Blur

• Blur es un grupo de britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista / teclista Damon Albarn, el guitarrista / vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes del Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.
• Las influencias originales de Blur están en su álbum debut, Leisure, incluyendo tendencias de Rock alternativo británico contemporáneo tales como Madchester y Shoegazing. Después de un cambio de estilo a mediados de 1990, bajo la influencia de grupos de guitarra ingleses como The Kinks, The Beatles, y XTC, la banda lanzó Modern Life Is Rubbish, Parklife y The Great Escape. Como resultado, la banda ayudó a popularizar el género Britpop y logró una masiva popularidad en el Reino Unido, con la ayuda de un famoso cuadro de batalla con sus rivales Britpop Oasis.
• En la década de 1990, con el lanzamiento de su quinto álbum, Blur, la banda sufrió otra reinvención, influenciado por el indie-rock y el estilo lo-fi estadounidense de bandas como Pavement y R.E.M., en el proceso de obtener un difícil éxito Americano con el single "Song 2". En el último álbum de la banda con la formación original, 13, se encuentra a Blur experimentando con la electrónica y la música gospel.
• En mayo de 2002, el miembro fundador Graham Coxon dejó la banda a principios de la grabación de las sesiones Think Tank, el séptimo y último álbum. Blur continúa en su ausencia, siendo vistos por última vez en su gira para el álbum Think Tank. Desde el final de su gira de 2003, la banda está inactiva, como banda están trabajando en proyectos en solitario. En septiembre de 2007, la banda se reunió con Coxon por primera vez en 5 años. En octubre de 2007, se publicó un mensaje en su página web diciendo que, si bien las relaciones son sanas entre los cuatro miembros, Damon Albarn descartó la posibilidad de volver a hacer un nuevo álbum. El 9 de diciembre de 2008, los rumores sobre una posible gira y la reunión del grupo se confirmaron; se presentaron el 2 y 3 de julio de 2009 en el Hyde Park.[2]
• Raíces e InfluenciaBlur es una de las bandas británicas que aparecieron en el inicio de la caída del grupo británico The Stone Roses, mezclando psicodelia pop rock con fuertes guitarras. Siguieron el cambio de imagen a mediados de los 90, el grupo se erigió como uno de las más populares bandas de Reino Unido, proclamándose como herederos de la tradición Pop inglesa de grupos como The Kinks, The Small Faces, The Who, The Jam, Madness y The Smiths. En el proceso, el grupo abrió las puertas a una nueva generación de bandas cuyo movimiento se engloba en el Britpop. Las letras irónicas de Damon Albarn, el trabajo remarcado de Graham Coxon y la maestría pop del resto del grupo, les concede ser uno de los líderes del Britpop. Sin embargo, pronto se vieron atados por él; porque fueron una de sus principales bandas, estuvieron cerca de caer con el movimiento cuando este decaía o ya no interesaba. A través del reinvento de sí mismos, Blur reclamaba su posición como una banda art pop-rock en los 90 mediante la incorporación de indie rock e influencias lo-fi procedentes de bandas de los Estados Unidos en el estilo de Pavement o R.E.M., lo cual les dio el difícil reto de triunfar en Norteamérica en 1997. Pero el legado de la banda todavía permanece en Reino Unido, donde ayudaron a reinventar la música pop de guitarras con un enriquecimiento sabio de las tradiciones pop del país.
• Debe anotarse que Blur salió de Goldsmith's College. Otros alumnos de la escuela son Damien Hirst que trabajó con Blur en un vídeo y con miembros de la banda en otra banda llamada Fat Les, y Julian Opie, quien creó las imágenes vectoriales realistas usadas en la carátula de la colección de singles. El impacto del Goldsmith's College en la banda no puede menospreciarse.
  Ascenso al éxito (1991-1993)
  Después de "She's So High", el primer single del grupo, que salió en el programa Top 50 - el productor de Morrissey Stephen Street contactó con la banda y les propuso producir su álbum. La banda aceptó inteligentemente, teniendo en cuenta el éxito posterior de la banda. La asociación entre Blur y Stephen fue exitosa y perduraría durante la siguiente mitad de década. La ayuda de Street en la producción, que ayudó a la banda en su camino al estrellato, hizo que fuese considerado como el quinto miembro de Blur por fans y prensa.
• El siguiente single a "She's So High" - "There's No Other Way" - entró en el Top Ten. Ambos singles se incluyeron en su álbum debut, Leisure. Aunque recibió buenas críticas, el álbum fue encajado entre la escena pop Madchester prácticamente muerta y la escena Shoegazing ya decadente, haciendo que algunos periodistas y críticos musicales desecharan a la banda al considerarla ídolos hechos para jóvenes. Durante un par de años, Blur luchó para abandonar este título y probar que los críticos se equivocaban.
• Durante su tour por América, documentado en la película Starshaped, el grupo perdió la felicidad, muchas veces ventilando sus frustraciones entre ellos y llevando a cabo varios enfrentamientos violentos. La banda (y especialmente Albarn) empezó a desarrollar la idea de un álbum dirigido contra la cultura estadounidense, originalmente titulado "Blur vs América", con lo que empezaron a trabajar en su regreso a Reino Unido. Andy Patridge, de XTC, fue en un primer momento encargado de producir el siguiente álbum a Leisure - lo que se convirtió posteriormente en Modern Life Is Rubbish. Sin embargo, la relación entre él y la banda pronto se deterioró, así que Street fue de nuevo conducido a producir la grabación. Tras estar casi un año en el estudio, la banda publicó el álbum en Food Records. Sin embargo, la compañía rechazó el álbum, declarando que necesitaba un hit. La banda volvió de nuevo al estudio y grabó "For Tomorrow", que se convirtió en un hit en Reino Unido. Food estaba preparada para publicar el álbum, pero su compañía en Estados Unidos, SBK, dijo que no había un hit para el público estadounidense, así que pidió el regreso de nuevo al estudio de la banda. Entonces crearon y grabaron "Chemical World" que satisfizo a SBK; la canción fue un hit alternativo menor en Estados Unidos y alcanzó el puesto 28 en la lista británica. Modern Life... estaba preparado para ser publicado en la primavera de 1993, cuando SBK pidió a Blur regrabar el álbum con el productor Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth y Smashing Pumpkins). La banda muy enfadada e irritada decidió rehusar la petición. El álbum fue publicado en mayo en Reino Unido; apareció en EE.UU. ese otoño. Modern Life Is Rubbish recibió buenas críticas en RU, alcanzando el puesto 15 en las listas, pero falló estrepitosamente en EEUU. A pesar del desdén de Albarn por la cultura estadounidense, particularmente el grunge, las notas del álbum llevaban una cita directa del escritor canadiense Douglas Coupland que escribió la "novela grunge" Generation X: Tales for an Accelerated Culture (Generación X: Historias para una cultura acelerada). La cita decía "Legislated nostalgia: to force a body of people to have memories they do not actually possess" (Nostalgia legislada: forzar a un cuerpo de personas a tener recuerdos que de hecho no poseen).

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Lisa Nicole Grace

• Popular Singer / Songwriter Lisa Nicole Grace tiene ese tipo de voz que al instante se derretirá el corazón de uno. Canta con la pureza y la claridad de que los aficionados puedan comprender fácilmente. Lo que hace especialmente atractivo su son esas letras maravillosas que están llenos de lecciones de la vida. Echa un vistazo a esta entrevista reciente que nuestro Webzine completa con la artista mientras se habla más sobre su música, entre otras cosas.
• Isaac: Acabo de escuchar una de sus canciones titulada "Last Breath". ¿Cuál fue la inspiración para hacer esta canción y su nuevo álbum?
• "Lisa: Last Breath" fue una canción que escribí durante las vacaciones de Navidad en 2008. Yo acababa de leer el segundo libro de la Saga Crepúsculo: Luna Nueva. Yo estaba un poco detrás del resto del mundo en el descubrimiento de estos libros, y de ellos como un regalo de Navidad de mi hermana mayor. Me inspiré en la trágica historia de amor de Edward y Bella (los dos personajes principales). Ellos estaban tan dispuestos a morir por los demás en nombre del amor. La letra de "Last Breath" está a punto sacrificar su último aliento para proclamar su amor. Es un poco dramático! Esta canción fue grabada sólo por diversión en el estudio de un amigo, no va a ser una pista en mi nuevo disco que estoy grabando.
• Actualmente estoy en el estudio grabando mi primer disco de larga duración, que se titulará "Prairie Bell". Todavía estamos en las primeras etapas, pero esperamos contar con el registro publicado en el verano de 2010. El álbum será de diez canciones que he escrito. Estamos grabando en un estudio local aquí en Edmonton llamado Audio llave en mano con nuestro buen amigo Randor Lin. Mi esposo Jared Evangelos, mi hermano-en-ley Brent Schaitel y yo estamos produciendo el álbum. Va a ser una mezcla de folk contemporáneo / raíces / pop. Estoy muy emocionado!
• Isaac: ¿Quiénes fueron tus influencias?
• Lisa: Crecer mis padres tenían un gran sabor de la música y los artistas que me influenciaron fueron los que escuché sobre una base regular en nuestra casa. A unos pocos grandes influencias en cuanto a la escritura van son Bonnie Rait, James Taylor y Jann Arden. Jann Arden realmente se destacó para mí, porque ella es una artista canadiense (de la misma provincia que yo - Alberta), que ha hecho tan bien en Canadá y en todo el mundo. Ella cuenta muy buenas historias con sus canciones, que es algo que aspira a hacer.
• Otros artistas que escucho todo el tiempo que definitivamente me toca y me inspiran son Martin Sexton, Ryan Adams, Gavin DeGraw y Sheryl Crow. Además, la comunidad de artistas indie en mi ciudad natal de Edmonton realmente influye en mí, en mi particular buenos amigos Chloe Albert Cooper y Chanda.
• Isaac: ¿Cuál considera que ha sido el punto culminante (s) y el punto bajo (s) de su carrera hasta la fecha?
• Lisa: Todavía siento que mi carrera musical apenas comienza a veces. He estado escribiendo, tocando y grabando durante unos ocho años. Empecé tarde en la vida, en comparación con un montón de gente que ha estado cantando desde que eran niños. El punto culminante de mi música "viaje" hasta el momento sin duda sería la liberación de mi EP "Las sesiones de Bodega" en 2008. Mi esposo, su cuñado-y he trabajado en este EP en nuestro propio estudio pequeño sótano de unos meses en el invierno de 2008 y nunca espera lanzar nada. Pero lo hicimos y lo que realmente acaba de rodar la pelota en cuanto a emisiones de radio, escribir ups diferentes, las características, y me dio la inspiración que necesitaba para una grabación de larga duración.
• Realmente no diría que ha sido un punto específico bajo. Hay un montón de altibajos en la música y eso es lo que persigue es tan emocionante, frustrante, gratificante e interesante. He escuchado a otros artistas indie se refieren a la música como una gran montaña rusa y estoy completamente de acuerdo. Los momentos de alegría y de realización siempre eclipsar los momentos de decepción.
• Isaac: Breve historia acerca de sus antecedentes, más el estilo de música que toca.
• Lisa: Al crecer, yo siempre estaba involucrado en las artes, nunca directamente con el canto y la composición, pero yo estaba muy involucrado en la danza y la escritura de cuentos y poesía. Yo me crié en una casa donde siempre hubo música fantástica que se está reproduciendo. Hacia el final de la escuela secundaria, que tenía que tener la cirugía de columna, que clase de poner fin a mis días de baile. Cuando no podía bailar más, empecé a cantar. Mi padre me puso en mi primer juego de lecciones a los 17 años de edad. Dentro de unos meses, hice una audición para un programa de música de la universidad, y dentro de unos meses de que empecé mi primer año de mi diploma de la música. Esto pronto dio lugar a un grado en la voz. De pronto, se hizo la escuela y experimentar con el juego de mi música original alrededor de mi ciudad natal. Con el tiempo, me llevó a grabar y lanzar mi primer EP "Las sesiones de Bodega". Dos años más tarde, ahora estoy trabajando en mi primer disco de larga duración.
• Me cuesta a mí mismo palo en un género para el estilo de música que yo hago y escribo. A veces es un poco más popular, a veces se siente un poco más de las raíces / país y es a veces rayana en el pop contemporáneo. De cualquier manera es sin duda la música de mi corazón.
• Isaac: ¿Qué tan fácil es para usted obtiene conciertos como artista? ¿Cuál es la escena de la música en directo como en su área?
• Lisa: Edmonton (mi pueblo) tiene algunos eventos en vivo muy buena música. Obtención de conciertos no es demasiado de un reto, siempre y cuando usted es bueno en la promoción de ti mismo y sacar a la gente a sus presentaciones. Ya que es una comunidad más pequeña musical es importante para establecer una reputación de calidad para usted. Hay una fantástica piscina de la cantante genuina / compositores en Edmonton. Nunca me siento en competencia con mis compañeros artistas independientes, siempre siento que estamos trabajando juntos para mantener la escena de la música viva y floreciente.
• Isaac: ¿Qué piensa usted del estado de la música popular en este momento?
• Lisa: La música tradicional, al menos desde donde yo estoy en el mundo parece ser uno de los más sinceros, honestos música por ahí. Me alegra el corazón, y estoy encantado de formar parte de ella.
• Isaac: ¿Escuchas radio mucho a todos?
• Lisa: Yo escucho la radio todo el tiempo. Tengo un poco de un viaje a mi trabajo diario, así que escuchar la radio en mi disco. Escucho la radio local, radio por satélite y de radio por Internet en el ordenador en el trabajo. Ahora mismo estoy enganchado a la estación de Coffeehouse en Sirius Satellite Radio. Se trata de una acústica cantante / compositor estación que toca algunos realmente grandes nuevos artistas - su música original y junto con algunos covers malos.
• Isaac: ¿El Internet ayudó a la música crecer o impedido que en su opinión?
• Lisa: Creo que la Internet ha sido un poco de la captura 22, cuando se trata de música. Por un lado, los programas de software como Limewire exponer a los artistas, al permitir a los usuarios descargar música de forma gratuita. Pero por otro lado, hay algunas increíbles herramientas que han sido introducidos, tales como MySpace, YouTube, y las ofertas Sonic. Estas herramientas hacen parte de la industria de la música que de otro modo inaccesibles, accesible a los artistas como yo. Personalmente siento que los medios de comunicación social ha permitido a los artistas indie para interactuar con los artistas más establecidos en una variedad de formas que pueden beneficiar a su carrera musical. También he utilizado la Internet para comunicarse con las estaciones de radio de todo el mundo que a su vez han empezado a jugar mi música, por lo que me ha servido bien.
• Isaac: Si pudieras crear una banda de fantasía - ¿Cuál sería el line-up y por qué?
• Lisa: Muy buena pregunta! Tuve que dar a este un un montón de pensamiento. Sólo de pensar en todos estos músicos reunirse en una sala para volver a mí me da escalofríos y estuve a punto de empezar a hiperventilar. Sólo para darle una idea de cuánto los admiro.
• Steve Jordan a la batería. No sé de Steve Jordan, porque mi esposo Jared es un gran fan. Yo tendría que haber Jered tambores jugar demasiado para que pudieran jugar juntos y Jered podía morir un hombre feliz.
  Arnold McCuller en la voz de nuevo.
  David Lasley en la voz de nuevo.
  Larry Goldings en el teclado.
  Jerry Douglas en dobro.
  Martin Sexton en la guitarra rítmica y voz de una copia de seguridad.
  Michael Landau en la guitarra.
  Pino Palladino en el bajo.
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Peter Green

• Como muchos ya saben mis 10 guitarristas favoritos son Paul Kossoff, Mick Taylor, BB King, Santana, Eric Clapton, Gary moore, ETC Y The Edge y el que nos ocupa, Peter Green. En este artículo voy a intentar contar un poco aspectos relevantes de este gran músico e intercalar datos históricos con alguna que otra anécdota que he ido recopilando a lo largo del tiempo que llevo siguiendo al señor Green y opiniones personales de ésta que os escribe estas líneas.
• Peter Allen Greenbaum nació un 29 de octubre de 1946 en el barrio obrero de Bethnal Green (este de Londres, Inglaterra). Su verdadero apellido no era Green sino Greenbaum (una “simplificación” de su apellido real judío). El hecho de ser judío le podía haber ocasionado muchos problemas en la Inglaterra de los años 60 donde todavía existía cierto antisemitismo, por lo que es compresible su decisión de cambio. Por esta razón desde que tuvo 15 años comenzando su carrera como músico profesional firmaba y se identificaba con el nombre Peter Green... más accesible para las clases obreras londinenses y sin la discriminación potencial que podía ocasionar el real. Sus padres Joe y Anne tuvieron antes de él a otros 3 niños, siendo su hermano Michael el que inició a Peter en el mundillo de la guitarra enseñándole sus primeros acordes. Este niño creció entre la influencia de la clase trabajadora del este de Londres y sus tradiciones judías que dejaron una gran huella en él. Sus primeras influencias fueron gente como los Shadows de Hank Marvin, algunos discos bluseros –en especial BB King- y la música folk que oía en el seno familiar
  Empezó su carrera con un grupete de poca importancia que se denominaban “Bobby Denim and the Dominoes” donde tocaba versiones de clásicos y cosas de la radio de la época. Al principio no era ningún guitarrista multifacético y virtuoso. Sólo sabia un par de links pero los tocaba con al convicción y gusto que esto era suficiente. Después pasó por los Muskrats y por The Tridents tocando el bajo. Quizás este tiempo tocando ese instrumento le ayudase a formarse rítmicamente y asumir un papel de apoyo a la canción más que el sonido solista desbordante que tomó por ejemplo Clapton.
• Lo que le marcó mucho fue conocer al decidido Mick Fleetwood el gigante batería de los Fleetwood Mac; los dos tocaron en otro grupete del teclista Peter Barden, los Peter Bardens' Looners, (también conocidos como los The Peter B's o los Peter B Looners) grabando por primera vez en su vida. Peter tenía 19 años por entonces y duró solo 3 meses en la banda. Poco después incluso tocó con Rod Steward en Shotgun Express aunque ambos no conectaron demasiado, la verdad. En aquel tumultuoso ambiente Peter iba mucho a ver a “la competencia” admirando a gente como Eric Clapton. Cuando Eric dejó tirado por primera vez a John Mayall Peter se ofreció como sustituto insistentemente. Ya había alguien en el lugar de Clapton pero Green insistía que él era el guitarrista que necesitaban.
• Mayall parece que aceptó no tanto por sus cualidades guitarrísticas sino para que le dejase en paz. Peter tocó con John Mayall y los Bluesbreakers solo tres conciertos hasta que volvió Clapton. Cuando Clapton se fue ya definitivamente poco después le dieron un toque a Peter para que se incorporase de forma continua a la banda. Pienso que debió ser duro para él el ser el sustituto de Clapton de forma intermitente. Siempre he tenido la impresión -y esto es una apreciación personal- de que Peter debió ser un niño bastante sensible que al crecer en un barrio obrero (lo que llaman en el Reino Unido clase trabajadora pero que nosotros conocemos más como clase baja) en aquella época tuvo que desarrollar una actitud dura y un poco agresiva que le facilitase moverse en el mundo de la música y en especial del blues. El blues en la Inglaterra de los 60 era una música desconocida. La gente “normal” iba a los Music Halls, no a los Working Men clubs a escuchar música que hacían los negros en América. Esto pasó factura a Peter, pero más de esto luego.
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  Peter se mostró como un sustituto más que adecuado. Su estilo no se parecía en casi nada al de Clapton; donde Clapton era frenético, Green era pausado, donde Clapton era virtuoso, Green se mostraba minimalista. Donde Clapton era impetuoso y mordaz, Green era retraído y dulce. Nunca sabremos hasta que punto esto fue un hecho provocado conscientemente por Green o simplemente una diferencia real en su forma de entender e interpretar el Blues.
• De todas maneras yo veo ciertos elementos de Clapton en Green como es esa tendencia a tocar un poco “detrás” del tiempo. Si nos fijamos en gente como Mike Bloomfield (que tocaba también con una LP, en la misma época y un tipo de música muy similar) el “feeling” es muy distinto; Bloomfield era mucho más preciso frente al estilo más “arrastrado” de Clapton y Green. Curioso ¿verdad? Por aquel entonces ya tocaba con su LP Standard del 59. Era un instrumento muy peculiar con un mástil gordísimo, muy difícil de tocar y que quizás forzase a Peter a tocar de una manera más contemplativa y controlada. Además en algún momento Peter rompió la pastilla de graves que fue reparada de forma chapucera pero que aportó a esa Les Paul un sonido muy peculiar y que hoy identificamos inmediatamente con la música de aquella primera encarnación de Fleetwood Mac. Como curiosidad diré que le tipo que reparó la pastilla usó un tocadiscos para bobinar el hilo y que usó hilo tipo Stratocaster en vez del normal esmaltado que usaba Gibson en aquella época.
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  Para la grabación del disco con Mayall usó la susodicha y amplis Marshall (posiblemente Jtm45s). Del disco “A Hard Road” podemos recomendar el tema instrumental “The Supernatural”.... tengo que reconocer que la voz de Mayall no me vuelve loco por lo que elegir un tema instrumental que realce el tono de Green es lo que a mi más me satisface. Jeje. Es de notar que Green eligió el tema de Freddie King “The Stumble”.... ¿sería para dejar constancia que si Clapton podía hacerlo él también podía? Uhmmm... Pues lo interesante es que Mayall le regaló a Green por su cumple unas cuantas horas de estudio que este usó con McVie (bajista) y Fleetwood (batería) para grabar 4 temas entre los que estaban “ First Train Home” y la instrumental Fleetwood Mac. Este tema se puede escuchar en la excelente recopilación de “The complete Blue Horizon sessions”.
•  Mucho les tuvo que gustar la cosa porque en el verano del 67 dos de los tres después dejaron a Mayall. A Mick le echaron por beber en exceso y Peter se fue poco después a montar “Fleetwood Mac”. McVie no quería dejar a Mayall por ser un trabajo estable y entonces Green buscó al gafitas estudiante de arte y músico aficionado Bob Brunning. Bob era más un fan que un buen músico pero colaboró bastante y siguió siendo amigo y fan incluso después de que le diesen la “patada” para meter a John McVie. Es curioso como el diminuto, chistoso y excéntrico chico de Hartlepool Jeremy Spencer se incorporó a la banda y aportó su sonido de slide salvaje y su desgarrada voz que contrastaba con Peter. Desde el principio Jeremy fue algo especial y cuentan anécdotas que reflejaban el carácter despistado del mismo: por ejemplo tuvo a su primeraza hija bastante joven mientras tocaba con Peter y compartía piso con Bob Brunning. Cuando el bajista le preguntó por el nombre del bebé al pronto no lo podía recordar.
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  Unos cuantos conciertos y ya con McVie ( que se había peleado con Mayall ) llegó el primer disco. La mezcla funcionó sorprendentemente bien y junto a los temas minimalistas y preciosistas de Peter como se encontraban temas mucho más rudos como “My Heart beats like a hammer” de Spencer.
• La producción era bastante mala y terrosa; si lo comparamos con el famoso disco “Beano” de Clapton con Mayall donde el sonido tenía la calidez del equipo analógico de la época pero también una profundidad y filo excelente el primer disco oficial de Fleetwood Mac resulta algo pobre. Para los amantes de los datos anecdóticos Brunning fue el que grabó el bajo de “Long Grey Mare” uno de los pocos número “movidos” del disco aunque su nombre no apareció, claro. Lo mejor del disco? La guitarra y voz de Green, el sentido del humor de Spencer y la sólida base rítmica. ¿lo peor? La producción y unas letras bastante feas y anodinas. Las letras nunca fueron el fuerte del Blues y Fleetwood Mac no fueron una excepción.

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