con orquestas de muy alto perfil. "Cuando tenía 14 años, fui a Checoslovaquia y tocó con la Filarmónica Checa," ella dice. "Eso fue una gran experiencia, para jugar con una orquesta profesional."
Además en su adolescencia, sus gustos ampliado para incluir jazz y música clásica. Un encuentro casual con Chick Corea cuando ella tenía 17 años llevó a una actuación con la pianista de jazz conocido al día siguiente.
"Fue en Tokio," Hiromi recuerda. "Él estaba haciendo algo en Yamaha, y yo estaba de visita en Tokio, en el momento de tomar algunas lecciones. Hablé con algunos maestros y dijo que tenía muchas ganas de verlo. Me senté con él, y él dijo algo Play." Así que me fui algo, y luego dijo, '¿Se puede improvisar? Le dije que podía, y lo hicimos algunas improvisaciones dos pianos. Entonces él me preguntó si yo estaba libre al día siguiente. Le dije que era, y él dijo, 'Bueno, tengo un concierto de mañana. ¿Por qué no has venido? " Así que fui allí, y él llamó a mi nombre al final del concierto, e hicimos algunas improvisaciones en conjunto. "
Después de un par de años de escribir jingles publicitarios para Nissan y algunas otras compañías japonesas de alto perfil, Hiromi llegó a Estados Unidos en 1999 para estudiar en la Berklee College of Music en Boston. Por tan abierto como su sensibilidad musical ya había sido cuando ella vino a los EE.UU., la experiencia de Berklee empujó aún más envolvente.
"Se amplió mucho mi forma de ver la música", dice ella. "Algunas personas cavar jazz, algunas personas cavar la música clásica, algunas personas excavar la roca. Todo el mundo está tan preocupado por que les gusta. Siempre dicen, 'Este chico es el mejor', 'No, este tipo es el mejor." Pero creo que todo el mundo es grande. Verdad es que no tienen barreras a cualquier tipo de música. Podía escuchar a todo, desde metal a la música clásica a cualquier otra cosa. "
Entre sus mentores en Berklee fue el veterano bajista de jazz Richard Evans, profesor de organización y orquestación. Evans co-producido otra mente, su debut en el sello Telarc, con su viejo amigo y colaborador de Ahmad Jamal, que también ha tomado un interés personal en el desarrollo artístico de Hiromi. "Ella es poco menos que increíble", dice Jamal. "Su música, junto con su abrumador encanto y el espíritu, hace que se elevan a alturas inimaginables musical".
A los 26 años, Hiromi está en el umbral de posibilidades ilimitadas, inspirándose constantemente en casi todo el mundo y todo a su alrededor. Su lista de influencias, como su propia música, no tiene límites. "Me encanta Bach, me encanta Oscar Peterson, Franz Liszt Me encanta, me encanta Ahmad Jamal," ella dice. "También me encanta la gente como Sly and the Family Stone, Dream Theatre y King Crimson. Además, estoy tan inspirada por los deportistas como Carl Lewis y Michael Jordan. Básicamente, me siento inspirado por cualquier persona que tiene grandes, grandes de la energía . Llegan directamente a mi corazón. "
Pero ella no lo hará, como cuestión de principio, poner etiquetas en su música. Ella va a continuar siguiendo cualquiera que sea su movimiento, y dejar las definiciones para los demás.
"No quiero poner un nombre en mi música", dice. "La gente puede poner un nombre en lo que hago. Es sólo la unión de lo que he estado escuchando y lo que he estado aprendiendo. Tiene algunos elementos de la música clásica, tiene algo de rock, tiene algo de jazz, pero yo no quiero darle un nombre. "

SLIM BRYANT





Navegando por la red me he encontrado  con la historia de Slim Bryant, uno de los artistas country más longevos, y sin duda uno de los más interesantes con esta avanzada edad.

Thomas Hoyt "Slim" Bryant nació el 7 de diciembre de 1908 en Atlanta, Georgia. Tiene, por tanto, el siglo cumplido y a lo largo de su carrera se distinguió como cantante, guitarrista y compositor. Creció escuchando a leyendas como Fiddlin' John Carson y Gid Tanner, y no tardó mucho en decidir que lo suyo era la música. Tras ocho años trabajando para el legendario fiddler de Georgia Clayton McMichen como parte de su banda de western swing, Slim se mudó a Pittsburgh en 1940, donde pronto se convirtió en precursor de la escena country de esa ciudad. Sus apariciones en la radio obtuvieron una enorme popularidad, y en 1949 creó el primer programa de televisión dedicado a la música country en Pittsburgh, un show de variedades en el que siempre aparecían invitados de gran notoriedad

La curiosidad es que se cree que es el último músico superviviente de los que grabaron con Jimmie Rodgers, nada menos. Jimmie Rodgers murió en 1933, y un año antes de su fallecimiento grabó una canción de Slim titulada "Mother, The Queen of My Heart", con el propio Slim acompañándole a la guitarra. El tema, también registrado por Merle Haggard en su disco de tributo a Rodgers y por Jerry Lee Lewis en los años 70 para Mercury, sigue la tradición de las canciones country con moraleja y cuenta la dramática historia de un joven que, contra los deseos de su difunta madre, pierde todo su dinero jugando a las cartas. Además del importante hito de tocar junto a Jimmie Rodgers, Slim también ha compartido escenario con grandes nombres como Tex Ritter, Gene Autry, Rosemary Clooney y Burl Ives. Para Autry, que grabó su canción "If You'll Let Me Be Your Little Sweetheart", sólo tiene palabras elogiosas: "Era un hombre generoso y maravilloso. Llegué a conocerlo muy bien, y siempre que venía a Pittsburgh comíamos juntos en el centro".

Slim idolatraba al gran guitarrista Eddie Lang y al crooner Nick Lucas, que también tocaba la guitarra, lo cual explica que su música estuviese siempre muy influida por el jazz. Éste es un aspecto que lo distingue como un verdadero pionero que incorporó a sus grabaciones solos de guitarra muy jazzísticos y el ritmo conocido como sock, una forma de tocar la guitarra golpeando las cuerdas, mucho antes de que otros guitarristas country lo hicieran.

Con su grupo los Wildcats, un quinteto de magníficos músicos, escribió y grabó más de doscientas canciones, como "Eeny Meeny Dixie Deeny", lo más cerca que estuvo de tener un éxito en la lista de Billboard. Este tema también fue grabado por la banda de Zeke Manners, y a lo largo de los años muchas de sus composiciones fueron versionadas por otros artistas, en la mayor parte de los casos con mayor éxito comercial que su autor. "Nuestro grupo tocaba siempre a ritmo rápido", recuerda Bryant. "Hacíamos nuestros propios arreglos. En nuestra banda, todos cantaban. Hoy todavía toco mi guitarra Gibson de 1936, pero toco menos debido a la artritis". Algunas de sus canciones de temática western, como "Thunderstorm" o "My Saddle, My Bronco, and You" se han convertido ya en clásicos del country.

Si bien nunca ha alcanzado un número uno a nivel nacional y ni siquiera ha tenido la oportunidad de tocar en el Grand Ole Opry, Slim Bryant es, sin duda, parte de la historia de la música country. No en vano, el gran guitarrista Les Paul creció escuchando su música y fue uno de sus seguidores más acérrimos en su niñez.

A sus cien años, Bryant aún vive en Dormont, Pennsylvania. Bueno, le viene de familia: su madre vivió 104...

Shemekia Copeland



Durante más de una década, Shemekia Copeland ha sido la pavimentación de una carretera que conducirá inevitablemente a su reinado como Reina del Blues. En algunas de las normas - blues numerosos premios en los EE.UU. y en otros lugares, una nominación al Grammy, un currículum que incluye el trabajo con los titanes musicales como el Dr. John y Steve Cropper y los gigantes de cine como Martin Scorsese y Wim Wenders - que ya puede estar allí.
Por tan atractivo como el título real que parezca, sin embargo, y para tanto como ella respeta el rico legado de artistas como Bessie Smith, Etta James o Koko Taylor, Copeland insiste en que hay más a quién es y lo que hace que una niña de doce balada-bar o un shuffle de Chicago nunca podría transmitir.
Never Going Back, su debut en Telarc previsto su lanzamiento el 24 de febrero de 2009, las capturas Copeland en una encrucijada en ese camino artístico - un lugar donde numerosas nuevas vías están abiertas para ella. Mientras Copeland seguirá siendo siempre fiel a sus raíces de blues, Never Going Back tiene una visión hacia adelante más de los blues, y con ello los puntos de su música y su carrera en una nueva dirección.
"He tenido éxito en mi carrera, y estoy feliz con eso", dice. "Pero eso no quiere decir que no quieren seguir creciendo. Para que un artista para crecer - y de un género a crecer - se han de hacer cosas nuevas. Estoy muy orgulloso de decir que soy un cantante de blues, pero no significa que lo único que soy capaz de cantar, o eso es el único estilo de música que yo soy capaz de hacer. "
Que la búsqueda de un sonido nuevo y diferente dirigido a productores Oliver Wood, un miembro de la acústica y altamente orgánicos colectivos conocidos como los Hermanos de madera - un combo cuyas filas incluyen también el bajista Chris Wood, co-fundador y miembro permanente de Medeski, Martin & madera. "Las ideas de Oliver fueron creativo e innovador y diferente, y él fue capaz de llevar a cabo otro Shemekia de mí. Estoy muy emocionado por eso. Yo sé lo que soy capaz, pero a veces sólo tiene la persona adecuada para sacar eso de ti, y creo que hizo un trabajo fantástico de eso ".
Además de manejar los derechos de producción, Oliver Wood también establece las pistas de guitarra en cada una de docena de pistas del álbum e incluso aporta los coros en un par de lugares. La tripulación considerable de músicos invitados también incluye a Chris Wood, el teclista John Medeski y el guitarrista Marc Ribot.
El tema que abre pantanosas, "Sounds Like the Devil", co-escrito por Copeland y el productor ejecutivo John Hahn, las direcciones de los botones de doble caliente de la religión y la política, dos temas que Copeland en general ha tratado de mantenerse alejado de en el pasado. Sin embargo, los tiempos son lo que son, ese tipo de evasión no es posible, dice.
"La verdad se está torcida hacia un punto en que nuestra fe - en el sistema político y casi todo lo demás que creemos - ha sido completamente roto", dice. "No confiamos en nadie, no sabemos qué hacer, y un montón de tiempo, estamos políticamente minusválidos porque somos mantenidos en la oscuridad. Puedo ser brutal cuando hablo de estas cosas, pero me encanta la manera en que Juan me ayuda a la frustración de mi sistema en forma de una buena canción. "
Este mismo sentimiento de conciencia social remerges un par de temas más adelante en "Broken World", una pieza conmovedora en donde la cantante expresa su deseo de reparar sólo una pequeña esquina de un mundo que está profundamente fuera de orden. La pista está impregnada de un alma pegadiza / surco evangelio, en gran parte gracias a la experiencia de John Medeski en Hammond B3.
Además en el conjunto, Copeland se aleja del blues tradicional con una humeante, introspectiva versión de Joni Mitchell "Cuervo Negro." Recientemente organizada por Oliver Wood, la canción fue sin duda un salto de Copeland, pero que ella estaba lista para tomar. "Yo no estaba acostumbrado a hacer algo así", admite. "Yo había estado escuchando a Joni Mitchell toda mi vida, y creo que es un gran compositor. Yo estaba contenta con seguir escuchando, pero al intentar grabar una de sus canciones fue intimidante. Pero Oliver se acercó con un arreglo muy bueno, y como resultado, yo no tenía miedo de ir y hacerlo. Ese es el tipo de cosa que hace Oliver como un productor increíble. "
Otros puntos destacados incluyen la desafiante "Nacido un centavo", una canción que Copeland considera que la canción más autobiográfica en el expediente, y "la invitación de River", una molienda Percy canción Mayfield que habla de la fuerza espiritual de las corrientes - real y metafórico - que nos guíe a través del mundo.
Por todos sus logros hasta la fecha, y para todo el potencial que aún tiene que realizar, Copeland mantiene un sentido de humildad, sobre todo - una virtud que sólo hace que su historia aún más atractiva.
"Érase una vez, mi objetivo principal era cambiar la forma y la dirección de los azules, yo solo", dice. "Pero con el tiempo, me di cuenta de que no conducía el autobús, que no estaba realmente al mando. Me he dado cuenta de que yo no estoy en control de lo que la gente compra, o la naturaleza del mercado, o cualquiera de las cosas que suceden después de la música se graba. Ahora sólo mirarlo de una manera diferente. Yo sólo voy a hacer mi parte y mi parte es hacer lo que puedo hacer, de la mejor manera que sé cómo hacerlo. "
Si el pasado es prólogo, y si Never Going Back es alguna indicación, todos los Shemekia Copeland puede hacer la voluntad de ser más que suficiente.








Nuevo sencillo de Ricky Martin


Miami, FL. (28 de febrero, 2011).- A partir del dia de hoy se podrá escuchar en todas las emisoras de radio, “MAS,”  el nuevo sencillo del artista internacional Ricky Martin.


“MAS,” es uno de los temas más emblemáticos de su décima producción discográfica MUSICA+ALMA+SEXO, no sólo por su musicalidad pero también por su lírica. “Más” es de esas canciones que te animan y te inspiran a vivir la vida a plenitud pero también promueve la autoexigencia y lo importante que es alejarnos de todo aquello que nos limita,” expresó Ricky, quien también fue uno de los compositores del sencillo.


Teniendo el rotundo éxito de “Lo Mejor De Mi Vida Eres Tú” como precedente, el nuevo sencillo se apunta a ser uno de los temas más pedidos en la radio y otro gran acierto de MUSICA+ALMA+SEXO, álbum que se encuentra entre los cinco discos más vendidos a nivel nacional e internacional.


Después de sus explosivas presentaciones en Premio Lo Nuestro en Miami y Premios Cadena Dial en España, Ricky Martin continúo su extensa gira promocional en Italia, Alemania y Suiza.


Esta semana, retomará los ensayos correspondientes a su anticipada gira mundial “Música+Alma+Sexo” 2011, la cual arrancará con CUATRO conciertos consecutivos los días 25, 26, 27 y 28 de marzo en el Coliseo José Miguel Agrelot de Puerto Rico, para luego recorrer los Estados Unidos y México.






Twitter Delicious Facebook Digg Stumbleupon Favorites More

 
Design by Free WordPress Themes | Bloggerized by Lasantha - Premium Blogger Themes | Enterprise Project Management